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莉雅翠丝艾斯曼，E.P.卡特勒 著

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店铺： 华文京典专营店

出版社： 鹭江出版社

ISBN：9787545911732

商品编码：29794467015

包装：精装

出版时间：2016-08-01

基本信息

书名：着色:时尚设计与大师的灵感

定价：128.00元

作者：莉雅翠丝艾斯曼,E.P.卡特勒

出版社：鹭江出版社

出版日期：2016-08-01

ISBN：9787545911732

字数：

页码：

版次：1

装帧：精装

开本：12开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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◎着色穿香，始为女人

◎时尚的故事，也是色彩的故事

◎二十世纪以来，世界范围内*的时尚色彩报告

◎全球奢饰品行业**人物的灵感源头

◎没有人比潘通更了解色彩，以及色彩的故事

◎纵横年代、地域视野，探讨色彩魅力的格调典范

◎一本于时间源头理解时尚色彩本质的笔记

内容提要

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全球的时尚色彩全书：潘通色卡详实、生动的解读。追寻昔日色彩的潮起潮落，预期未来时尚的流行趋势。

着色穿香，始为女人。女人对时装色彩的追逐，亦是对美和自我的觉醒。

而，是谁创造了流行色彩？为什么这一年流行黑白灰？第二年流行荧光黄？为什么有一年流行蜡笔色小清新？有一年流行厚重的浓墨重彩？

潘通 href='#' target='baike.sogou./_blank'>色卡是 href='#' target='baike.sogou./_blank'>享誉世界的色彩，是当今交流色彩信息的国际统一标准语言。

从新世纪起，每年年初潘通都会选出本年度的代表色。这种色彩不仅是在时尚界，还会影响到其他的设计领域和人们的日常生活。

这是一本关于潘通色彩，或者说是关于时尚色彩流行史的全书，书中网罗了一个世纪以来，关于时尚和色彩的资料，辅以数以千计的设计草图与时装照片，解读对时尚为重要的色彩。

在本书中，你可以看到：

一个世纪以来，《时尚芭莎》、《纽约时报》、《纽约客》等杂志对时尚色彩的记录精髓；

山本耀司、圣罗兰、香奈儿、迪奥、路易威登、爱马仕等全世界*设计师们的设计灵感，以及他们对色彩独特且的应用；

玛丽莲梦露、温莎公爵夫人、伊丽莎白·泰勒、索菲娅·罗兰、麦当娜等女性鲜明的穿搭理念，以及她们与时装的故事；

此外，书中还收录了一些通常只能在寂静的图书馆和充满羊皮纸和雪松味道的档案馆里才能找到的关于时尚的逸闻和花絮。

时装是充满戏剧性、艰难、激情的生命，色彩是时装的灵魂。

这是一本世界色彩全书，亦是一本关于时尚的故事。归根结底，这是一本关于美的故事。

目录

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作者介绍

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莉雅翠丝·艾斯曼享有“国际色风采大师”的美誉，是潘通的色彩专家和色彩潮流预言家，潘通色彩研究所执行董事，艾斯曼色彩信息与培训中心主任，也是许多行业在色彩使用上的咨询顾问。艾斯曼是《色彩：20世纪色彩潮流》（PANTONE: The 20th Century in Color）的作者之一，同时还撰写了其他许多有关色彩的书。她参加过众多色彩研讨会，是各类相关电视节目的常客和线上专家，其著作和话语常被《瑞丽家居设计》《华尔街日报》《纽约时报》《洛杉矶时报》，以及多家国际刊物引用。

E.P.卡特勒是一名国际时尚记者。她是SMUG Magazine和Apparel Insiders的撰稿人，其作品在《纽约杂志》、《玛丽嘉儿》、Mykromag和Fashion Projects上均有刊登。卡特勒曾就读于帕森思设计学院，并获得时装研究专业的文学硕士学位。此外她还参与过电影《戴安娜·蕙兰：时尚太后》的档案研究。

