中西方音乐史考试纲要第2版田可文上海音乐学院出版社音乐考研9787806928851 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田可文 著

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928851

商品编码：29684844815

页数：317

图书基本信息
书名：	中西方音乐史考试纲要 第2版
作者/主编：	田可文
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806928851
出版年份：	2013年7月

版次：	第2版
总页数：	317页
开本：	1/16
图书定价：	45.00元
实际重量：	540 g
新旧程度：	正版全新

田可文，武汉音乐学院音乐学系教授、博士生导师、《黄钟——中国·武汉音乐学院学报》副主编；曾担任武汉音乐学院音乐学系主任、武汉音乐学院音乐研究所所长；现兼任中国音乐家协会中国音乐史学会理事、全国西方音乐学会理事、湖北音乐家协会理论委员会副主任。已出版著作13部，即将出版3部，发表论文数十篇，发表杂文数十篇。

《中国音乐史》、《西方音乐史》考前的学习方法与问题 编中国音乐史 章远古及夏商的音乐 节远古及夏商的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第二章周秦的音乐 节周秦的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第三章两汉三国的音乐 节两汉三国的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第四章两晋南北朝的音乐 节两晋南北朝的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第五章隋唐五代的音乐 节隋唐五代的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第六章宋金元的音乐 节宋金元的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第七章明清的音乐 节明清的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第八章民国时期的音乐 节民国时期的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 第三节核心内容 第四节思考题 第九章新中国成立以来的音乐 节新中国成立以来的音乐概况 第二节应着重掌握的史实 Ⅰ.歌曲创作 Ⅱ.合唱创作 Ⅲ.民族器乐独奏创作 Ⅳ.民族器乐重奏曲创作 Ⅴ.民族器乐合奏创作 Ⅵ.室内乐与小型器乐创作 Ⅶ.管弦乐创作 Ⅷ.歌剧创作 Ⅸ.歌舞、舞剧音乐创作 Ⅹ.影视音乐创作 Ⅺ.通俗音乐创作 Ⅻ，现当代有突出成就的音乐家 第三节核心内容 第四节思考题 …… 第二编西方音乐史 第三编与音乐史相关的概念 第四编需要熟悉的音乐作品 附录：考试模拟题 主要参考书目 后记

“中国音乐史”与“西方音乐史”是当前全国高等艺术院校硕士研究生考试的必考科目。《中西方音乐史考试纲要》（第二版）是采用考试学的方法来撰写的中国与西方音乐史。其目的是为学生报考高等艺术院校研究生考前使用，有较强的针对性与实用性，可以使学生在短的时间内掌握必须的内容。《中西方音乐史考试纲要（第2版）》也可以为音乐艺术院校在校学生修毕《中国音乐史》和《西方音乐史》后的结业考试时使用。编著者田可文为武汉音乐学院音乐学系教授、博士生导师、学报《黄钟》副主编；兼任中国音乐家协会全国西方音乐学会理事。中国音乐史学会理事、湖北音乐家协会理论委员会副主任。他长期在音乐学院任教，从事音乐史的教学与研究。已出版著作16部，发表论文与杂文百余篇。

