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张宁和 罗吉兰 编

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店铺： 暗香盈袖图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103006795

商品编码：29806149362

丛书名： 音乐表情术语字典

开本：64开

出版时间：2007-12-01

 

《穿越时空的旋律：西方古典音乐简史与鉴赏》 本书聚焦于西方古典音乐的演变历程，旨在为初学者和爱好者提供一个清晰、生动的导览，领略自中世纪到近现代音乐的辉煌篇章。 第一部分：源起与奠基——中世纪与文艺复兴的曙光 第一章：中世纪的圣咏与世俗之声（约 500 – 1400 年） 本章深入探讨了西方音乐的摇篮——中世纪。我们将追溯格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐形态，解析其在教会礼拜仪式中的核心地位及其独特的声学特征。重点分析了记谱法（从纽姆谱到五线谱的演变）对音乐传承的革命性意义。同时，本章也将触及游吟诗人（Troubadour）和吟游歌者（Trouvère）所代表的世俗音乐，探讨这些早期音乐形式如何为复调音乐的诞生埋下伏笔。我们将剖析奥尔加农（Organum）的出现，标志着西方复调艺术的最初尝试。 第二章：文艺复兴的和谐之美（约 1400 – 1600 年） 文艺复兴时期，人文主义思潮深刻地影响了音乐创作。本章详细阐述了这一时期音乐的四大支柱：复兴的对位法、人声的精湛运用、乐器的专业化以及清晰的织体结构。我们将重点解析弗兰德斯画派（如若斯坎、帕莱斯特里那）的弥撒曲和经文歌的典范之作，理解“信仰的纯净”如何在音乐中得以体现。此外，牧歌（Madrigal）作为世俗音乐的巅峰，其文本与音乐的紧密结合，以及早期乐器组的初步发展，也将被详尽描述。本章旨在让读者领略文艺复兴音乐中那种内敛、平衡与崇高的美学追求。 第二部分：巴洛克的辉煌与激情——结构与情感的交织 第三章：巴洛克时代的诞生与确立（约 1600 – 1750 年） 巴洛克（Baroque）一词本意为“畸形的珍珠”，象征着这一时期音乐的丰富装饰性与强烈戏剧性。本章将聚焦于歌剧（Opera）在意大利的诞生及其戏剧性要素的构建（咏叹调、宣叙调）。重点分析“巴洛克风格”（Style of the Baroque）的核心特征：数字低音（Basso Continuo）的支撑作用、对位法的成熟运用以及“情感理论”（Doctrine of Affections）如何指导音乐表达。我们将详细介绍蒙特威尔第（Monteverdi）如何开创歌剧的先河，以及科雷利（Corelli）对小提琴协奏曲的贡献。 第四章：巴赫、亨德尔与对位法的巅峰 本章专门献给巴洛克音乐的两位巨人。对于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach），我们将分析其《平均律钢琴曲集》在调性体系确立上的里程碑意义，并剖析《赋格的艺术》中对位技法的登峰造极。对于乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel），本章则侧重于其大型清唱剧（Oratorio）的结构，特别是《弥赛亚》如何将宗教叙事提升至戏剧性的高度。通过对这两位大师作品的细致解读，读者将理解巴洛克音乐如何将严谨的结构与奔放的情感完美地融为一体。 第三部分：古典主义的秩序与优雅——清晰、平衡与形式的典范 第五章：古典乐派的理性回归与奏鸣曲式 相较于巴洛克的繁复，古典主义（Classical Era，约 1730 – 1820 年）追求清晰、平衡与自然。本章将深入探讨这一时期音乐哲学的转向，即对古希腊美学的推崇。核心内容是对“奏鸣曲式”（Sonata Form）的彻底解析——呈示部、发展部与再现部的内在逻辑与戏剧性冲突。此外，交响曲（Symphony）作为新的“音乐建筑”形式的崛起，以及室内乐（尤其是弦乐四重奏）的规范化，也是本章的重点。 第六章：维也纳三杰：海顿、莫扎特与贝多芬的塑造 本章将聚焦于塑造古典主义音乐面貌的“维也纳三杰”。对海顿（Haydn）“交响曲之父”的称号进行考证，分析其如何将交响曲从宫廷消遣提升为艺术品。