音乐的分析与创作杨儒怀人民音乐出版社正版教材课本作曲理论9787103024966 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨儒怀 著

图书标签:

• 音乐分析
• 音乐创作
• 作曲理论
• 和声学
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• 高等教育
• 人民音乐出版社
• 杨儒怀
• 音乐理论

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103024966

商品编码：29684847347

页数：148

图书基本信息
书名：	音乐的分析与创作
丛书名：	作曲技术理论丛书
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103024966
出版年份：	2003年9月1日

版次：	第1版
总页数：	1286页
开本：	1/32
图书定价：	148元
实际重量：	1.4Kg
新旧程度：	正版全新

编辑《音乐的分析与创作(上下)(修订版)》由人民音乐出版社出版。 作者简介杨儒怀，男，河北省遵化县人，1925年8月生；1948年毕业于北京辅仁大学西洋语言文学系；1950年毕业于燕京大学音乐系。历任中国人民政治协商会议北京市第七、八届委员会委员。音乐学院理论作曲系教师、教授、博士研究生导师。杨儒怀长期从事作曲技术理论教学和科研工作，开设过多门有关技术理论的各种必修课和选修课。对曲式与作品分析理论有独到的研究成果。自1984年以来陆续获得从事教育工作三十年表彰奖、学年度教师奖、北京市教师称号荣誉证书、学院创业建设和发展荣誉金奖、政府特殊津贴证书以及三育人先进个人称号荣誉证书等奖励。  

目录

上册

序言

第*部分音乐的基本表现手段与旋律

第*章绪论

第*节音乐的形成

第二节乐思陈述的层次

第三节旋律的音调基础和表现力

 

第二章旋律的节奏和节拍

第*节节奏与节拍的作用

第二节节奏的重要类型

 

第三章旋律的调式与调性

第*节大小调调式体系

第二节西欧特种调式

第三节我国民族的五声性调式

 

第四章旋律的音高－旋律线

第*节进行中的音程和方向

第二节旋律型

第三节高潮

 

第五章旋律运动的逻辑

第*节逻辑的含义与四阶段运动

第二节三阶段与二阶段的运动

第三节运动阶段的级差

 

第六章旋律中其他表现手法

第* 其他基本表现手法

第二节和声与织体

 

第二部分发展音乐的基本手法

第七章材料保持方面的手法

第*节原始陈述、重复和在线

第二节迭奏、变奏、模进

第三节宽放与紧收

 

第八章材料变动方面的手法

第*节溯型、演化（引申）和出新

第二节合头、合尾；换头、换尾和头尾合

第三节扩充、减缩与裁截

第四节叠入和补充

 

第九章多声陈述及其写作手法

第*节复调的对比与模仿

第二节间补与多层次陈述

第三节陈述写法类型

 

第十章整体的构思方面

第*节调性的变换

第二节乐曲的起伏与高低潮

第三节整体作用的综合发展

 

第三部分音乐陈述的结构

第十一章绪论

第*节音乐陈述的结构的含义和作用

第二节乐逗及陈述结构形态

第三节结构的类型及其区分原则

 

第十二章基础结构

第*节乐段

第二节乐段的扩展

第三节乐句、乐节和乐汇

 

第十三章衍生结构

第*节连句结构和散体结构

第二节模进结构和诗句结构

第三节自由结构、联合结构及结构的组合

第十四章陈述结构的分析

 

第四部分作品的曲式结构

第十五章绪论

第*节曲式与曲式功能

第二节规范化曲式结构体系及曲式结构的组成部分

第三节关于作品分析的方法

 

第十六章并列曲式

第*节一部曲式

第二节二部并列曲式

第三节三部及多部并列曲式

 

第十七章再现曲式

第*节再现部和再现二部曲式

第二节再现三部曲式

第三节再现四部与再现多部曲式

 

第十八章复合曲式

第*节复合再现三部曲式

第二节其他复合曲式

 

第十九章循环曲式

第*节绪论

第二节回归曲式

第三节回旋曲式

 

第二十章变奏曲式

第*节绪论

第二节固定基础变奏曲

第三节变体主题变奏曲

第四节变奏的民族特点及变奏套曲的组成

第五节实例分析及变奏曲式的应用

 

第二十一章奏鸣曲式

第*节绪论

第二节呈示部

第三节展开部

第四节再现部

第五节收尾部与前奏

第六节奏鸣曲的变体和应用与奏鸣曲式的历史演变

第二十二章回旋奏鸣曲式

 

第二十三章复调音乐曲式

第*节绪论

第二节赋格曲的组成部分

第三节赋格曲的整体结构

第四节二重和三重赋格

第五节其他复调音乐曲式

 

