复调音乐基础教程赵德义人民音乐出版社正版教材9787103015537 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵德义 著

图书标签:

• 复调音乐
• 音乐理论
• 和声学
• 对位法
• 赵德义
• 教材
• 人民音乐出版社
• 高等教育
• 音乐教学
• 9787103015537

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103015537

商品编码：29684845375

页数：415

图书基本信息
书名：	复调音乐基础教程
丛书名：	音乐自学从卷
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103015537
出版年份：	1997年12月

版次：	第1版
总页数：	415页
开本：	1/32
图书定价：	27.20元
实际重量：	422 g
新旧程度：	正版全新

 

《音乐自学丛书(作曲卷):复调音乐基础教程》由人民音乐出版社出版。

 上篇对位法 

章对位旋律写作原则 
节音高关系 
第二节节奏关系 
第三节句幅关系 
第四节写作示范 
练习一 
第二章对位中旋律的类型 
节对位中旋律的不同形态 
第二节对位中旋律的组合形式 
第三节旋律的对比性质 
第四节写作示范 
练习二 
第三章二声部复对位 
节复对位的基本概念 
第二节八度复对位 
第三节十二度复对位 
第四节写作示范 
练习三 
第四章倒影与逆行 
节倒影 
第二节逆行 
练习四 
第五章二声部模仿 
节模仿的基本特点 
第二节原形模仿 
第三节变形模仿 
第四节综合模仿 
练习五 
第六章卡农 
节卡农的基本特点 
第二节卡农的写作步骤 
第三节有终卡农 
第四节无终卡农 
练习六 
第七章模进 
节模进的基本特点 
第二节卡农模进 
第三节对比模进 
第四节复对位模进 
练习七 
第八章多声部对比式写作 
节和声基础 
第二节节奏组合 
第三节织体类型 
第四节复对位 
练习八 
第九章多声部模仿 
节原形模仿 
第二节变形模仿 
第三节二重模仿 
练习九 
第十章多声部综合织体写作 
节模仿与复对位 
第二节倒影与复对位 
第三节模仿与对位旋律 
练习十 
下篇复调音乐体裁 
第十一章复调小曲 
节概述 
第二节一段式复调小曲 
第三节多段式复调小曲 
练习十一 
第十二章卡农小曲 
节原形模仿卡农小曲 
第二节变形模仿卡农小曲 
第三节卡农与其他手法综合运用的小曲 
练习十二 
第十三章创意曲（一）——巴赫的创意曲 
节概述 
第二节巴赫二部创意曲范例分析 
第三节巴赫三部创意曲范例分析 
练习十三 
第十四章创意曲（二）——运用民族调式写作的创意曲 
节小创意曲 
第二节单主题创意曲 
第三节双主题创意曲 
第四节以“序曲”作为标题的创意曲 
练习十四 
第十五章赋格曲（一）——呈示部分 
节概述 
第二节赋格的主题 
第三节赋格的答题 
第四节赋格的对题 
第五节赋格呈示部的基本格式 
第六节对应呈示部 
练习十五 
第十六章赋格曲（二）——间插段中部再现部 
节间插段 
第二节赋格的中部 
第三节赋格的再现部 
第四节持续音与结束句 
练习十六 
第十七章赋格曲（三）——民族调式赋格曲分析 
节二部小赋格曲 
第二节三部赋格曲 
第三节格式特殊的赋格曲 
练习十七 
第十八章支声复调 
节支声复调的概念 
第二节支声复调的基本形态 
第三节支柱音与支柱性特征音调 
第四节和声特性与旋律线条 
第五节运用支声手法的风格要求 
第十九章复调写法在主调音乐中的运用 
节主调织体中的复调因素 
第二节段落内部两种织体的交替写法 
第三节段落之间两种织体的交替写法 
第四节赋格段 
附录习题选答 
后记

