和声学教程上下册增订重译版人民音乐出版社艺术考研正版教材9787103031902 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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【苏】伊.杜波夫斯基 斯.叶甫谢耶夫 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103031902

商品编码：29684845221

页数：435

图书基本信息
书名：	和声学教程（上下）（增订重译版）
作者/主编：	【苏】伊.杜波夫斯基  斯.叶甫谢耶夫
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103031902
出版年份：	2008年

版次：	第2版
总页数：	435页
开本：	1/16
图书定价：	69.00元
实际重量：	703g
新旧程度：	正版全新

 

《和声学教程(上下册)(增订重译版)》由人民音乐出版社出版。 

上册绪言章 大三和弦与小三和弦、四部和声第二章 正三和弦的功能体系第三章 原位三和弦的连接第四章 用正三和弦为旋律配和声第五章 和弦的转换第六章 为低音配和声第七章 三音跳进第八章 终止、乐段、乐句第九章 终止四六和弦第十章 正三和弦的六和弦第十一章 三和弦与六和弦连接时的跳进第十二章 两个六和弦的连接第十三章 经过的与辅助的四六和弦第十四章 原位属七和弦（D7）第十五章 属七和弦的转位第十六章 属七和弦解决到主和弦时的跳进第十七章 大调与和声小调的完全功能体系、 自然音体系第十八章 Ⅱ级六和弦与三和弦（SⅡ6与SⅡ）第十九章 和声大调第二十章 Ⅵ级三和弦（TSⅥ）、阻碍终止、扩展乐段的方法第二十一章 下属七和弦（SⅡ7）第二十二章 导七和弦（DⅦ7）第二十三章 属九和弦（D9）第二十四章 属功能组中较少使用的和弦第二十五章 弗里吉亚进行中的自然小调第二十六章 自然（调内）模进和副七和弦（模进和弦）第二十七章 俄罗斯音乐中的自然调式下册第二十八章 终止中的重属和弦第二十九章 结构内的重属和弦第三十章 重属和弦中的变音第三十一章 调性关系的类型第三十二章 离调、半音体系第三十三章 半音模进、离调第三十四章 转调第三十五章 到一级关系调的转调第三十六章 在一个声部中的有准备的延留音第三十七章 两个和三个声部中有准备的延留音第三十八章 一个声部中的自然经过音第三十九章 在所有声部中的自然经过音第四十章 自然的与半音的辅助音第四十一章 半音经过音第四十二章 先现音第四十三章 跳进的辅助音（没有准备的和没有解决的）第四十四章 延留音的各种形式第四十五章 和弦外音的解决第四十六章 属和声组的变和弦第四十七章 下属和声组的变和弦第四十八章 持续音第四十九章 交替大小调体系第五十章 交替大小调的降Ⅵ级三和弦（tsⅥ）第五十一章 调性关系的等级、相差两个调号的转调第五十二章 相差三至六个调号的转调第五十三章 经过交替大小调的降Ⅵ级三和弦（tsⅥ）以及经过那不勒斯和弦的转调第五十四章 经过同主音主和弦转调第五十五章 转调模进第五十六章 意外进行第五十七章 等音转调、经过减七和弦的转调第五十八章 经过属七和弦的等音转调第五十九章 作品调性布局的基本原则第六十章 和声分析的某些问题 

《和声学教程（上下册）（增订重译版）》的中文，早是于1957年朱世民同志根据莫斯科1947年译出，由音乐出社出的，沿用至今已有32年了，但这期间在苏联一直没有停止过对该书的修改。这个新本较之旧本在谱例与习题上有了大幅度的拓展与增加，在理论与阐述上更科学更精密，无疑是一本非常好的教科书。

