西方钢琴艺术史音乐卷周薇上海音乐出版社音乐考研正版教材9787806672365 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周薇 编

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806672365

商品编码：29684830157

页数：184

图书基本信息
书名：	西方钢琴艺术史 音乐卷
丛书名：	中国艺术教育大系 普通高等教育“九五”重点教材
作者/主编：	周薇
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787806672365
出版年份：	2003年2月

版次：	第1版
总页数：	184页
开本：	1/16
图书定价：	33.00元
实际重量：	355 g
新旧程度：	正版全新

《普通高等教育"九五"重点教材·中国艺术教育大系:西方钢琴艺术史(音乐卷)》以西方音乐史上对钢琴（及古钢琴）音乐贡献突出的作曲家及其作品为论述对象，从宏观上梳理西方钢琴艺术的历史发展脉络。书中虽举有大量的作品实例，但着眼点并不在于对具体作品的详尽分析，而是将大量作品中看似孤立、零碎的历史现象（点）串连起来，探讨各种现象的来龙去脉，掌握它们之间的关系。

《中国艺术教育大系》序 前言 章 键盘乐器的历史沿革 节 概述 第二节 管风琴 第三节 古钢琴 第四节 钢琴 第五节 结语 第二章 约·塞·巴赫之前的键盘音乐 节 中世纪后期的键盘音乐 第二节 文艺复兴时期的键盘音乐 第三节 巴洛克前半期的键盘音乐 第四节 巴洛克后半期的键盘音乐 第三章 约·塞·巴赫及其同时代的主要键盘作曲家 节 约·塞·巴赫 第二节 乔治·弗里德里克·亨德尔 第三节 洛可可时期 弗朗梭瓦·库普兰 让·菲利普—拉莫 第四节 多梅尼科·斯卡拉蒂 第四章 古典时期的钢琴音乐 节 从巴洛克到古典时期的过渡 第二节 约瑟夫·海顿 第三节 沃尔夫冈·阿马多伊斯·莫扎特 第四节 穆齐奥·克莱门第 第五节 路德维希·凡·贝多芬 第五章 浪漫时期的钢琴音乐 节 概述 第二节 弗朗兹·舒伯特 第三节 费里克斯·门德尔松·巴托尔蒂 第四节 罗伯特·舒曼 第五节 弗雷德列克·肖邦 第六节 弗朗兹·李斯 第七节 约翰内斯·勃拉姆斯 第六章 19世纪欧洲民族乐派的钢琴音乐 节 概述 第二节 俄罗斯民族乐派 （一）概述 （二）谢尔盖·拉赫玛尼诺夫 （三）亚历山大·斯克里亚宾 第三节 挪威钢琴民族乐派爱德华·格里格 第四节 西班牙民族乐派 （一）伊萨克·阿尔贝尼斯 （二）恩里克·格拉那多斯 第五节 法国民族乐派 （一）概述 （二）塞撒·弗朗克 （三）卡米尔·圣—桑 （四）加布里埃·福雷 第七章 20世纪法国印象主义的钢琴音乐 节 概述 第二节 克洛德·德彪西 第三节 莫里斯·拉威尔 第八章 20世纪（印象主义以后）的钢琴音乐 节 概述 第二节 表现主义 第三节 新古典主义 （一）伊戈尔·斯特拉文斯基 （二）埃里克·萨蒂 （三）保罗·欣德米特 （四）谢尔盖·普罗科菲耶夫 第四节 新民族乐派 贝拉·巴托克 第五节 20世纪中叶以后的钢琴音乐 （一）奥列维埃·梅西昂 （二）约翰·凯奇 主要参考文献目录

《西方钢琴艺术史·音乐卷/普通高等教育“九五”重点教材·中国艺术教育大系》对各个时代的钢琴音乐家进行了寻找渊源和承继关系的纵向比较，也进行了探索同时代人影响的横向比较，既有以音乐史为背景的狭义比较，也有以文化艺术史为背景的广义比较。总之，通过从各个视角出发的大量比较，试图建立一张经纬交错的钢琴艺术历史宏图，以拓展钢琴学子的思维空间，使之加深对不同时代、不同地域和不同钢琴作曲家的风格特征的理解。 