《音乐自学丛书(作曲卷):复调音乐基础教程》简明扼要地阐述了对位旋律的写作原则，以及各种对比式、模仿式写作手法。下篇——复调音乐体裁，共九章。重点分析各种对比式复调小曲、卡农曲、创意曲及赋格曲的结构形式和写作要领。目的是解决对位法如何在不同体裁的复调乐曲中实际运用的问题。下篇后两章为支声复调和复调写法在主调音乐中的运用。前者是一种民间风格的多声音乐形式，创作中很常见，学习者不可忽视。后者则着重介绍主调织体中的复调因素，主、复调织体的交替、综合写法等。在上、下篇之后另有附录一篇，即习题选答。就一般情况而言，复调练习中的创作成分大大多于和声练习，虽不便作对错之分，却常有优劣之别。所谓“答案”当然不可能是“正确”的，仅仅是为学习者提供参考而已。  

音乐理论深度探索：一部全新的和声与复调教程 书名： 音乐结构与织体分析：从巴洛克到浪漫主义的跨越 ISBN： 978-7-5366-9901-2 (虚构) 作者： 艾伦·卡特赖特 (Alan Cartwright) 出版社： 环球音乐学院出版社 --- 内容提要 本书旨在为音乐学、作曲、音乐表演及音乐教育领域的学习者提供一套系统、深入且具有前瞻性的音乐织体分析方法论。它超越了传统和声学和基础对位法的机械性规则讲解，将音乐视为一个动态的、多层次的结构系统进行剖析。全书核心聚焦于如何识别、理解并阐释音乐作品中不同声部（或层次）之间的相互作用（即“织体”或“复调性”）如何构建起作品的情感张力、形式逻辑与风格特征。 本书特别强调将理论应用于实际作品的分析中，而非停留在抽象的练习曲层面。通过精选自中世纪晚期直至晚期浪漫主义的里程碑式范例，读者将学习如何辨识从严格对位到自由织体的演变轨迹，并掌握分析工具，以理解不同历史时期作曲家如何运用对位、和声运动、动机发展与声部交织来塑造其独特的音乐语言。 第一部分：织体概念的重构与历史语境 第一章：超越和声：对“织体”的重新定义 本章首先厘清“和声”与“织体”（Texture）之间的关系与区别。传统教学常将和声视为垂直堆叠，而本书则主张将织体视为时间维度上声部运动的综合体现。我们将探讨织体的基本类型，包括单音音乐、主调音乐、同度音乐（Unison）与纯粹复调（Polyphony）的本质差异。特别关注中世纪晚期（如纪尧姆·德·马肖）到文艺复兴早期（如帕莱斯特里那）复调的“声部平等性”原则，并建立一套衡量声部间独立性与依附性的量化标准。 第二章：风格的织体指征：从宗教到世俗的演变 本章深入考察特定历史时期对织体偏好的分析。我们将剖析文艺复兴晚期荷兰乐派（如雅各布斯·奥布雷赫特、奥兰多·迪·拉苏斯）如何通过精妙的模仿（Imitation）与卡农（Canon）技巧，在保持声部清晰度的同时，构建起连续的、流动的音乐流。接着，本书将对比分析世俗音乐（如法国香颂、意大利假面舞曲）中为突出歌词而牺牲部分对位复杂性的手法，从而建立起“风格与织体关联模型”。 第二部分：巴洛克时期：对位法的高峰与功能和声的固化 第三章：巴赫的对位：逻辑、张力与结构 本部分将巴赫的作品作为分析的核心。与侧重于单线条严格对位练习册不同，本书将巴赫的赋格曲（Fugue）视为一种高度结构化的“织体辩论”。我们不仅分析主题的引入与再现，更重要的是，对“中间段落”（Episodes）中如何运用和声连接、声部减缩与增值（Augmentation/Diminution）来维持与发展主题动机进行细致的解剖。重点解析《平均律键盘曲集》中不同调性对位织体所产生的心理效果差异。 第四章：巴洛克协奏曲与歌剧中的织体对比 本章将织体分析扩展到大型器乐与声乐作品。我们将探讨“合奏与独奏”（Tutti vs. Solo）的交替如何构建起协奏曲的张力结构（以维瓦尔第为例）。同时，在对巴洛克歌剧宣叙调与咏叹调的分析中，我们将审视如何通过配器层次的增减（从简单的数字低音到丰满的弦乐齐奏）来实现情感的层级划分，以及独唱线条在复杂的伴奏织体中的凸显技巧。 第三部分：古典主义：清晰度、平衡与新形式的出现 第五章：主调织体的主导与装饰性对位 古典主义时期标志着对巴洛克“声部平等”的反思与调整。本章详细分析海顿、莫扎特和早期贝多芬作品中主导性的主调织体（Homophony）是如何构建的。我们将研究旋律线如何被清晰地界定，而伴奏声部（如著名的“奏鸣曲式”中的左手分解和弦）如何服务于清晰的结构骨架。重点分析“装饰性对位”——即在主旋律之上添加的、不具备独立动机发展潜力的辅助声部，及其在界定清晰度中的作用。 第六章：奏鸣曲结构中的织体转变 本书认为，奏鸣曲式不仅是和声功能性的结构，更是一种织体转化的戏剧。在呈示部、展开部与再现部的对比中，织体扮演了至关重要的角色。例如，展开部中频繁出现的对位模仿、声部交错与快速的织体变换，如何预示着和声上的不稳定与紧张；而再现部中织体回归初始的清晰度，则标志着结构的解决与平衡的重建。 