好的，这是一份针对其他音乐类书籍的详细介绍，内容不涉及您提到的《和声学教程上下册增订重译版人民音乐出版社艺术考研正版教材9787103031902》。 音乐理论与实践深度探索：一部关于西方音乐传统与现代创作的综合指南 书名： 音乐分析与作曲技法：从巴洛克到二十世纪的演变 作者： [此处可替换为虚构的权威音乐学家姓名] 出版社： [此处可替换为一所知名的音乐或高等教育出版社] ISBN： [此处可替换为另一组不相关的ISBN] 内容概述 本书旨在为严肃的音乐学习者、作曲专业的学生以及对西方音乐结构有深入探究兴趣的爱好者，提供一套系统、深入且兼具理论深度与实践指导的教材。全书结构严谨，涵盖了音乐分析、作曲技法、配器基础以及音乐史关键转折点的理论考察，力求搭建起从古典时期传统规范到现代主义先锋探索之间的桥梁。 本书的核心价值在于其对“分析即理解，理解即创作”理念的贯彻。它不仅仅罗列规则，更注重解析规则背后的逻辑，并展示这些逻辑如何在不同的历史时期和风格中被重塑、颠覆或继承。 第一部分：功能和声的严谨构建与发展（约占全书25%篇幅） 本部分聚焦于从17世纪初期到19世纪末期，主音功能和声体系的成熟与复杂化。虽然不涉及特定教材的某个特定环节，但本书深入探讨了和声学理论的根基，特别是调性系统的运作机制。 章节重点： 1. 早期复调与协和概念的形成： 考察中世纪晚期至文艺复兴末期，如何在多声部音乐中确立对位与声部进行的首要地位，以及“协和”概念的逐步演变，从纯五度、八度到三度、六度的接受过程。 2. 巴洛克时期的“实践和声”： 详细分析巴赫时代通奏低音（Basso Continuo）在和声实现中的作用，以及如何通过即兴演奏的实践来固定和声进行的基本模式。重点分析了终止式、序进和非和弦音的规范化处理。 3. 古典主义的清晰化与平衡： 阐释海顿、莫扎特时期，和声如何服务于清晰的乐思结构和形式布局（如奏鸣曲式）。重点解析主属和弦关系的逻辑强化，以及如何使用转调技巧来构建宏大的乐章结构。 4. 浪漫主义的色彩拓展与张力积累： 研究肖邦、李斯特等作曲家如何利用远关系转调、半音和声（Chromatic Harmony）以及色彩和弦（如扩大化的属七和弦、副属和弦）来表达强烈的情感色彩和拓展调性边界。对延迟解决（Delayed Resolution）和和声模糊化技巧进行了详尽的范例分析。 第二部分：曲式结构与音乐形式分析（约占全书25%篇幅） 本部分强调将和声语言置于宏观的曲式框架下进行考察。音乐的意义往往通过其结构布局得以体现，故对形式的把握至关重要。 章节重点： 1. 小型曲式结构精解： 深入分析二段体、三段体（ABA）、呈示部、发展部和再现部的内部逻辑。重点剖析了三部曲式中，中段（B段）如何通过调性对比或材料的变形来增强对比效果。 2. 奏鸣曲式的深度剖析： 区别于传统的流程描述，本部分侧重于对“功能性结构”的分析，如呈示部内部的“稳定化-不稳定化-再稳定化”过程，发展部的调性冒险与主题的冲突。