音乐理论与实践深度探索：跨越时空的音乐视界 本书旨在为广大学习者、音乐爱好者及专业人士提供一套全面、深入的音乐理论与实践的知识体系。它不局限于单一地域或特定历史时期的音乐现象，而是以宏大的视野，横跨古今中外，构建起一个结构严谨、内容丰富的音乐知识框架。 第一部分：音乐的基石——理论的构建与解析 本部分深入剖析了音乐赖以存在的根本要素，旨在为读者打下坚实的理论基础，使他们能够以科学的视角理解和分析音乐作品。 一、音高与调性的奥秘 我们首先探讨了音乐中最基础的元素——音高。从物理学角度解析声音的频率与听觉感知之间的关系，详细阐述了不同文明中音级系统的演变，包括十二平均律的形成及其在西方音乐体系中的核心地位。同时，书中对五声调式、七声调式等非西方调性系统进行了细致的描摹，对比了它们在音响色彩和情感表达上的差异。重点解析了调性功能理论（Tonic-Dominant-Subdominant关系）在古典和浪漫主义音乐中的应用，以及无调性音乐如何挑战和拓展传统的功能和声概念。 二、节奏、节拍与速度的脉动 节奏是音乐的骨架，是时间的艺术。本章细致梳理了节奏型、节拍的结构（如复合拍号、变化拍号的运用），以及它们在不同音乐类型中的体现。通过对巴赫赋曲中严谨的复节奏处理、斯特拉文斯基《春之祭》中不规则重音的革命性运用，展示了节奏如何成为推动音乐发展的主要动力。速度标记的精确性及其在诠释中的弹性处理，也被纳入了深入探讨的范畴。 三、和声的织体与色彩 和声是音乐最直观的“立体感”来源。本书从二声部进行曲的基本规则入手，逐步过渡到三、四声部协和与不协和音程的运用。着重分析了： 1. 功能和声的逻辑：三和弦、七和弦的构成、转位及其在乐句连接中的作用。 2. 色彩和声的拓展：九和弦、增减和弦、挂留和弦等如何丰富乐曲的表情。 3. 对位法的精妙：复调音乐的基础——模仿、卡农、赋格的写作原则，展示了不同声部独立而又和谐共存的艺术。 四、曲式结构与体裁的逻辑 理解音乐的建筑蓝图至关重要。本部分详细讲解了从简单的二部曲式、三部曲式，到复杂的奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等西方大型曲式的内在结构逻辑。此外，还涵盖了对套曲、协奏曲、交响曲等体裁的历史演变和规范要求进行系统梳理。 第二部分：音乐的形态——从古代到现当代的声响景观 本部分聚焦于不同历史时期音乐风格的演变、代表人物及其作品的风格特征分析，旨在帮助读者建立起清晰的音乐史脉络。 一、西方音乐的源流与奠基 追溯到古希腊的音律思想，重点阐述了中世纪教会音乐（如圣咏）对早期西方音乐形态的塑造作用。接着，对文艺复兴时期复调音乐的成熟与人文主义思潮对音乐的影响进行了深入探讨，重点分析了帕莱斯特里那等大师的作品特点。 二、巴洛克与古典主义的辉煌 巴洛克时期是音乐体裁和技术爆炸的时代。我们将深入剖析巴赫的对位艺术、亨德尔的清唱剧体裁，以及维瓦尔第协奏曲的结构创新。随后，转向古典主义的理性与和谐，重点研究海顿、莫扎特、贝多芬在交响乐、室内乐和奏鸣曲等领域的里程碑式贡献，特别是贝多芬如何通过个性化的表达拓展了古典美学的边界。 三、浪漫主义的激情与民族色彩 浪漫主义音乐强调情感的深度表达和个人主义的彰显。本章分析了舒伯特艺术歌曲的叙事性、肖邦钢琴作品的诗意，以及李斯特的交响诗对标题音乐的推动作用。同时，也关注了民族乐派的兴起，如德彪西对印象主义色彩的捕捉，以及瓦格纳的“整体艺术作品”理念对歌剧形式的颠覆。 四、二十世纪的变革与多元化 进入二十世纪，音乐进入了前所未有的试验阶段。本书细致考察了印象主义、表现主义、十二音体系（新维也纳乐派）的出现。此外，还探讨了新古典主义对传统的回归与重构，以及序列音乐、偶然音乐（如约翰·凯奇的哲学探讨）等激进探索对当代音乐创作的深远影响。 第三部分：非西方音乐的广阔天地与全球视野 本部分致力于拓宽读者的音乐视野，介绍具有鲜明地域特色的音乐传统及其独特的审美价值，强调跨文化比较研究的重要性。 一、东亚传统音乐的审美核心 详尽介绍中国、日本、韩国等东亚地区的传统音乐。重点剖析中国传统音乐的“气韵”与“意境”，解析工尺谱、减字谱等记谱法的特点，并分析古琴、琵琶、二胡等代表性乐器的演奏技法和美学追求。讨论宫廷雅乐、民间戏曲音乐（如京剧音乐结构）的体系特征。 二、南亚与中东的旋律传统 对印度古典音乐（如卡纳提克音乐和印度斯坦尼音乐）的“拉格”（Raga，旋律框架）和“塔拉”（Tala，节奏循环）体系进行系统介绍，展示其即兴创作的复杂机制。同时，探讨中东地区的“玛卡姆”（Maqam）体系，阐明其复杂的微分音和情感表达方式。 三、非洲与美洲的律动与融合 考察非洲音乐中口头传承的特性、群体参与的重要性，以及以“呼应”（Call and Response）为核心的节奏结构。并分析拉丁美洲音乐，特别是探戈、桑巴等风格如何将欧洲和非洲元素融合，形成了充满活力的现代音乐形态。 