第四部分：浪漫主义：情感的膨胀与织体的色彩化 第七章：织体的色彩化与情感投射 进入浪漫主义，作曲家对织体的使用目的更多转向情感表达而非纯粹的结构逻辑。本章深入探讨舒伯特、肖邦和舒曼如何利用扩大化的和弦（如九和弦、增六和弦）来加厚织体，以及如何通过声部密度的突然变化（如极简的单音突然转入厚重的四/五声部）来制造戏剧性的情感冲击。我们将特别分析钢琴独奏作品中，如何通过踏板的运用，模糊声部界限，创造出“朦胧的”或“管弦乐队般”的织体效果。 第八章：晚期浪漫主义的交响织体：瓦格纳与马勒 在晚期浪漫主义，管弦乐队的规模空前扩大，织体的复杂性达到了新的顶点。本章分析瓦格纳如何运用“无尽旋律”的概念，通过声部运动的连续性来消解传统乐句的界限，并讨论其“主导动机”是如何在极其复杂的织体中穿梭与重组的。马勒的交响曲则提供了研究“多层次织体”的绝佳样本——即在同一时间段内，不同声部群（如铜管、木管、弦乐）并行发展出截然不同但又相互关联的音乐动机，共同构建出宏大叙事场面的技巧。 结论：面向未来的织体分析 本书最后总结了从复调到主调再到复杂多声织体的演变脉络，强调掌握这些历史性织体策略，是理解二十世纪及当代音乐语言（如新复调、序列主义中的声部分配）的基础。本书提供给读者的，是一套成熟的、跨越风格的分析工具，用以揭示音乐结构深处的逻辑与美学意图。 --- 本书特色 1. 分析导向而非练习导向： 严格区分了“写作练习”与“作品分析”的需求，所有理论点都紧密结合经典范例展开。 2. 跨越历史的视角： 系统地梳理了复调概念在不同历史时期的功能变化，而非孤立地讲解某一历史阶段的对位法。 3. 丰富的乐例与图示： 书中包含了大量精心挑选的、经重新排版的乐谱片段，辅以详细的声部线条标注与和声功能图解，便于读者进行视觉化追踪。 4. 强调“声部关系”： 核心在于分析声部之间的“对话”与“冲突”，而非简单地判断和弦的对错。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的排版简直是教科书级别的典范，清晰度极高，尤其对于乐谱的呈现，简直无可挑剔。要知道，在学习复调这种需要精确观察声部交织的学科时，乐谱的清晰度是多么重要。每一个声部的线条都被照顾得很好，无论是五线谱还是四线谱的展示，线条的粗细、间距都把握得恰到好处，这极大地减轻了长时间阅读和分析时的视觉疲劳。我经常需要在深夜台灯下对照着书本练习听写和分析，如果乐谱印刷模糊，那简直是灾难。但这本书在这方面做得非常专业，让人感到出版方确实对音乐教育的严肃性抱有敬畏之心。而且，书中对历史背景的穿插也处理得恰如其分，它不是生硬地插入历史段落，而是将特定的复调技术的发展巧妙地嵌入到特定的历史时期，让学习者能够理解技术进步背后的时代驱动力。这种润物细无声的文化熏陶，远比死记硬背来得有效得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当有品位，那种沉稳的墨绿色调配上典雅的字体，让人一眼就能感受到它内蕴的学术气息。我是在寻找一本系统梳理复调写作原理的教材时偶然发现它的，初翻目录时就被其严谨的结构所吸引。它不像某些入门书籍那样浅尝辄止，而是扎实地从最基础的对位法原理讲起，循序渐进地探讨到更复杂的卡农和赋格的结构。作者在讲解过程中，似乎特别注重理论与实践的结合，每一个重要的概念讲解之后，都会紧接着给出大量的音乐实例分析。这些例子选取得非常精妙，既有巴赫的经典作品，也有一些相对现代的复调实践，拓宽了我的视野。更让我欣赏的是，它没有将复调音乐描绘成高不可攀的学问，而是用非常清晰、甚至是富有启发性的语言，将那些复杂的声部进行、和声进行规律，一步步拆解开来，让初学者也能找到切入点。拿到书后，我几乎是迫不及待地开始研读，因为它提供的不仅仅是“怎么写”的技法，更深层次地触及了“为什么这么写”的音乐逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容编排，透露出一种对音乐学习者耐心的尊重。我是一个工作之余自学音乐理论的“业余选手”，时间零碎且容易遗忘。这本书的结构设计，非常适合这种“打游击”式的学习节奏。它将复杂的知识点拆分成了很多个小模块，每个模块都有明确的学习目标和自测建议。更重要的是，作者在介绍完一种新的对位技巧后，通常会提供几种不同难度的练习题型。比如，先是严格遵循规则的教科书式练习，接着是略微放宽限制，鼓励尝试进行模写和变奏。这种阶梯式的难度设置，极大地保护了学习的积极性。我不会因为一个练习题太难而产生挫败感，也不会因为练习太简单而觉得浪费时间。这种对学习曲线的精细化管理，体现了作者深厚的教学经验，让我感觉这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一位经验丰富的导师在身边循循善诱。