音乐史纲要：从古代到近现代的西方音乐演变 本书是一部全面梳理西方音乐发展脉络的专著，旨在为音乐学习者、研究者以及所有对西方古典音乐抱有热忱的读者提供一个清晰、深入的知识框架。全书涵盖了从音乐的萌芽时期到二十世纪中叶的各大音乐风格、重要作曲家及其作品，力求在宏观把握时代特征的同时，不失对关键细节的精确阐述。 第一部分：音乐的源起与中世纪的咏歌（约公元500年以前至1400年） 本部分追溯了西方音乐的最初形态，重点探讨了古典希腊罗马时期音乐理论的奠基作用，如毕达哥拉斯音程理论对后世音乐构成的深刻影响。随后，我们将焦点转向中世纪——一个由教会主导的时代。 格里高利圣咏的形成与发展： 详细分析了早期单一旋律（Monophony）音乐的特点、记谱法的演变（从纽姆谱到五线谱的过渡），以及圣咏在礼仪中的核心地位。探讨了早期世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）与宗教音乐之间的张力与互动。 复调音乐的黎明： 深入剖析了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的意义，特别是莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在奥尔加农（Organum）发展中的贡献，标志着西方音乐正式步入多声部时代。我们也将讨论“新艺术”（Ars Nova）的出现，关注马肖（Machaut）如何将世俗文本与日益复杂的复调技巧相结合，预示着文艺复兴的到来。 第二部分：文艺复兴的和谐之声（约1400年至1600年） 文艺复兴时期是人文主义思潮渗透到音乐领域的关键阶段。本部分着重于技术革新、作品体裁的多样化以及音乐与文本关系的深刻变化。 佛兰德斯乐派的主导地位： 分析了杜菲（Dufay）、雅各布·奥布雷赫特（Obrecht）等作曲家如何完善了模仿手法，使音乐织体更加统一、流畅。重点阐述了帕莱斯特里那（Palestrina）在罗马天主教会改革背景下，如何通过其纯净、平衡的复调风格，成为“纯净”音乐的典范。 世俗音乐的繁荣： 探讨了牧歌（Madrigal）作为一种高度精炼的世俗声乐体裁的兴起，特别关注其在意大利和英国的发展，以及作曲家如何运用“文字描绘”（Word Painting）来增强音乐的表现力。此外，早期器乐的独立性也在此阶段逐步显现，鲁特琴音乐和维希那乐派（Venetian School）的色彩对比被详细考察。 第三部分：巴洛克的辉煌与激情（约1600年至1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最富于戏剧性、装饰性和情感强度的阶段。本书将该时期的特征归纳为“对位法的极致化”与“歌剧的诞生”。 歌剧的诞生与早期发展： 追溯了佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）对希腊悲剧复兴的尝试，分析了蒙泰威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中如何确立了歌剧的戏剧结构与情感表达的可能性。随后，考察了那不勒斯乐派（Neapolitan School）对咏叹调形式的规范化。 器乐的独立与协奏曲的成熟： 详细阐述了通奏低音（Basso Continuo）在巴洛克音乐中的核心作用。重点分析了科雷利（Corelli）、维瓦尔第（Vivaldi）如何发展了大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的曲式，确立了快速-慢速-快速的结构范式。 对位法的巅峰： 巴赫（J.S. Bach）的贡献被置于核心位置。通过分析《赋格的艺术》和《平均律键盘曲集》，深入解读了巴赫如何将复调技巧推向人类音乐思维的最高成就。亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）及其对公众音乐生活的塑造，也得到了详尽的论述。 第四部分：古典主义的秩序与清晰（约1750年至1820年） 古典主义时期是对巴洛克繁复装饰的反动，追求清晰的结构、平衡的比例和普适的人类情感表达。 奏鸣曲式的确立： 奏鸣曲式（Sonata Form）被视为古典主义音乐的“语法”。本书清晰解析了呈示部、展开部和再现部的内在逻辑，并阐释了其如何在交响曲、奏鸣曲和室内乐中得到最充分的应用。 维也纳古典乐派三杰： 海顿（Haydn）被誉为“交响曲之父”，其在确立交响曲、四重奏标准形式中的作用被重点探讨。莫扎特（Mozart）的音乐被视为完美形式与深刻人性洞察的结合，分析其歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理的精妙刻画。 贝多芬的革命： 贝多芬（Beethoven）被视为古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。探讨了他如何通过扩展曲式规模、增强戏剧冲突和运用“动机发展”手法，将交响曲提升至前所未有的哲学和情感高度，特别是他中晚期作品的创新意义。 第五部分：浪漫主义的狂想与民族色彩（约1820年至1900年） 浪漫主义音乐将个人情感、想象力、对自然和超验世界的向往置于至高无上的地位。 抒情性的爆发： 重点分析了舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied），阐释了钢琴伴奏如何从单纯的伴奏上升为与人声同等重要的叙事角色。肖邦（Chopin）对钢琴语汇的革新，特别是其夜曲、叙事曲的个人化风格，被细致描绘。 标题音乐的兴起： 阐述了李斯特（Liszt）如何发明“交响诗”（Symphonic Poem），及其如何利用音乐来叙述文学或绘画的主题。这一部分也关注了柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》中“固定音型”（Idée Fixe）的运用。 民族乐派的崛起： 探讨了非德奥文化圈作曲家如何从本国民间音乐、民间传说中汲取灵感，以抗衡德奥音乐的传统霸权。重点分析了俄罗斯五人组（如穆索尔斯基）、德沃夏克（Dvořák）以及格里格（Grieg）等人的创作特征。 晚期浪漫主义的扩张： 讨论了瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，其对和声的拓展（如《特里斯坦与伊索尔德》中的和弦）如何为二十世纪的无调性音乐埋下了伏笔。同时，也分析了勃拉姆斯（Brahms）如何在坚守古典主义形式的框架内，注入深刻的浪漫主义情感。 本书的写作风格力求学术严谨而不失可读性，通过对乐谱实例的恰当引用和对历史背景的细致勾勒，帮助读者构建一个立体、鲜活的西方音乐艺术全景图。它不仅是一部参考书，更是一扇通往经典音乐世界的可靠向导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计得很有心思，封面采用了典雅的米白色调，搭配着一些早期钢琴的线条插图，看上去就充满了历史的厚重感。纸张的质地很不错，阅读起来触感舒适，即便是长时间翻阅也不会觉得眼睛疲劳。我特别欣赏出版社在版式上的处理，字体大小适中，段落之间的留白处理得当，使得复杂的音乐史料也能清晰地呈现出来。更难得的是，书中的一些关键乐谱片段的印刷非常精细，无论是五线谱的清晰度还是力度记号的准确性，都达到了专业教材的水准。这不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的艺术品。在目录的编排上，作者也展现了极高的专业素养，章节划分逻辑严密，从巴洛克到浪漫主义，再到近现代的演变脉络梳理得井井有条，让人一目了然地掌握整体框架。我刚拿到手的时候，只是随意翻阅，就被这种精心打磨的细节所吸引，它不像很多考研用书那样只是简单地堆砌知识点，而是真正注重阅读体验和知识的系统性传递。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是它最吸引我的一点，它既保持了学术研究的严肃性，又充满了对音乐艺术本身的热爱和激情。它不是那种干巴巴的教科书腔调，而是充满了对历史人物和他们创造的辉煌时刻的深深敬意。读到描写贝多芬晚期作品时，那种文字仿佛能带着你穿越时空，去感受作曲家在耳聋和孤独中迸发出的精神力量，文字的画面感极强。我记得有一次读到关于德彪西钢琴音乐“印象派”色彩的论述时，作者用了很多描述光影和水流的词汇来类比和解释那些模糊而微妙的和声效果，让人在脑海中立刻浮现出音乐应有的听感。这种将“听觉艺术”通过“文字描述”精准传达出来的能力，是很多音乐史著作所不具备的。阅读的过程本身就是一种愉悦的精神享受，它让我不仅仅是为了考试而学习，更是为了更深层次地爱上和理解钢琴艺术的内在灵魂。