第二十四章套曲曲式

第*节绪论

第二节组曲

第三节奏鸣－交响套曲及其他套曲曲式

第四节声乐套曲

 

第二十五章边缘曲式

第*节绪论

第二节边缘曲式的形成

第三节中介性边缘曲式

第四节两原则结合的边缘曲式

第五节原则的三重结合与附生性结合

 

下册

第*章

第二章

第三章

第四章

第五章

第六章

第七章

第八章

第九章

第十章

第十一章

第十二章

第十三章

第十四章

第十五章

第十六章

第十七章

第十八章

第十九章

第二十章

第二十一章

第二十二章

第二十三章

第二十四章

第二十五章

 

《音乐的分析与创作(上下)(修订版)》在探索分析音乐的方法及相应的实例分析与指导创作、阐述各种技术理论两方面，是交替进行、相互补充的。为进一步分析和理论的多方面验证提供实例，书中还列出大量作品出处。全书的理论阐述和内容安排也与这一总体系相符合。在第*部分“音乐的基本表现手段与旋律”中，各种理论和分析所涉及的结构范畴是从音乐*小的形式出发的，既可认为是表现核心乐思或基础音调或动机*小存在形式，也可认为是独立、抽象的因素。只有这种存在形式通过“发展音乐的基本手法”，才能成长发育起来。然而即使它不成为乐曲的主题或只是一般的旋律的话，它也必须按照一定的“音乐陈述结构形式”成型起来。《音乐的分析与创作(上下)(修订版)》还将我国民族民间音乐中一些有特点的创作手法也包容进来，力图扩大我们分析研究的范围；说明在表达思想内容时手法的共同性和民族性之间的联系。  

音乐的脉络：从和声到创意的探索之旅 引言：打开音乐世界的钥匙 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其背后蕴含着严谨的逻辑与无限的创造力。本套丛书旨在为广大学习者和音乐爱好者提供一套系统、深入且富有实践指导意义的音乐理论与创作基础知识体系。我们聚焦于音乐语言的构建、分析的深度以及创作的实践路径，力求打破理论与实践之间的壁垒，让学习者能够真正掌握“如何听懂”音乐，并进而“如何创造”音乐。 第一部分：和声的骨架——西方音乐理论的基石 本部分深入剖析西方音乐体系的核心——功能和声学。我们不满足于简单的和弦识别，而是致力于解析和声进行背后的逻辑和情感张力。 一、音与调性体系的解析： 十二平均律与音高结构： 探讨现代音乐系统中的音高组织方式，从基础的音程关系到调式、调性的形成机制。详细阐述大小调体系的内在结构，以及如何通过调性中心的确立来组织音乐的宏观形态。 调式与音阶的拓展： 超越传统大小调，系统介绍自然音阶、五声调式、布鲁斯音阶以及各种教会调式（教会调式）在不同音乐风格中的实际应用。分析不同调式所带来的特定色彩和情感倾向。 二、和弦的建构与功能分析： 三和弦与七和弦的精细分析： 详尽讲解三和弦的转位、七和弦（包括大小七、属七、减七、增三和弦）的构成与严格功能（主、属、下属）。重点在于理解和弦如何通过其音响特性服务于和声进行的方向性。 和声的扩展与变化： 深入研究九和弦、十一和弦、十三和弦在爵士乐和近现代音乐中的应用，以及副属和弦、远关系和弦等变化和声的引入，如何丰富和声色彩并制造惊喜。 和声连接的逻辑与技巧： 强调“横向进行”与“纵向结构”的统一。详细阐述导音的解决、和弦的代理关系、和声循环的建立，以及如何避免僵硬的平行五八度等传统禁忌，并探讨在现代语境下如何合理地“打破”这些规则。 三、曲式结构与宏观布局： 基础曲式模块： 详尽分析乐段、呈示部、发展部、再现部的基本要素和功能。通过对复三部曲式（A-B-A）、回旋曲式（Rondo）以及奏鸣曲式（Sonata Form）的解构，使学习者理解音乐在时间维度上的组织方式。 小型曲式与主题发展： 重点讲解变奏曲、组曲等形式的特点，并引入主题（Motif）的动机发展技巧，如移位、增值、减值、倒影等，这是从局部细节推导出整体结构的关键。 第二部分：旋律与织体的雕塑——音乐表达的艺术 本部分关注音乐的“可见”层面：旋律线如何塑造情感，以及不同声部如何协同作用以构建丰满的织体。 一、旋律创作的技巧与美学： 线条的逻辑性与可歌性： 分析优美的旋律应具备的特征——清晰的轮廓、合理的音程跨度、富有张力的节奏型。讨论旋律的“呼吸”与乐句的划分。 旋律与和声的互动： 探讨旋律音、经过音、倚音、装饰音等非和弦音在旋律进行中的作用，理解旋律如何对基础和声进行微妙的装饰或冲突，从而增强表现力。 二、复调与配器的基础： 对位法的入门： 介绍严格对位法的基本规则，包括两条、三条对位，以及如何运用模仿、卡农等手法构建清晰的复调织体。理解巴赫作品中对位法的精髓——线条的独立性和整体的和谐统一。 织体类型的转换： 区分主调音乐、复调音乐、织体音乐之间的差异。学习如何根据音乐的情感需要，灵活地在单音、主调、复调等织体之间进行转换，以达到最佳的戏剧效果。 基础配器概念： 介绍常见乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域、音色特点及组合方式。理解乐器选择如何直接影响作品的色彩和力度，为后续的编曲打下坚实基础。 第三部分：风格与语境——拓展创作的视野 理论的最终目的是服务于创作。本部分引导学习者将所学知识应用于具体风格的分析与模仿创作。 一、浪漫主义与印象主义的和声语汇： 浪漫主义的深化： 重点分析李斯特、瓦格纳等作曲家如何使用半音和声、调性模糊化来表达强烈的个人情感。 印象主义的色彩探索： 研究德彪西、拉威尔如何利用全音阶、五声音阶以及平行和弦进行，营造朦胧、流动的音响画面感。 二、二十世纪音乐的结构与实验： 无调性与序列主义： 介绍勋伯格的十二音体系（Serialism）的基本操作方法，分析其如何为音乐提供一种新的组织中心。 节奏与音色的解放： 探讨斯特拉文斯基等作曲家对复杂节奏型和打击乐的创新应用，以及对传统音色概念的挑战。 三、融合与实践：通往个性化表达的路径： 流行音乐的和声借鉴： 分析流行音乐（如摇滚、R&B、电影配乐）中对传统古典和声的继承、简化与再创造。重点讲解如何用更少的和弦材料创造出引人入胜的进行。 分析性创作练习： 鼓励学习者选择某一特定风格（如奏鸣曲、赋格片段、爵士和弦进行）进行模仿和重构练习，将理论知识内化为创作直觉。 结语：实践驱动的持续学习 本丛书强调的是“分析”与“创作”的相互促进。通过对大师作品的细致解剖，理解其背后的原理；通过不断的动手实践，检验和深化对原理的理解。音乐的学习是一个永无止境的探索过程，希望本书能够成为您理解和创造音乐旅程中坚实的伙伴与向导。