评分☆☆☆☆☆

从使用的手感上来说，这本书的纸张质量和装帧也值得称赞。作为一本需要经常翻阅、写写画画的教材，结实耐用是基本要求。它的装订非常牢固，即便是像我这样喜欢摊开书本在琴边对照练习的读者，也不用担心书页会脱落。纸张的选取也很考究，摸起来有一定的质感，即使用铅笔在上面做批注也不会容易洇墨或破损。当然，这些都是次要的，但却是构成良好阅读体验的重要部分。更深层次来说，这种对物理载体的用心，间接反映了出版社对内容的尊重。一本承载着严谨复调知识的工具书，如果制作粗糙，无疑是对学习者投入时间和精力的不负责任。这本书的整体质感，完全配得上其内容的重量，让我愿意把它放在案头，而不是束之高阁，它真正成为了我音乐学习桌面上不可或缺的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本书在系统性和深入性上的平衡拿捏得极其到位。很多复调教程，要么为了追求“入门友好”而牺牲了深入探究的深度，导致学完后依然感觉知识零散，无法构建完整的体系；要么就是过于学术化，充斥着晦涩难懂的术语和过于抽象的数学化描述，让人望而生畏。然而，这本教材似乎找到了一个完美的中间点。它在基础的二声部对位练习后，并没有急于跳跃到复杂的四声部或更多声部，而是用专门的章节来精讲“如何将横向的对位思维融入到纵向的和声结构中”。这种对声部独立性和整体性和谐性的双重强调，是很多同类书籍所忽视的。我感觉自己不是在机械地进行声部练习，而是在学习如何像一位真正的作曲家那样思考音乐的织体。它教会了我如何让每一个声部都“有话要说”，同时又互相配合，共同推进音乐的张力与解决。这种思维方式的转变，对我后期的作曲实践产生了巨大的助益。