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顾肖联 著

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• 声音设计
• 影视配音
• 后期制作
• 音效
• 混音
• 录音技巧
• 音频处理

店铺： 广影图书专营店

出版社： 中国广播影视出版社

ISBN：9787504341884

商品编码：29729396671

包装：平装

出版时间：2004-01-01

基本信息

书名:电视音响创作技巧

定价：19.00元

售价：12.9元,便宜6.1元,折扣67

作者:顾肖联

出版社：中国广播影视出版社

出版日期：2004-01-01

ISBN：9787504341884

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.300kg

编辑推荐

内容提要

本书着重于从声音艺术的角度去描述电视中声音的作用及电视节目的创作方法。
全书分为五个部分共十五章，部分讲述声音在传媒中的作用。第二部分讲述声音的基本原理和声音制作设备的使用。第三部分讲述电视声音与画面的关系及声音的构成。第四部分讲述电视节目的声音创作方法。后，根据电视数字化的发展趋势对电视立体声的制作谈了自己的体会。
本书可对电视创作人员有借鉴价值和参考意义。对高等院校影视专业的教师、学生也有一定的帮助；也可以作为教材戒教学参考书。

目录

章 声音在传媒中的作用
节 人类对音响传媒的认知
第二节 技术媒介的演进还动音响的进步
第三节 音响在未来广电媒介中的表现
第二章 电视传媒的声音特性
节 电视（声音）的纪实性
第二节 电视的传播符号及功能
第三节 电视的传媒优势
第三章 电视中的声音
节 电视节目中声音的基本元素
第二节 电视的声音功能
第三节 电视节目中的声画关系
第四章 电视节目制作
节 电视制作概述
第二节 电视节目的制作过程
第三节 电视制作系统
第四节 数字化的电视制作
第五节 电视技术标准
第五章 声音的特理特性
节 常用的物理概念
第二节 声音的生理和心理反映
第六章 传声器
节 常用传声器的工作原理及其特性
第二节 传声器的基本特性指标
第三节 传声器的使用原则
第四节 使用传声器的注意事项
第五节 无线传声器的使用
第七章 调音台
节 调音台主要部件及功能
第二节 数字调音台
第三节 调音台的连接与使用
第八章 录音周边设备
节 音频信号处理设备
第二节 声音监听系统
第九章 电视声阵编辑技术
节 电视录像机的声画编辑系统
第二节 电视声画的编辑方式
第三节 摄录一体机的录像录音系统
……
第十章 电视声音构成
第十一章 电视声音的录制
第十二章 电视节目声音的现场制作
第十三章 电视纪录片声音创作
第十四章 电视译制片声音的制作
第十五章 立体声电视节目制作