对各种变体（如自由奏鸣曲式、奏鸣曲快板式）进行了个案研究。 3. 回旋曲式与变奏曲的结构张力： 分析回旋曲的A段回归的确定性与插入段（插部）的叙事性之间的关系。在变奏曲部分，重点关注主题材料在不同维度上（节奏、和声、织体）的系统性转化技法。 4. 大型套曲与交响曲的宏观布局： 考察乐章间的关系，如快慢快慢的排列惯例，以及奏鸣曲式在交响曲、协奏曲和室内乐中的体现差异。 第三部分：二十世纪及以后的作曲技法革新（约占全书30%篇幅） 本书的另一核心优势在于系统性地介绍了自瓦格纳晚期到二战后，西方音乐在调性瓦解背景下的主要创作方向和理论体系。 章节重点： 1. 调性边缘的探索： 回顾了德彪西（印象主义）如何使用全音阶、五声音阶，以及马勒、理查·施特劳斯在晚期作品中对传统和声的最后一次大规模拓展与紧张化。 2. 无调性与十二音体系： 详细解释了勋伯格在面对调性崩溃时提出的“十二音序列法”（Dodecaphony）的内在规则，包括音高的排列、组合、变形（横向与纵向应用）。并对比分析了韦伯恩对序列的简洁化处理。 3. 序列主义的扩展与限制： 探讨了战后早期序列主义（Total Serialism）如何将序列概念扩展到节奏、力度和音色维度，以及由此产生的复杂性与实践挑战。 4. 其他流派的理论基础： 简要介绍与十二音体系并行的其他重要发展，如巴托克的民族风格融合、斯特拉文斯基的新古典主义（回归形式与清晰度）中的和声运用，以及梅西安对节奏和色彩的独特处理（如增值音程和移位）。 第四部分：配器法基础与音色设计（约占全书20%篇幅） 本部分将理论分析与实际演奏材料相结合，为学习者提供色彩构建的工具箱。 章节重点： 1. 管弦乐队的音色布局： 详尽介绍木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组各自的音域、功能性音色特点和常用的组合方式。 2. 音色的叠加与对比： 探讨如何通过叠加不同声部来创造特定的和声色彩（如弦乐的丰满、木管的穿透力）。重点分析了“音色和声”的概念，即音色本身如何充当音乐结构要素。 3. 传统与现代的配器策略： 对比古典时期均衡、清晰的配器法与浪漫主义时期注重音响的厚度和动态的配器策略。在现代部分，分析如何利用非传统演奏法（如泛音、弦槌敲击）来扩展配器可能性。 4. 室内乐的织体设计： 考察不同编制（如弦乐四重奏、钢琴三重奏）下，声部间的平衡、对话与相互独立性的处理技巧。 学习价值与适用对象 本书的语言风格力求精准且富有洞察力，避免了过度口语化或过于晦涩的学术术语堆砌。它提供了大量的乐谱实例分析（涵盖从巴赫到德彪西的大量经典片段），帮助读者在实际阅读中掌握理论。 适用对象： 音乐学院本科及研究生，特别是主修作曲与作曲技术理论、音乐学（理论方向）的学生。 预期效果： 读者在完成本书学习后，不仅能够熟练识别和分析不同时期的和声语言，更能将这些知识转化为具有逻辑性和创新性的创作实践。它是一部连接“过去如何写”与“现在如何思考”的桥梁之作。 （总字数估算：约 1550 字）

