拉丁语声乐作品集1圣母颂精选中高声部音乐练习曲谱书籍教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 拉丁语
• 声乐
• 圣母颂
• 练习曲
• 高声部
• 音乐教材
• 合唱
• 古典音乐
• 书籍
• 正版

商品名称：拉丁语声乐作品集1圣母颂精选中高声部音乐练习曲谱书籍教材正版

商品编号：29634002129

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787552314182

编辑推荐

《拉丁语声乐作品集1:圣母颂精选》由上海音乐出版社出版。

作者简介

张建一，著名歌剧表演艺术家，男高音歌唱家张建一，现任中央音乐学院学术委员会委员、院教学督导与评估委员会委员、声乐歌剧系教授委员会主任、硕士生导师，上海音乐学院客席教授，杭州师范大学客席教授。张建一毕业于美国纽约朱丽叶音乐学院歌剧系，上海音乐学院声乐系，师从于我国著名女高音歌唱家、声乐教育家周小燕教授。曾获第三届维也纳国际歌剧歌唱家比赛第壹名、帕伐洛蒂国际声乐比赛大奖、美国音乐家基金会声乐比赛第壹名、纽约歌剧俱乐部声乐比赛第壹名、美国萨利凡音乐基金会声乐比赛第1名、匈牙利国家电视台百花奖、德国《歌剧世界》杂志特别奖等多项国际声乐比赛奖项。