文摘

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序言

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穿越色彩的叙事：当代艺术与设计中的视觉语言 本书深入探讨了二十世纪至今，不同艺术流派与设计领域中色彩的运用、演变及其社会文化意义。它不仅仅是一本关于颜料和色谱的理论书籍，更是一部关于视觉叙事、心理投射与时代精神的编年史。 本书将带领读者跳脱出传统的美术史框架，聚焦于色彩作为一种独立符号系统是如何与技术进步、社会思潮以及个体情感深度交织的。我们将通过对一系列标志性艺术运动和设计实践的剖析，揭示色彩如何在不同的历史语境中被赋予新的生命与解读。 第一部分：色彩的“解放”——现代主义的结构与情感 二十世纪初，随着工业化进程的加速和心理学（特别是格式塔心理学）的兴起，艺术家们开始挑战既有的学院派对色彩的束缚。本部分将详细考察这一转折点。 1. 野兽派与色彩的原始张力： 我们首先考察亨利·马蒂斯及其追随者如何将色彩从对自然物体的描摹中“解放”出来。不再追求光影的精确再现，色彩被用作纯粹的情感表达工具。本书将分析马蒂斯在摩洛哥时期作品中对异域光线的吸收，以及他如何通过强烈的对比和并置，制造出一种既愉悦又略带不安的视觉体验。重点探讨他对“色彩的独立性”的坚持，即色彩可以独立于形状而存在，并直接作用于观者的神经系统。 2. 表现主义的内在风景： 转向德意志表现主义，特别是“桥社”与“蓝骑士”团体，我们看到色彩成为了表达焦虑、疏离和精神探索的媒介。爱德华·蒙克、恩斯特·路德维希·基希纳的作品中，高饱和度的、不和谐的色彩组合，如何精准地捕捉了都市化进程中个体精神世界的破碎感。本书将对比不同区域表现主义者对冷暖色调的不同倾向，以及他们如何利用色彩的厚涂技法来增强作品的物质性和心理冲击力。 3. 蒙德里安与色彩的理性秩序： 与前者的情感爆发形成鲜明对比的是皮特·蒙德里安对色彩的极度简化。本书将细致分析新造型主义（De Stijl）中对原色（红、黄、蓝）与非色（黑、白、灰）的严格限制。这种极简的色彩选择并非是对世界的放弃，而是一种对普遍和谐、宇宙秩序的哲学追求。我们将探讨这些基本色彩元素是如何通过垂直与水平的网格结构，试图构建一种超越时间和地域的视觉“纯粹性”。 第二部分：技术与批量化——色彩的工业化与流行文化渗透 二战后，材料科学的进步和大众传媒的崛起，彻底改变了色彩的生产和消费方式。本部分着重于色彩如何从精英艺术品渗透到日常生活的方方面面。 1. 波普艺术对商业色彩的挪用： 安迪·沃霍尔无疑是这一转变的核心人物。本书将深入研究沃霍尔如何利用丝网印刷技术，复制和稀释商业广告和消费品包装中的标准色卡。我们探讨了他对荧光色和高光泽油墨的偏爱，这不仅是对美国消费主义的赞颂或讽刺，更是对“标准化色彩美学”的肯定。分析重点在于，当色彩不再稀缺，其价值是如何从“独创性”转向“再现性”和“普及性”的。 2. 极简主义的色调退隐： 在极简主义（Minimalism）的浪潮中，如唐纳德·贾德（Donald Judd）和丹·弗拉文（Dan Flavin）的作品中，色彩的运用呈现出一种悖论式的回归。贾德的作品常采用工业材料的原色或特定的、统一的喷漆颜色，强调物体的物理存在而非其装饰性。弗拉文则完全依赖日光灯管本身发出的色彩光晕。本书将分析这种“去情感化”的色彩处理，如何迫使观众直面材料的本质和空间的光学属性。 3. 欧普艺术与视觉的动态欺骗： 欧普艺术（Op Art）将色彩的应用推向了动态的极限。布里奇特·莱利（Bridget Riley）等艺术家通过精心计算的色彩频率、对比度以及图案的交替，制造出强烈的运动错觉。本章将介绍相关的光学原理，探讨色彩如何被用作一种“物理”工具，直接作用于人眼的感知结构，挑战了观看者对“稳定图像”的既有认知。 第三部分：数字时代与后现代的色彩重构 进入21世纪，屏幕技术、虚拟现实以及全球化交流，使得色彩的感知和运用变得更加流动和去中心化。 1. 数码调色板的无限性： 本书将探讨RGB与CMYK模型对传统颜料概念的颠覆。数字媒介提供的调色板是理论上无限的，这为设计师和艺术家带来了前所未有的自由，但也带来了新的“选择的瘫痪”。我们将分析当代数字艺术家如何有意识地模拟胶片颗粒感、CRT显示器的扫描线，以此来“怀旧”或“解构”前数字时代的色彩质感。 2. 气候变化与色彩政治： 色彩也成为了社会议题的载体。从对环境污染导致的特定色调的偏爱（如雾霾的灰调），到各种社会运动旗帜的色彩选择，本书将分析色彩在当代政治表达中的能指作用。例如，关注极端气候下光线和色彩强度的变化，如何影响了建筑师和景观设计师的材料选择。 3. 后现代的拼贴与混杂： 后现代设计和艺术常常表现出对所有历史色彩语汇的“借用”与“戏仿”。我们会探讨日本的“卡哇伊”（Kawaii）文化中饱和度极高的糖果色如何与严肃的批判性艺术（如辛迪·雪曼对女性形象的色彩构建）并置。这种色彩的混杂性反映了当代文化中界限的消解，以及个体对视觉符号的自由重组能力。 结论： 《穿越色彩的叙事》旨在提供一个多维度的框架，用以理解色彩在过去一百年中所扮演的角色——它既是情感的容器，也是理性的工具；既是商业的语言，也是反叛的宣言。本书相信，对色彩的深入理解，即是对我们所处时代的视觉脉搏最直接的把握。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是太抓人眼球了，那种深沉的宝石蓝配上跳跃的霓虹粉，一下子就让人联想到高级时装秀场上的灯光与色彩碰撞。我原本以为这会是一本专注于理论讲解的书，毕竟书名听起来就带着学术的严谨性，但翻开扉页才发现，它更像是一本精心策划的视觉盛宴。作者似乎非常擅长捕捉那些转瞬即逝的灵感火花，并将其转化为可以被理解和模仿的视觉语言。我特别欣赏它对于“情绪板”构建的解析部分，没有仅仅停留在图片堆砌的表面功夫，而是深入剖析了色彩心理学在时尚语境下的具体应用——比如，如何用饱和度极低的灰蓝色调来表达都市疏离感，或者如何通过饱和度极高的荧光色组合来制造一种反叛的张力。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一个由顶尖设计师主导的工作室里，耳边是关于面料肌理和光影效果的专业讨论，而不是枯燥的公式推导。它成功地架起了一座沟通艺术与商业的桥梁，让那些晦涩难懂的设计理念变得触手可及，让人迫不及待地想拿起画笔，去实践那些被点燃的创意火花。