结语：当代音乐的语境与未来走向 最后，本书引导读者思考全球化背景下音乐的相互影响，分析电子音乐、世界音乐（World Music）的兴起对传统音乐体系带来的冲击与机遇，并展望未来音乐创作与传播的前沿领域。本书力求通过严谨的理论梳理和广博的实例分析，为所有致力于音乐学习和研究的同仁，提供一座坚实的知识桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我过去接触过不少音乐史参考书，往往要么过于偏向某一个特定的时间段，要么就是为了迎合考试而过度简化了复杂的历史进程。但这本书的平衡感做得非常到位。它在处理中世纪和文艺复兴时期的宗教音乐与世俗音乐的张力时，展现了极高的专业素养，没有偏废任何一方，让读者能够全面地认识到音乐在社会结构中所扮演的复杂角色。更难能可贵的是，它在篇幅有限的前提下，仍能为听音乐学专业之外的跨考学生提供足够的知识支撑，其对基础概念的界定清晰明确，没有使用太多行话。每次当我感到知识点有点模糊时，只需要翻到前几章的核心定义部分快速回顾一下，那种建立起来的知识框架的坚固性就立刻显现出来。它像一个可靠的导航仪，指引着我这位探索者在浩瀚的音乐海洋中，准确地找到每一个重要的灯塔。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间，沉浸在这套教材的文字构建的世界里，感受最深的是其叙事逻辑的严密与流畅。作者在阐述不同音乐时期风格演变时，绝非简单地罗列事实和人名，而是构建了一种深刻的“因果链”。比如，他对巴洛克时期复调音乐的兴盛，是如何与其宗教改革后的社会思潮紧密关联的分析，既有历史的宏观视角，又不乏对具体作曲家创作手法的微观剖析。这种层层递进的论述方式，让原本枯燥的知识点变得有血有肉，充满了生命力。我特别喜欢它处理东西方音乐交汇时的那种克制与审慎，没有急于下定论，而是细致地展示了不同文化背景下音乐哲学的内在差异和相互影响的微妙之处。读完某一章节后，我总有一种豁然开朗的感觉，仿佛历史的迷雾被拨开，那些散落在各个角落的知识点终于找到了它们应有的位置，形成了一个完整而有机的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术视野开阔得令人惊叹。在讲解西方音乐传统演变的主线时，作者并没有将目光局限在欧洲的古典乐范畴内，而是巧妙地穿插了对民族音乐学、早期音乐考古学的一些重要发现和观点。这种跨学科的视角，使得对音乐史的理解不再是孤立的，而是融入了更广阔的人类文明发展史。尤其是在涉及二十世纪现代主义音乐的段落，作者的处理方式非常高明，他没有用晦涩难懂的术语来故作高深，而是用非常清晰的语言解释了序列主义、偶然音乐背后的哲学基础和创新意图。这极大地降低了理解现代音乐的门槛，让我意识到，这些看似“反传统”的探索，其实都是在回应着时代背景下的审美需求和技术可能性。这种既保持学术深度，又不放弃对初学者友好的态度，非常值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量实在让人眼前一亮。拿到手的时候，首先感觉到的是纸张的厚实和细腻，即便是长时间翻阅，手指也不会感到干燥或不适。封面设计简约而不失专业感，那种沉稳的色调很符合音乐史教材的调性，让人一看就知道这不是那种浮于表面的泛泛之谈。内页的排版也做得非常讲究，字体的选择清晰易读，段落之间的留白恰到好处，即便是密集的知识点罗列，也不会让人感到压抑或难以消化。特别值得一提的是，作者在处理复杂的历史脉络时，所采用的图表和时间轴设计，简直是神来之笔。那些原本需要花费大量精力去梳理的时期划分和流派更迭，通过直观的视觉呈现一下子就清晰明了了。这不仅仅是一本用来应付考试的工具书，更是一件值得收藏的艺术品。出版社在细节上的用心，真的让学习过程变成了一种享受，而不是负担。在如此精良的载体上阅读厚重的音乐史知识，无疑会大大提升学习的效率和愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在音乐理论学习中挣扎的学生，我发现这本书最大的价值在于它对“考点”的精准把握，但这种精准绝不等于死记硬背。它真正做到了“以考促学，以学固本”。在每一个关键的历史节点或理论概念的阐述后，总能看到一些提炼出来的“核心要义”或者“易错点提示”，这些无疑是过来人的经验结晶，极其宝贵。它不是那种把所有可能出现的内容都堆砌在一起的“百科全书式”教材，而是经过了高度提纯和结构优化的学习指南。我曾经在面对跨越数百年、涉及众多风格的考试大题时感到无从下手，而这本书提供的方法论——如何组织答案结构，如何引用关键证据——直接解决了我的燃眉之急。可以说，它教会我的不仅仅是“是什么”，更是“如何去论述”。这对于需要撰写分析性文章或进行口头阐述的研考来说，简直是如虎添翼。