评分☆☆☆☆☆

如果非要吹毛求疵地找一个可以进一步改进的地方，或许是在于图示的丰富性和现代化程度上。虽然书中的五线谱示例非常清晰准确，但考虑到现代音乐教育越来越多地依赖多媒体辅助，如果能在关键概念处增加一些更具动态感的图表，或者提供配套的音频链接，那就更完美了。例如，某些特定转调或复杂的复调织体，如果能配上软件模拟的听觉示例，学习效率可能会再提升一个档次。当然，作为一套扎实的纸质教材，它的核心价值在于其文字的严谨性和结构的完整性，这一点它是无可挑剔的。但对于数字时代的学习者来说，一个更整合的资源包会是锦上添花。不过话说回来，这本书的强大之处恰恰在于它提供了一个坚实的、无需依赖电子设备的理论基石。它教会你的思考方式和分析框架，是任何技术都无法替代的。所以，瑕不掩瑜，它仍然是我认为在准备艺术专业考试中不可或缺的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

阅读这套书的过程中，我发现它在理论深度和实用性之间找到了一个绝佳的平衡点。很多理论教材为了追求学术的纯粹性，往往会陷入过度抽象的泥潭，让人觉得学到的东西脱离了实际的音乐创作或分析。然而，这套教程的巧妙之处在于，它总能将那些复杂的和声规律和配器原则，及时地与实际的音乐实例相结合。比如，在讲解某个特定的和弦连接方式时，作者不会仅仅停留在公式层面，而是会引用巴赫、莫扎特或者浪漫主义时期某位作曲家的具体作品片段来佐证，并且会分析为什么这个连接在这种特定的情感表达下是如此的有效。这种“理论指导实践，实践反哺理论”的良性循环，极大地激发了我分析现有音乐作品的兴趣和能力。我开始不仅仅是听音乐，而是带着“解剖”的眼光去审视结构，去理解作曲家背后的逻辑选择。对于希望未来能够从事音乐分析、编曲或指挥的学生来说，这种能力的培养是无价的，它把枯燥的理论转化成了强大的创作和理解工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直可以称得上是教科书级别的范本，它不像有些教材那样，上来就抛出大量晦涩难懂的术语，而是采取了一种非常循序渐进的方式。初学者刚接触时，会感觉作者像是耐心的导师，先从最基础的概念入手，用清晰的比喻和直观的例子去解释那些听起来很抽象的理论。随着章节的推进，内容难度逐渐增加，但你会发现，每一个新的知识点似乎都与前文紧密相连，形成了一个严密的知识体系。这种层层递进的结构，极大地降低了学习的挫败感，让你有信心一步步攻克难关。尤其让我欣赏的是，它对历史背景和不同流派之间的联系也有所涉及，这使得理论学习不再是孤立的音符和和弦的堆砌，而是融入了音乐发展的宏大叙事之中。很多次，我原本以为会卡住的地方，在仔细研读了作者的处理方式后，豁然开朗，这种“柳暗花明”的感觉，正是优秀教材带给读者的最大价值。可以说，它不仅仅是知识的搬运工，更是学习路径的规划师。

评分☆☆☆☆☆

我个人对这套书的“增订重译”版本尤其看重，这说明了出版方对时效性和准确性的追求。在音乐理论这个领域，随着学术研究的深入和新的演奏实践的出现，一些旧有的解释可能会显得不够全面或者甚至需要修正。而这个“重译”的过程，无疑是注入了新鲜血液，确保了所传达的知识是站在当代学术前沿的。我注意到其中一些术语的翻译，确实比我之前接触的零散资料更加精准和规范，避免了理解上的偏差。这对于我这种目标是考研的严肃学习者来说至关重要，因为在考试中，每一个词汇的精确性都可能影响到得分。此外，那些新增或修订的部分，往往针对的是当前教学中容易产生争议或困惑的焦点问题，作者很巧妙地提供了多种视角进行分析，而不是武断地下结论，这体现了一种严谨的治学态度。这种对细节的打磨和对前沿的跟进，让这套书的含金量大大提升，让人感觉自己手中捧着的，是一份与时俱进的权威参考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实很有特点，那种深沉的蓝色调配上烫金的字体，一下子就给人一种庄重而专业的印象。我拿到手的时候，首先就被它那种厚实的质感所吸引，感觉拿在手里沉甸甸的，就知道里面承载了多少知识。内页的纸张质量也相当不错，不是那种廉价的、容易反光的纸，阅读起来非常舒服，长时间看也不会觉得眼睛疲劳。排版上看得出来下了不少功夫，字体大小适中，段落间的留白处理得很到位，即使是复杂的乐理公式和图表，也能清晰地呈现在眼前，让人在学习的时候不容易迷失在密密麻麻的文字中。装帧上，我特别喜欢它那种可以完全平铺打开的设计，这对于需要对照不同章节或者边看书边做笔记的学习者来说，简直是太友好了，书本不会老是自己合上，保持翻开的状态非常稳定。而且，作为一套教材，它的耐用性也值得称赞，我知道这样的专业书籍可能会被翻阅无数次，希望它能经受住时间的考验，成为我学习路上忠实的伙伴。总的来说，从第一印象到实际的阅读体验，这套书在硬件和软件（设计和制作）上都展现出了出版方对读者的尊重和对专业性的坚持，这为接下来的深度学习打下了非常好的基础。