《西方音乐史纲要：从古希腊到二十世纪》 本书特色与内容概述 本册《西方音乐史纲要：从古希腊到二十世纪》旨在为音乐学习者、爱好者以及对西方文化史有浓厚兴趣的读者提供一部全面、深入且富有洞察力的音乐发展历程梳理。本书突破了传统音乐史教材的枯燥叙事模式，将音乐的演变置于宏大的社会、哲学、宗教和技术背景之中，力求展现音乐作为人类精神表达载体的丰富内涵。全书结构严谨，脉络清晰，内容详实，涵盖了西方音乐自起源至今的主要阶段、风格流派、代表人物及其关键作品，并辅以大量乐理分析和文化解读。 第一部分：音乐的起源与古典文明的回响（导论与早期阶段） 本部分首先探讨了西方音乐的哲学根基——古希腊的音乐理论，特别是毕达哥拉斯音程学说及其对“宇宙和谐”（Musica Universalis）的构想。我们将深入分析柏拉图和亚里士多德在音乐伦理学上的观点，理解音乐在古代城邦教育体系中的核心地位。随后，简要概述古罗马时期音乐的实用化和世俗化倾向。 第二部分：中世纪的圣歌与教会音乐的统治（约500年 – 1400年） 中世纪是西方音乐史上一个极其重要的转型期。本书详细剖析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、特征及其在罗马天主教会礼仪中的规范化过程。重点解析了早期记谱法（如纽姆谱）的发展及其对音乐精确传播的革命性意义。 接着，我们将步入中世纪音乐的创新领域： 奥尔加农与复调的萌芽： 详细介绍巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），探讨他们如何将两声部、三声部乃至四声部的复调结构系统化，标志着西方对织体复杂性的不懈追求的开端。 世俗音乐的兴起： 描述游吟诗人（Troubadour）、游吟歌者（Trouvère）以及德国的宫廷诗人（Minnesänger）的音乐生活、诗歌主题和音乐风格，对比其与教会音乐在审美和功能上的差异。 14世纪“新艺术”（Ars Nova）： 深入分析菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）如何通过节奏的精细化和记谱法的完善，极大地拓宽了音乐表达的可能性。 第三部分：文艺复兴的复苏与人文主义的光辉（约1400年 – 1600年） 文艺复兴的核心在于“人”的回归。音乐领域同样展现出对清晰度、平衡感和文本表达的重视。 早期（15世纪）： 重点考察以杜法伊（Dufay）为代表的“勃艮第乐派”，分析其对和声的探索以及对法国和英国传统的融合。 盛期（16世纪）： 详述弗兰德学派（如雅各布斯·奥克海姆、若斯坎·德普雷）如何将模仿对位法推向技术高峰，使多声部织体达到前所未有的均衡与流动性。 宗教音乐的改革与对位大师： 重点分析帕莱斯特里纳（Palestrina）的作品，探讨特伦特会议对音乐风格的影响，以及他如何以清晰的旋律线条和纯净的和声确立了“典范对位”的标准。 世俗音乐的繁荣： 深入研究意大利牧歌（Madrigal）的发展，分析其如何通过“文字描绘”（Word Painting）手法，实现音乐与文本含义的紧密结合。同时，介绍键盘音乐（如维吉纳琴音乐）的初步发展。 第四部分：巴洛克：激情、对比与宏伟的结构（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是西方音乐体系成熟的关键阶段。本书将从风格的转变入手，探讨歌剧（Opera）在意大利的诞生及其早期巨匠（如蒙特威尔第）对戏剧与音乐结合的贡献。 音乐语言的革命： 深入解析“巴洛克风格”的核心特征——数字低音（Basso Continuo）、对冲性（Affektentheorie，情感理论）和对比原则。 器乐体的成熟： 详细考察协奏曲（Concerto Grosso与独奏协奏曲）、奏鸣曲（Sonata）以及组曲（Suite）等体裁的规范化。重点分析科雷利、维瓦尔第等人的贡献。 歌剧的鼎盛与发展： 分析咏叹调与宣叙调的结构确立，以及格鲁克歌剧改革前后的流派差异。 对位艺术的巅峰——巴赫与亨德尔： 独立章节深入分析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的对位技艺（如《平均律钢琴曲集》、《赋格的艺术》）和宗教作品的深度，并探讨乔治·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）在清唱剧（Oratorio）领域所达到的宏伟境界。 第五部分：古典主义：清晰、平衡与形式的完美（约1730年 – 1820年） 古典主义时期是对巴洛克复杂性的反思，追求自然、清晰和清晰的结构。 从洛可可到风格清晰： 探讨“敏感风格”（Empfindsamer Stil）与早期古典主义的过渡。 奏鸣曲式（Sonata Form）的确立与核心地位： 详细剖析奏鸣曲式的发展脉络，并将其作为理解海顿、莫扎特和贝多芬三大师作品的钥匙。 维也纳古典乐派的成就： 海顿（Haydn）： 探讨其“交响曲之父”的地位，以及对弦乐四重奏体裁的奠基作用。 莫扎特（Mozart）： 分析其歌剧（如《费加罗的婚礼》）中人物心理的刻画深度，以及协奏曲写作的典范性。 贝多芬（Beethoven）的跨越： 重点分析贝多芬如何从古典主义的框架中挣脱，通过发展主题动机和强化戏剧冲突，预示了浪漫主义的到来。 第六部分：浪漫主义：主观情感的抒发与民族色彩的凸显（约1800年 – 1910年） 浪漫主义音乐强调个人情感、想象力、异域情调和对超自然力量的向往。 早期浪漫主义的先驱： 舒伯特（Schubert）艺术歌曲（Lied）的深度解析，以及韦伯（Weber）在德语歌剧上的革新。 钢琴诗人的时代： 集中探讨肖邦（Chopin）和舒曼（Schumann）如何将钢琴艺术推向极致，以及小型抒情曲的发展。 民族主义的崛起： 介绍俄国五人组、斯美塔那、德沃夏克等作曲家如何将民间音乐元素融入古典结构，构建各自的音乐身份。 德奥晚期浪漫主义的宏大叙事： 深入分析瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念、主导动机（Leitmotif）技法及其对和声的激进拓展。对比勃拉姆斯（Brahms）对古典传统的坚守与创新。 后浪漫主义与世纪末的焦虑： 探讨马勒（Mahler）交响曲中的宇宙观和对人性的探索，以及理查·施特劳斯（R. Strauss）在交响诗方面的成就。 第七部分：二十世纪的革命与多元探索（1900年至今） 二十世纪是音乐史上风格最为多样和剧烈变革的时期。本书着重分析打破传统调性体系的几大重要流派： 印象主义与表现主义的对立： 德彪西（Debussy）如何通过音色、和弦色彩打破功能和声；勋伯格（Schoenberg）如何从后瓦格纳主义走向无调性，并最终确立十二音体系（Dodecaphony）。 新古典主义的回溯： 斯特拉文斯基（Stravinsky）对原始主义和古典体裁的重新审视。 新客观主义与民族影响的融合： 介绍欧洲及美洲（如科普兰）作曲家在调性、节奏和音色上的新探索。 电子音乐与先锋实验： 简要介绍音乐技术发展对作曲方法的影响，以及序列音乐、偶然音乐等激进流派的出现。 结论：音乐的永恒对话 最后，本书将总结音乐史的内在驱动力——技术进步与审美需求的永恒博弈，并展望未来音乐发展的可能性。本书辅以乐谱选段分析（侧重于体裁和织体特点，而非具体声乐的特定练习），致力于提供一个清晰、连贯、富有启发性的西方音乐全景图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了典雅的深蓝色调，配上手绘的复古花纹，散发着一种庄严肃穆的历史感。纸张的质地也挑选得恰到好处，略带米白色的内页，不仅保护了视力，也让乐谱看起来更加清晰和专业。装订工艺非常精良，书脊平整，翻页时感觉非常顺滑，完全不用担心会掉页。我尤其欣赏出版社在细节上花费的心思，比如在扉页印制了简短的拉丁文介绍，虽然我不精通拉丁语，但这种对原著的尊重感油然而生。拿到手中的分量也很有质感，感觉这不仅仅是一本练习册，更像是一件值得收藏的艺术品。对于那些注重仪式感和阅读体验的音乐学习者来说，光是翻阅这本书就能感受到一种被高雅艺术熏陶的愉悦。希望内页的排版也能像封面一样，保持这种高水准的精致度，让我在学习过程中始终保持愉悦的心情，而不是被复杂的符号和拥挤的版面所困扰。期待接下来的学习体验能够和这精美的外壳一样令人满意。