评分☆☆☆☆☆

我购入此书时，主要目的是想系统梳理一下自己零散的作曲知识点，尤其是对传统曲式结构感到困惑已久。这本书的结构安排，简直是为系统学习量身定做的。它遵循了从基础元素到复杂结构，再到风格化创作的递进逻辑，层次分明，逻辑链条清晰无比。最值得称赞的是其对“结构”的深度剖析。很多教材在讲解奏鸣曲式时，往往只停留在呈示部、展开部、再现部的概念罗列上，但本书却深入挖掘了这些结构内部的功能性，比如“主题的对比如何服务于戏剧性冲突”、“展开部如何通过调性游移来构建紧张感”等等。这种从“是什么”到“为什么是这样”的深度挖掘，极大地提升了我对音乐叙事能力的理解。此外，书中对于细节的处理也十分考究，比如在讲解对位时，不仅限于简单的两条声部，还扩展到了三声部乃至四声部间的动态平衡与线条独立性。阅读过程中，我常常需要边看书边对照着乐谱进行分析，这种主动参与的学习方式，让知识吸收得格外牢固。总而言之，如果你正在寻找一本既有学术严谨性，又不失实用指导价值的作曲理论教材，这本书绝对是绕不开的选择，它为你奠定的是一个坚实而开阔的音乐建筑基础。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书是冲着“杨儒怀”这个名字去的，毕竟在音乐教育界，这个名字本身就是一块金字招牌。然而，实际阅读体验远超我的预期。这本书最让我耳目一新的是它对于“分析”与“创作”之间辩证关系的强调。很多教材要么只停留在死板的分析，要么过于天马行空地谈创作，缺乏有效的桥梁。但本书却非常扎实地建立了这座桥梁，它教导我们如何从经典作品的骨架中提炼出可供借鉴的创作“语汇”。例如，书中对于不同时期音乐风格的分析，并非简单罗列特征，而是深入探讨了其背后的时代背景和作曲家的个人哲学，这种宏观视野非常宝贵。在谈到配器法时，作者没有采用那种冷冰冰的乐器性能列表，而是结合了具体的管弦乐队织体范例，让你能“听见”每种乐器在特定情境下的音色潜力与局限。我特别喜欢书中一些关于动机发展和结构展开的讨论，它们不仅提供了技巧，更传授了一种结构性的思维模式——如何将一个微小的音乐想法，通过有机的方式扩展成宏大的篇章。对于我这种业余爱好者来说，这本书的难度设置非常友好，它能让你在不断挑战自己的过程中，稳步提升音乐理解力和实践能力。它更像是一位严谨而富有激情的导师，时刻在你耳边指点迷津，让你少走许多弯路。