作者介绍

文摘

序言

《光影的交响——沉浸式视听艺术解析》 书籍简介 在数字时代浪潮的席卷下，我们步入了一个前所未有的视听信息爆炸的洪流。影像不再是孤立的存在，声音也并非简单的背景衬托。它们以一种前所未有的紧密姿态，共同编织着触动人心的叙事，构建着令人神往的沉浸式体验。从恢弘的史诗巨制到细腻的独立影像，从令人屏息的纪录片到激发思考的动画作品，其核心的魅力，很大程度上源于对“视听语言”的深刻理解与卓越运用。 《光影的交响——沉浸式视听艺术解析》并非一本关于具体技术操作的指南，它更像是一次深入视听艺术腹地的思想漫游。本书旨在探讨声音与影像之间那复杂而又微妙的关系，以及它们如何协同作用，共同塑造我们感知世界的方式，影响我们的情绪，并最终传递出创作者深邃的意图。我们将剥离那些浮于表面的感官刺激，挖掘隐藏在画面与声音背后的艺术哲学、心理学原理以及叙事学法则。 一、 视听语言的构建：超越“看”与“听”的维度 我们并非仅仅通过眼睛“观看”和耳朵“倾听”，更重要的是我们如何“理解”和“感受”。视听语言，正是连接我们大脑与作品情感内核的桥梁。本书将首先从基础概念入手，解析“视”（Visual）与“听”（Auditory）这两个核心元素的构成要素。 视觉的艺术： 构图的逻辑： 并非随意地将物体摆放在画面中，每一帧的构图都蕴含着导演的视角与叙事需求。我们将探讨黄金分割、对称构图、引导线、负空间等经典法则，以及它们在不同类型作品中的变奏与创新。例如，低视角如何赋予人物力量感，高视角如何制造疏离感；画面是否被分割，以及分割的方式，又如何影响观众的心理预期。 色彩的心理学： 色彩不仅仅是视觉的装饰，更是情绪的催化剂。从冷暖色调的对比，到饱和度与明度的运用，再到特定色彩所承载的文化象征意义，我们将深入分析色彩如何潜移默化地引导观众的情绪，烘托氛围，甚至暗示角色的内心世界。比如，温暖的色调是否总是代表幸福？冷峻的蓝色又是否必然指向悲伤？ 光影的戏剧性： 光与影的 interplay，是塑造画面质感与戏剧张力的关键。本书将分析硬光与柔光的使用，高对比度（Chiaroscuro）如何营造神秘或紧张感，低对比度又如何带来平和与宁静。我们将探讨不同光源的性质，如自然光、人造光、顶光、侧光等，以及它们对人物面部表情、空间关系和时间流逝的塑造作用。 运动的叙事： 镜头的推拉摇移，镜头的景别变化，运动的速度与节奏，都传递着丰富的叙事信息。我们将解析固定镜头如何增强稳定性，摇镜头如何展现广阔空间，推镜头如何聚焦细节，以及运动镜头的运用如何引导观众的视线，制造悬念，或者表达人物的情绪状态。 剪辑的节奏与逻辑： 画面与画面之间的连接，并非简单的拼接。剪辑是时间与空间的再造，是节奏的编排，是叙事的加速与减缓。《光影的交响》将探讨跳切、交叉剪辑、平行剪辑、蒙太奇等不同剪辑手法，分析它们如何影响观众的理解，制造对比，揭示因果，或者营造特定的情感体验。 听觉的诗篇： 声音的层次与空间感： 声音并非只来自于屏幕的中心。本书将深入探讨声场的构建，如何通过声音的远近、大小、方向来营造逼真的空间感，让观众仿佛置身于场景之中。我们将分析现场录音、后期ADR（对白重录）、拟音（Foley）和音效（Sound Effects）的各自作用。 音乐的叙事功能： 配乐不仅仅是情绪的填充，更是叙事的重要组成部分。我们将审视背景音乐（BGM）、主题音乐（Theme Music）以及音效音乐（Soundscape Music）在影片中的角色。音乐如何烘托气氛，如何预示即将发生的情节，如何揭示角色的内心独白，甚至音乐本身如何成为一种叙事线索。 对话的质感与潜台词： 对白是人物塑造和情节推进的重要工具。本书将探讨对白的自然度、节奏感，以及演员声音的特质如何传达人物的性格。更重要的是，我们将关注“言外之意”，分析角色的语气、停顿、甚至沉默，如何传递出比言语更深刻的信息。 环境音的氛围营造： 细微的环境音，如风声、雨声、脚步声、人群的嘈杂声，虽然常常被忽视，却是构成真实感和沉浸感不可或缺的元素。我们将分析环境音如何为场景注入生命力，如何暗示时间、地点和天气，以及它们如何与音乐和对白相互作用，共同构建一个完整的声音世界。 