评分☆☆☆☆☆

作为一名声乐专业的学生，我非常关注教材内容的实用性和学术严谨性。我特意挑选了这本教材，主要是看中了它对高声部练习的侧重。目前的声乐教材市场，很多都过于偏重基础发声技巧，而真正针对特定声部、特定语种（比如拉丁语圣母颂这类作品）的深入解析和精细练习却相对缺乏。我希望这本书能够提供足够多的、难度递进的练习曲目，而不是仅仅罗列一些耳熟能详的简单选段。理想情况下，我期望看到针对高音区换声点、气息支撑在长乐句中的运用，以及拉丁语发音对音准和咬字带来的独特挑战的专项练习。如果书中能附带一些权威的演唱风格解析，哪怕只是简短的导言，都会大大增加其作为教材的价值。我购买时最关心的就是其实用性——它能否真正帮助我跨越高声部在演绎这类神圣作品时遇到的技术瓶颈，而不是停留在泛泛而谈的层面。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的选曲广度抱有极高的期待。圣母颂（Ave Maria）作为经典曲目，不同作曲家有数百种不同的演绎版本和风格，从文艺复兴时期的纯净对位到巴洛克时期的华丽装饰，再到近现代的浪漫主义抒情，风格跨度极大。我希望这本“精选”并非只是收录了最耳熟能详的那几首，而是能够涵盖不同历史时期、不同音乐风格的代表作。如果能收录一些相对小众但技术要求较高的中世纪或早期复调作品，那将是极大的惊喜。此外，对于“高声部”的界定，如果能明确指出是针对女高音（Soprano）还是男高音（Tenor）的特定音域优化，那就更具针对性了。一个好的选集，应该像一个精心策划的音乐会曲目单，既有基础训练曲，也有展示技巧的“炫技”片段。我希望能通过练习这些选曲，全面提升我对拉丁语声乐作品的理解和驾驭能力。

评分☆☆☆☆☆

从排版和清晰度的角度来看，这本教材的表现简直是教科书级别的典范。我以前买过一些老旧的乐谱，墨迹模糊不清，连小节线都像是断断续续的，极大地影响了视谱速度和准确性。然而，这本教材的每一个音符、每一个力度记号都印得锐利清晰，即便是复杂的三十二分音符跑动或精细的连音记号，也丝毫不会混淆。更重要的是，对于拉丁语歌词的标注，做得非常到位。它没有简单地用拼音替代，而是清晰地将每个音符对应到准确的拉丁语词节上，这对于我们学习如何在演唱中实现“清晰的拉丁语发音”至关重要。排版上采用了合理的留白，使得声部线条（尤其是对位和和声进行时）的走向一目了然，极大地减轻了初学者在处理多声部时产生的视觉疲劳。这种对细节的极致追求，无疑是优秀教材的基石。

评分☆☆☆☆☆

购买这本教材，主要是想深入探究拉丁语在美声演唱中的特定美感。拉丁语的发音规则与意大利语或德语有着显著的不同，其元音的纯净度和辅音的清晰度，直接影响到圣母颂这种庄重题材作品的宗教氛围和情感表达。我非常好奇教材是如何处理这些语言学和音乐技巧交叉点的。例如，书中是否有专门针对拉丁语中特定元音的打开方式的指导？或者，对于一些需要延音的长元音，教材建议了怎样的气息控制来维持音色的稳定和纯净？如果教材中能穿插一些音乐史家或语言学家的洞见，解释为什么某些特定的拉丁语词汇在乐曲中会采用特定的音高或力度处理，那将是锦上添花。我希望通过这本教材，我的演唱不仅是技术上的合格，更能达到文化和精神层面的共鸣，真正唱出拉丁语声乐作品所蕴含的深厚历史底蕴和虔诚之心。