评分☆☆☆☆☆

我是一个古典乐迷，过去主要靠听觉和感觉来理解音乐，但一直渴望能用更专业的语言来描述和欣赏我所热爱的作品。这本书简直是打开了我通往更高层次欣赏体验的钥匙。它没有把重点放在复杂到让人望而却步的数学公式上，而是聚焦于音乐的“听觉逻辑”。比如，对节奏的分析，它不仅是数拍子，而是讲解了不同节奏型如何产生张力与释放，如何引导听众的情绪起伏。阅读过程中，我发现自己对那些曾经听过无数遍的交响曲片段，突然间有了全新的“听觉焦点”。以前可能只是觉得某个地方“好听”，现在我能清晰地指出是哪种配器法、哪种和声色彩、哪种主题变形共同作用达成了这种效果。这种从“感性”到“理性”的升华，是这本书带给我最宝贵的礼物。而且，书中对作品的分析都是基于成熟的、经过时间检验的作品，保证了理论的可靠性和普适性。对于想要提升自己音乐鉴赏水平的听众来说，这本书的价值不亚于一部顶级的“听音指南”。它将深奥的理论知识转化为可理解、可消化的审美体验，让学习音乐分析变成一种享受而非负担。人民音乐出版社的教材质量一如既往的可靠，装帧精美，值得珍藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有一定创作经验的音乐人，我原本对理论教材有些敬而远之，总觉得它们大多是“旧酒装新瓶”。然而，这本书成功地改变了我的看法。它的高明之处在于，它并未将分析与创作割裂开来，而是用一种非常现代的视角来重新审视经典。例如，书中对印象派和二十世纪音乐和声语言的介绍，并不是简单地罗列十二音体系或全音阶，而是结合了具体的音乐实例，探讨了这些新语汇是如何打破传统功能和声的束缚，开拓新的听觉空间。我特别欣赏杨儒怀先生的笔触，它既有老一辈教育家的深厚功底和严谨态度，又不失对新思潮的包容与探讨。书中对于“音乐的语境”的讨论尤其深刻，它提醒我们，任何创作技巧的运用都必须服务于作品想要表达的情感和意图，技术本身是中立的。这对于我这种容易陷入技术堆砌的创作者来说，是一个及时的警醒。这本书让我学会了如何更有目的地去学习和借鉴前人的经验，而不是盲目地模仿。它更像是一部思想启迪录，引导我们去思考音乐创作的本质和未来方向，阅读过程充满了思考的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐的分析与创作》简直是音乐学习者的福音，尤其是对于像我这样，在理论学习和实际创作之间感到迷茫的人来说。作者杨儒怀的讲解深入浅出，完全没有传统教材那种枯燥乏味的感觉。初次翻开时，我原本以为会面对一堆晦涩难懂的乐理术语，没想到作者巧妙地将复杂的概念融入到生动的实例分析中。比如，在讲解和声进行时，他会引用贝多芬或莫扎特的某一段乐句，然后一步步拆解，让你清晰地看到和声是如何构建起音乐情感的。这不仅仅是知识的传授，更像是一场音乐“侦探”游戏，引导读者去探究旋律和节奏背后的逻辑与美感。我尤其欣赏的是书中对于“创作思维”的培养，它不仅仅告诉你“该怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做会产生这样的效果”。书中提供的练习题设计得非常巧妙，既有基础的模仿，也有开放性的拓展，极大地激发了我尝试自己编配和创作的欲望。读完对位法的那一章，我感觉自己对巴赫的赋曲有了全新的认识，那种环环相扣的结构美，以前只是“听”到，现在是“看”懂了，这对我后来的作品尝试产生了立竿见影的积极影响。这本书的排版和纸张质量也令人满意，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，人民音乐出版社的出品果然值得信赖。总而言之，这是一本集理论深度、实践指导和审美启迪于一体的经典之作，强烈推荐给所有想真正理解和驾驭音乐创作的同仁们。