二、 视听协同的艺术：共振与张力的创造 视听艺术的精髓在于“协同”。当声音与影像不再是各自为政，而是以一种精妙的方式彼此呼应、相互增强时，作品的感染力将呈几何级数增长。 情绪的放大器： 声音和影像以何种方式组合，能够极大地影响观众的情绪反应。例如，明亮的画面搭配舒缓的音乐，通常会营造出温馨、愉悦的氛围；而阴暗的画面配以紧张的音效，则能迅速点燃观众的恐惧感。本书将探讨如何利用声音和影像的“同构”与“异构”来精准地引导观众的情绪。 叙事的推进器： 声音与影像的有机结合，能够极大地推动叙事的发展。一次巧妙的剪辑，伴随着一个恰当的声音提示，能够瞬间完成一个情节的转折。一段富有张力的音乐，与一个充满力量的画面相结合，能够让观众对角色的决心产生共鸣。我们将剖析不同视听元素如何配合，以制造悬念、深化主题、揭示人物关系。 空间的延展与压缩： 声音可以帮助我们在有限的画面空间内感知到更广阔的世界。通过声音的立体感和方向感，观众可以“听”到画面之外的空间。反之，一些特定的声音处理，也能将观众的注意力高度集中在某个狭小的区域，压缩空间感，制造压迫感。 时间的重塑与加速： 剪辑的速度、音乐的节奏，以及声音的出现时机，都能极大地影响观众对时间流逝的感知。一段快节奏的蒙太奇，伴随着激昂的音乐，能够快速地展现一段时间内的变化。而一段漫长的、以环境音为主导的镜头，则可能让观众感受到时间的凝固。 三、 沉浸式体验的深层解析 “沉浸式”是当下视听艺术追求的重要目标。它意味着让观众“忘却”自己是在观看一个作品，而是全身心地投入到作品所构建的世界之中。 超越现实的感知： 沉浸式体验并非简单地复制现实，而是通过对现实元素的提炼、放大或重构，创造出一种超越日常的感官体验。这包括对声音的立体化处理，对画面色彩和光影的极致运用，以及对叙事节奏的精准把控。 心理共鸣的构建： 真正的沉浸，源于观众与作品之间建立的深层心理连接。这需要作品能够触及观众的共情能力，让观众感同身受，理解角色的情感，认同作品的主题。《光影的交响》将探讨如何通过精妙的视听语言，搭建起观众与作品之间坚实的心理桥梁。 多感官的整合： 虽然本书的焦点是视听，但优秀的视听艺术能够唤起观众的多感官联想。一段逼真的雨声，可能让观众“闻”到泥土的芬芳；一个具有质感的画面，可能让观众“触摸”到粗糙的墙壁。本书将触及这种多感官协同效应的潜力。 技术与艺术的平衡： 尽管技术在沉浸式体验中扮演着重要角色，但技术本身并非目的。本书强调的是，如何以艺术的眼光，审慎而富有创造力地运用技术，使其成为实现艺术表达的有力工具，而非喧宾夺主。 四、 视听艺术的未来展望 随着技术的不断发展，视听艺术的表现形式也在不断拓展。虚拟现实（VR）、增强现实（AR）等新兴媒介，正在以前所未有的方式挑战我们对“观看”与“聆听”的定义。 《光影的交响——沉浸式视听艺术解析》将引导读者超越当下，思考未来视听艺术的可能性。我们将探讨如何将本书中的视听语言解析，应用于更具互动性和参与性的新媒体创作中。从空间叙事到感官互联，从个性化体验到集体共情，本书将为每一位对视听艺术怀有热情的创作者、研究者和爱好者，提供一个深度思考的平台，激励他们去探索视听语言的无限可能，去创造属于未来的、真正触动人心的光影交响。 本书不是关于“如何操作”，而是关于“为何这样做”。它致力于唤醒读者内心的艺术感知力，培养一种审视作品的“听觉”与“视觉”的敏感度，从而在每一次的观影体验中，都能领略到那隐藏在光影背后，深邃而迷人的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排简直是教科书级别的典范！它并没有采用传统的“理论-实践”的线性结构，而是将创作流程巧妙地分解成一系列相互关联的模块。比如，它会先讨论“空间感”的营造，随后立刻转到如何利用混响和延时来“定义”这个空间，紧接着又会分析在这个空间里，不同材质的物体发出声音的特点。这种“问题导向型”的讲解方式，极大地提高了学习效率。我特别欣赏作者对于不同风格（如科幻、历史剧、动画）的音响设计特点的归纳总结。