对莫扎特（Mozart）的音乐，本章将关注其旋律的纯净性、歌剧中的人物塑造深度（如《费加罗的婚礼》），以及钢琴协奏曲的精妙对话。最后，我们将过渡到贝多芬（Beethoven）的早期与中期作品，理解他如何继承古典传统，同时注入了前所未有的个人英雄主义色彩，为浪漫主义的爆发积蓄力量。 第四部分：浪漫主义的炽热与个性解放——情感的无限扩展 第七章：浪漫主义的兴起与音乐的诗意革命（约 1800 – 1910 年） 浪漫主义（Romanticism）是音乐史上一次对个体情感、自然崇拜和超自然幻想的极致表达。本章探讨了工业革命与社会动荡对艺术家心灵的影响。重点分析了以下几点：和声的拓展（半音化、不协和音的增多）、配器的丰富与管弦乐队规模的扩大，以及“标题音乐”（Program Music）的兴起。艺术歌曲（Lied）作为钢琴与人声的亲密结合，其重要性将被详细论述。 第八章：巨匠与创新：肖邦、李斯特与瓦格纳 本章深入剖析几位代表性人物对浪漫主义音乐的贡献。对于弗雷德里克·肖邦（Chopin），重点是其对钢琴这一乐器的彻底解放，分析玛祖卡、夜曲和圆舞曲中的民族精神与精巧技巧。弗朗兹·李斯特（Liszt）则代表了浪漫主义的“炫技”高峰及其交响诗的创新。最后，理查德·瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及其对和声（如《特里斯坦与伊索尔德》中的“三岛和弦”）的革命性处理，如何直接挑战了既有的调性体系，将听众推向了音乐现代性的门槛。 第五部分：走向现代与多元的探索——打破藩篱 第九章：晚期浪漫主义的巨幅叙事与印象派的色彩 随着十九世纪末的到来，音乐在体量和情感强度上达到顶峰，但同时也开始寻求新的出路。本章首先分析马勒（Mahler）和理查德·施特劳斯（R. Strauss）作品中对交响诗和交响曲的宏大叙事，探讨他们如何利用近乎无限的配器来描绘宏大的内心世界。随后，我们将转向法国的印象派（Impressionism），重点解析德彪西（Debussy）如何运用模糊的音色、全音阶和五声音阶，营造出如水墨画般的听觉效果，强调“暗示”而非“明确表达”。 第十章：二十世纪的音乐革命：从无调性到新的秩序 二十世纪的音乐是打破一切既有规范的时代。本章介绍“第二维也纳乐派”的核心人物勋伯格（Schoenberg），深入解析他从晚期浪漫主义的调性瓦解，到“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）的诞生过程，理解这种新体系试图带来的绝对的“音乐平等”。同时，本章也会探讨斯特拉文斯基（Stravinsky）早期作品（如《春之祭》）中原始的节奏冲击力，以及巴托克（Bartók）在民族主义音乐中的创新实践，展示了现代音乐在结构、节奏和音色上所进行的无畏尝试。 --- 本书特色： 结构清晰的年代划分： 遵循历史脉络，使初学者能系统地把握音乐发展的内在逻辑。 核心概念的直观解释： 避免使用过于晦涩的理论术语，侧重于描述音乐在不同历史阶段的“听感”和“目的”。 重点作曲家与作品分析： 精选关键人物，介绍其在音乐史上的里程碑式贡献，而非面面俱到。 强调时代背景： 将音乐置于其所处的社会、哲学和艺术思潮中进行考察，揭示音乐创作的深层动因。 适用人群： 音乐爱好者、艺术史学生、对西方文化史感兴趣的普通读者。通过阅读本书，读者将获得一套完整的知识框架，能够自信地步入音乐厅，并对所聆听的经典作品产生更深刻的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量确实无可挑剔，纸张厚实，排版清晰，显示出出版方对学术内容应有的尊重。然而，真正让我感到困惑的是其内容组织逻辑，它仿佛是把几本不同主题的教材生硬地缝合在了一起。比如，在一个关于调式和声理论的章节后面，紧跟着的就是一段关于如何正确使用节拍器的详细说明，其中甚至包含了对不同国家制造的节拍器精度差异的讨论，这种跨度之大，让人感觉信息流非常跳跃。我试图在其中找到一个稳定的检索路径，但发现它似乎更倾向于“主题串联”而非“分类查找”。例如，探讨完“奏鸣曲式”的呈示部后，它会突然跳到讲解“赋格”中的应答关系，然后再绕回来说明奏鸣曲式中主题呈示的力度变化。这种非线性的叙事方式，虽然可能更符合某些作曲家思维的流动性，但对于一个急需“字典”功能的读者来说，无疑增加了定位信息的难度，阅读体验上更像是在进行一场寻宝游戏，而不是一次高效的知识获取。