评分☆☆☆☆☆

我是一名刚从设计学院毕业不久的职场新人，对如何将“奇思妙想”落地为商业可行的方案一直感到困惑。这本书在这一点上，提供了一个非常实用的视角。它没有回避商业化过程中必然出现的妥协和取舍，而是用案例说明，真正的创新不是全然脱离市场，而是在深入理解市场需求的基础上，进行更高维度的艺术表达。书中关于“色彩故事线”的构建方法论非常具有操作性，它教导读者如何为一系列作品设定一个清晰的叙事主线，并确保每一个单品都能作为故事中的一个关键章节出现。这对于我们进行季度系列设计规划时，提供了极好的结构性支持。它让我意识到，那些被奉为圭臬的大师们，他们的成功并非仅靠灵感迸发，更是基于一套严密且可重复验证的创作系统。与其说这本书是关于“灵感”，不如说它是一本关于如何“系统化地获取和管理灵感”的实用手册，对于提升工作效率和设计产出的连贯性，帮助巨大。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“非西方美学”的包容与深度挖掘。在很多时尚书籍中，对灵感的探讨往往过于集中于欧洲的现代主义遗产，容易造成视野的狭隘。然而，这本书非常出色地将目光投向了亚洲、非洲乃至南美洲的传统纹样、色彩哲学和仪式美学。它不是简单地“挪用”或“引用”，而是深入探讨了这些文化符号背后的宇宙观和自然观是如何影响了色彩的选择和图案的布局。比如，它对日本“侘寂”美学在现代简约设计中的体现进行了细致的解构，分析了这种“不完美之美”如何通过材质的粗粝感和非对称性表达出来，从而产生一种超越语言的震撼力。这种广阔的视野极大地激发了我自身的创作欲望，它告诉我，真正的“大师级”灵感，必然是建立在对全人类文化遗产的尊重和理解之上的。这本书无疑是提供了一个全球化的视角，让读者能够跳出既有的审美框架，去构建属于自己的、更具包容性和深度的新美学体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量简直是行业标杆，每一页都像是精心裱装的艺术品。坦白说，对于一本侧重视觉传达的书籍，内容再精彩，如果载体本身粗糙，也会大打折扣。然而，这本书在纸张的选择上非常考究，哑光铜版纸完美地捕捉了那些暗色调和微妙的色彩渐变，没有出现任何反光或失真的情况。插图的选择也十分大胆且富有远见，既有经典高定秀场的定格画面，也有一些非常小众、前卫的当代艺术家装置作品，这种跨界的引用拓宽了读者的视觉边界。我尤其喜欢其中关于“动态设计”的讨论，书中通过几组精心设计的对比图，展示了同一套色彩方案在静态平面图和动态T台走秀中的视觉效果差异，这对于理解服装的“生命力”至关重要。它不仅仅是展示灵感，更是在教授一种看待世界、观察光线和材质互动的方式。如果你是一位对视觉细节有极高要求的设计师或艺术爱好者，这本书的物理呈现本身就值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

我对时尚史的涉猎不算深，但这本书在追溯“大师”灵感来源时的叙事手法，简直让人拍案叫绝。它没有采用流水账式的编年史写法，而是将不同时代、不同地域的设计师并置对比，探讨他们是如何从建筑、音乐乃至哲学思潮中汲取养分的。比如，它花了相当大的篇幅来分析战后新写实主义对廓形剪裁的影响，那种对结构性的解构与重塑，被描述得既富有画面感又充满思想的深度。最让我震撼的是关于面料处理的章节，书中详尽地展示了那些看似随意的褶皱、扎染或立体贴花背后，蕴含着多么精密的计算和长久的试验。这不是一本教你“怎么做”的书，而是一本让你“为什么这么做”的书。它引导读者去思考，在信息爆炸的今天，如何提炼出真正有价值的“文化基因”，并将其注入到自己的设计作品中，而不是盲目追逐转瞬即逝的潮流。阅读体验非常流畅，文字极富节奏感，读完后，我对时尚不再是单纯的“好看”的感性认知，而多了一层对背后文化脉络的尊重与理解。