他会对比分析好莱坞大制作和独立电影在音效处理上的差异，指出预算和创意限制如何反过来催生出独特的听觉语言。阅读过程中，我感觉自己像是上了一堂紧凑而高密度的专业课程，每一个章节的结尾都有“思考题”，促使读者立即将新知识与已有的经验进行碰撞和整合。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定制的！我一直对电影和音乐的结合充满好奇，但苦于没有系统的方法去理解和实践。在阅读的过程中，我发现作者的讲解非常生动，完全没有那种枯燥的理论说教。他会用大量的实例来剖析那些看似高深的音效设计和音乐编排是如何一步步实现的。比如，关于如何通过声音的层次感来营造紧张气氛，书中详细介绍了分轨、混音的技巧，甚至连不同混响效果对空间感的影响都解释得清清楚楚。我特别喜欢其中关于“情绪曲线”的章节，作者用图表清晰地展示了如何配合剧情的发展来调整音乐的强度和音色，这对于我这种业余爱好者来说，简直是打开了新世界的大门。读完之后，我立刻尝试着将书中学到的知识应用到我自己的短片制作中，虽然还有很大的进步空间，但至少我知道了方向，那种“恍然大悟”的感觉非常棒。这本书不仅仅是工具书，更像是一位经验丰富的导师在耳边细语，手把手教你如何去“听懂”声音的语言。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深音频工程师，我本以为市面上关于音响的书籍对我来说已经没有什么新鲜感了，大多是设备参数的堆砌或者基础软件操作的复述。然而，这本书的出现完全颠覆了我的看法。它的价值点在于它非常深入地探讨了“跨媒体”的听觉体验设计。作者不仅关注屏幕内的声音，更深入地分析了影院布局、扬声器摆位甚至观众的心理预期，是如何共同构成最终的听觉成品。书中对于“动态范围压缩”在不同类型影片中的应用有着极其精妙的论述，指出在某些需要极致爆发力的场景中，应该如何有意识地“打破”常规的混音原则，以达到最大的情感冲击力。文字间流露出的是一种对声音艺术近乎偏执的追求和丰富的实战经验。对于已经有一定基础的人来说，这本书无疑是一剂强心针，它提供的不是“怎么做”，而是“为什么这样做会更好”，是那种能让你在专业领域内找到突破口的关键指引。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我最初是被书名吸引的，毕竟“创作技巧”听起来就很实用。然而，这本书真正打动我的地方，在于它对“声音美学”的哲学探讨。作者并非只是罗列操作步骤，他更多地在引导读者思考：一个完美的音效，其本质究竟是什么？是技术精确度，还是情感共鸣？书中用了大量的篇幅来探讨环境音的“真实性”与“艺术化处理”之间的微妙平衡。比如，如何处理城市噪音，是完全还原那种刺耳，还是需要做柔化处理以适应叙事节奏？作者给出了许多发人深省的观点，让我开始重新审视我过去习以为常的听觉习惯。这本书的排版和插图设计也十分用心，大量的波形图和频谱分析图，虽然初看复杂，但一旦结合文字解读，立刻就能明白声音的物理特性是如何映射到听觉感受上的。对于追求更高艺术层面的创作者来说，这本书的启发价值巨大，它提升了你对“好声音”的定义。

评分☆☆☆☆☆

天呐，这本书的深度绝对超出了我的预期！我本来以为它会停留在比较基础的“如何录音”或者“如何选购设备”的层面，但没想到作者直接深入到了音响“创作”的核心——即如何用声音去讲述故事，去引导观众的情绪。书中对古典音乐在影视配乐中的运用有着独到的见解，我以前总觉得古典乐是“高雅”的符号，但作者竟然能拆解出它内在的结构和情感张力，并教你如何将其巧妙地融入现代的电子音效之中。最让我震撼的是关于“次声波”在营造心理暗示方面的讨论，虽然这部分内容稍显晦涩，需要反复阅读，但一旦理解了，你就会发现自己对电影中那些微妙的“不安感”的来源有了全新的认识。这本书的文字风格非常老练、沉稳，每一句话都像经过了千锤百炼，充满了知识的密度。它不是那种快速读完就能掌握的入门读物，更像是一部需要细细品味的武功秘籍，每读一遍都有新的领悟。