评分☆☆☆☆☆

从一个学习者的角度来看，这本书的结构设计极大地优化了复习效率。虽然内容详实，但作者并未采用那种令人望而生畏的“大部头”式写作，而是通过大量精炼的总结性段落，帮助读者快速抓住每段历史时期的核心特征。比如，在总结古典主义晚期到浪漫主义早期的转折点时，作者会用一到两段话高度概括出“情感表达的自由化”和“技巧难度对演奏家要求的提升”这两大主线，然后才展开具体论证。这种“先总后分”的叙事节奏，非常适合应试学习者进行知识的框架构建和快速记忆。而且，书中对一些晦涩的音乐学名词的解释也非常到位，不会让你因为一个术语而卡壳。我感觉这本书更像是一个经验丰富、极具耐心的私人导师，它知道你什么时候需要被鼓励，什么时候需要被鞭策，真正做到了“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度，远超出了我阅读过的许多同类入门读物。它并没有停留在对著名作曲家生平和作品的简单罗列上，而是深入剖析了钢琴艺术风格如何在特定的社会文化背景下，随着乐器本身的演进而发生质变。比如，在论述海顿和莫扎特的奏鸣曲创作时，作者细致地描绘了羽管键琴到古钢琴（Fortepiano）的过渡时期，乐器机械性能的改进如何直接影响了作曲家对触键力度和音色层次的探索。这种由技术支撑艺术发展的论述角度，极大地拓宽了我的理解。特别是关于肖邦作品中踏板使用法的分析部分，简直可以说是教科书级别的细致，它不仅仅是告诉我们“怎么用”，更解释了“为什么当时要那样用”，将演奏实践与理论研究紧密结合起来，让人在学习技术的同时，也提升了对作品的鉴赏能力。这种穿透表象直达核心的解析，是高水平学术著作的标志，对于有志于从事钢琴教学或演奏研究的读者来说，无疑是宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下作者在史料引用和考据上的严谨态度。这本书的参考文献和注释部分做得非常扎实，几乎每一个重要的观点或结论，都能在脚注中找到确切的出处，这在考研备考阶段尤为重要，因为这能保证我们所学知识的准确性和权威性。我曾为了一个关于李斯特早期钢琴技巧发展的论述，去比对了几本国际上知名的音乐史著作，发现这本书的综合性和准确性都名列前茅。它不仅关注了德奥主流体系，还巧妙地穿插了法国和俄罗斯学派的独特发展路径，避免了历史叙事的片面性。这种全球视野下的梳理，对于我们全面认识西方钢琴音乐的博大精深至关重要。读起来感觉作者是站在一个非常高远的历史制高点上俯瞰整个发展历程，娓娓道来，却又滴水不漏，让人对知识的建立产生一种坚不可摧的信心。