评分☆☆☆☆☆

我是在寻找一本能快速解决我排练中遇到的技术难题的参考书，结果这份“音乐表情术语字典理论教材”给我的感觉，更像是一份详尽的管弦乐队配器法深度解析集。书中有一整个章节专门用来剖析不同乐器组在特定音域内的音色特性和演奏难度，比如对铜管乐器泛音列的控制技巧，以及弦乐组如何通过弓法变化实现“朦胧”或“尖锐”的织体效果。里面的插图非常专业，清晰地标示了乐器构造的细微差别，甚至提到了某些古老乐器（如巴洛克时期的古提琴）的现代复刻版本在音准和延音上的差异。遗憾的是，当我试图查找一些非德奥体系的、更偏向于当代音乐现场的即兴演奏术语时，几乎找不到相关的解释。所有的例子都紧紧围绕着标准化的交响乐曲和室内乐作品展开，这使得它在应用于现代音乐实践，特别是那些强调音色纹理和非传统演奏法的领域时，显得有些力不从心。它是一部严谨的古典音乐工程学著作，但对于探索音乐表现力的边界而言，似乎还不够“前卫”。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的工具书摆在书桌上，光是它的名字——《音乐表情术语字典理论教材 音乐知识基础教材 曲谱 音乐词典字典 音乐专用术语音乐工具书 术语讲解器乐》——就足以让人感受到它内容的庞杂与深厚。然而，当我真正翻开它时，首先映入眼帘的却是那些关于巴赫赋格结构精妙的论述，以及对奏鸣曲式发展历程的细致梳理。书的开篇似乎更侧重于宏观的音乐史和结构分析，用大量篇幅探讨了古典主义时期和浪漫主义时期作曲家们在和声进行上的创新与突破，特别是对瓦格纳的“未完成动机”理论进行了深入的剖析，引用了大量的乐谱示例来佐证观点。我本期待着能快速查阅到某个不熟悉的术语的精确定义，但这本书似乎更像是一部精心编排的音乐学院本科教材，它用非常学术化的语言和复杂的图表来解释音乐的“为什么”和“如何做”，而不是简单地罗列“是什么”。对于初学者来说，这可能需要极大的耐心去消化，它对基础乐理的假设前提较高，似乎默认读者已经具备了一定的音乐阅读能力和理论基础。整体来看，它更像是一部详尽的音乐分析指南，而非一本随手可查的术语手册，这让我对它后续收录的“表情术语”的深度和广度产生了新的期待，也略微感叹其标题的“广撒网”策略。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的音乐爱好者，我本指望这本书能成为我通往专业领域的“敲门砖”，特别是它的标题中反复强调了“基础教材”和“术语讲解器乐”的定位。然而，深入阅读后我发现，它对“器乐”的理解似乎非常狭隘，主要聚焦于键盘乐器和管弦乐的传统表达方式。书中对歌唱艺术，尤其是美声唱法中对“气息控制”和“共鸣点”的术语解释，少得几乎可以忽略不计。同时，那些在室内乐合奏，比如弦乐四重奏中至关重要的“对位平衡”、“声部渗透”这类微妙的表情术语，也大多是一笔带过，没有给出具体的操作指南或历史演变。这本书更像是为指挥家或作曲系学生量身定做的深度指南，它假定听者不仅能听懂音乐，更能清晰地看到音符背后的结构蓝图。对于侧重于人声表现、或是对民族音乐中那些非欧洲体系的表情记号感兴趣的读者而言，这本书的“包罗万象”之名，显得有些言过其实，它在某些关键的实践领域留下了明显的空白。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书最深刻的印象，是它那篇关于“曲谱”阅读技巧的章节，与其说它是在教人如何识谱，不如说它是在教人如何“重构”作曲家的创作意图。它详细分析了不同历史时期印刷技术对乐谱符号清晰度的影响，例如，早年手抄谱与十九世纪石版印刷谱在连奏线和重音记号上的细微区别如何影响了后世的演奏习惯。更令人称奇的是，它探讨了不同出版社在同一部作品不同版本中的标记差异，并试图建立一套“统一解释框架”。这部分内容极具启发性，它促使读者跳出“死记硬背”的思维定式，开始批判性地审视手中的乐谱。然而，这种对“文献学”层面的过度关注，似乎挤占了对更直观、更实用的“表情术语”讲解空间。我希望能看到更多关于如何将抽象的“热情地”、“如歌地”转化为实际演奏动作的细节指导，而不是专注于这些术语符号是如何在历史长河中被记录和演变的。这本书的深度毋庸置疑，但它的侧重点明显偏向了音乐文献和理论的“考古学”而非表演的“实用手册”。