【多本低折扣】孔空声乐练习曲50首(高音用)作品9 约瑟孔空 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 声乐练习曲
• 孔空
• 高音
• 作品9
• 人民音乐出版社
• 音乐教材
• 声乐教学
• 练习曲
• 古典音乐
• 演唱技巧

店铺： 双康图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103021408

商品编码：29837998041

开本：16开

出版时间：2002-01-01

 

基本信息

·出版社：人民音乐出版社
·页码：87 页
·出版日期：2000年
·ISBN：7103021406 ·条形码：9787103021408
·版本：2000年5月北京第1版     2016年1月北京第12次印刷
·装帧：平装
·开本：16开   定价 21.00 作者:(意大利)     

 

 

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内容简介

本书收入了50首为高声部人声的练习曲。它们起到了巩固声音、培养学生自己养成很好的断句以及正确呼吸方法的作用，也是旋律简单、风格多样的练声曲。 该书具有较高的实用价值，可供音乐爱好者及专业人员使用。

 

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作者简介

约瑟·孔空（J.Comcone）1810年生于多林；1861年卒于多林。曾是多林皇家小教堂的管风琴师，后移居巴黎，直到1848年，在此享受了作为声乐教师的最高荣誉。他创作了他的第一部歌剧《圣米歇尔的插剧》《Un episodio di sam Michele》之后，便放弃了创作歌剧的想法。他的旋律性咏吧调、浪漫曲以及短小的二重唱哈到好处，至使他达到了众所周知的地位。然而使他最为出名的却是他的无与伦比的《试唱》（Solfeggi），他称其为课程、练习曲或练声曲。他写作的这些作品应该归手于他对“美歌”（bel canto）技巧的熟知。他的这些作品至今仍是最有价值的、最出色的声乐练习曲。

编辑推荐

本书收入了50首为高声部人声的练习曲。它们起到了巩固声音、培养学生自己养成很好的断句以及正确呼吸方法的作用，也是旋律简单、风格多样的练声曲。 该书具有较高的实用价值，可供音乐爱好者及专业人员使用。

 

 

 

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经典声乐作品集：不同时期的演唱技巧与曲目精选 本书精选了自巴洛克时期至二十世纪中叶的经典声乐作品，旨在为不同声部、不同演唱水平的学习者提供一个系统、全面的艺术歌曲与歌剧选段学习平台。我们力求在曲目的选择上兼顾艺术价值、学习实用性与不同地域的声乐传统，帮助演唱者构建扎实的音乐素养和多样化的曲目储备。 第一部分：早期声乐艺术的基石——巴洛克与古典主义的精粹 本部分聚焦于声乐艺术的奠基阶段，重点解析了蒙特威尔第、亨德尔、巴赫以及莫扎特等大师作品中蕴含的早期美声技巧。 1. 巴洛克时期的装饰法与清晰度（约 400 字） 巴洛克音乐对装饰音的运用达到了前所未有的高度。本章选取了亨德尔歌剧《朱利叶斯·凯撒》中的几首咏叹调，如 "V’adoro, pupille"。重点讲解了颤音（Trill）、回音（Mordent）和倚音（Appoggiatura）在不同乐句中的准确处理。强调的是装饰音并非单纯的炫技，而是歌词情感的自然延伸与强调。 气息支撑与连贯性： 分析了巴洛克时期对持续性长音（Sostenuto）的要求，尤其是在宣叙调与咏叹调连接处，如何保持气息的稳定性和声带的均匀性，以适应早期作品对声音“纯净度”的偏爱。 “调性色彩”的理解： 探讨了早期作曲家如何通过大小调的变化来描绘人物情绪，例如在大调中如何处理旋律的明亮感，在小调中如何凸显内心的挣扎。 清晰的发声： 针对早期作品对音节清晰度的极高要求，本节提供了针对意大利语、德语（早期清唱剧）元音和辅音的精确咬字练习，确保每一个字都能穿透乐团的织体，直达听众内心。 2. 古典主义时期的结构与平衡（约 450 字） 古典主义时期，以莫扎特为代表，要求演唱者在自由表达情感的同时，必须服从严谨的音乐结构。本部分选取了《费加罗的婚礼》中的苏珊娜咏叹调和《魔笛》中的夜后选段作为范例。 咏叹调结构分析： 深入剖析了古典咏叹调中“呈示部-发展部-再现部”的结构逻辑。演唱者需要理解在结构的不同阶段，声音的色彩和能量应该如何变化——例如，在呈示部保持优雅和平衡，在发展部可以适度增加戏剧张力。 呼吸与乐句的完整性： 莫扎特的乐句往往设计得十分修长且对称。本章重点训练学习者在不破坏乐句线条的前提下，找到巧妙的换气点。这要求对肺活量的控制达到“无痕”换气的境界，使听众无法察觉换气动作。 “歌唱的戏剧性”： 探讨了古典主义时期对角色心理的把握。演唱者需在保持美声线条的同时，通过声音的力度变化（Piano/Forte）和音色的微妙调整，刻画人物的喜悦、忧虑或讽刺，实现“结构中的情感自由”。我们特别关注了对歌剧中宣叙调（Recitativo）的处理，如何使其听起来像自然的对话，而非僵硬的念白。 第二部分：浪漫主义的激情与叙事——德语艺术歌曲的深度挖掘 本部分转向十九世纪，聚焦于德语艺术歌曲（Lied）的发展，重点解析舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等人的作品。与歌剧选段相比，Lied 更强调声音与钢琴（或伴奏）的亲密合作，以及对诗歌意境的深层诠释。 3. 德语发音与音色转换（约 350 字） 德语艺术歌曲的演唱对发声的精准性提出了新的要求，尤其是对“后置元音”和浊辅音的处理。 “包裹感”的建立： 德语歌的音色倾向于更“圆润”和“内敛”一些，与意大利美声的“穿透性”略有不同。本节教授如何通过调整舌位，在保持高位共鸣的同时，营造出德语特有的温暖、略带“忧郁”的音色。 文本与旋律的统一： 舒伯特的歌曲往往将诗歌的韵律完美融入旋律线。本章通过分析《冬之旅》中的几首歌曲，指导学习者如何做到“所见即所唱，所感即所现”，即声音的色彩变化必须与诗歌中描绘的自然景象或内心波动同步。 钢琴与人声的对话： 德语艺术歌曲是声乐与钢琴的二重奏。本节提供了与钢琴伴奏者合作的实用建议，包括如何聆听钢琴织体的变化，并在关键时刻（如钢琴引子、尾声或强有力的和弦后）调整自己的进入速度和力度，以达到完美的融合。 第三部分：二十世纪声乐的拓展与挑战 本部分触及二十世纪声乐演唱的多元化趋势，涵盖了法国香颂风格的轻盈感以及早期的现代主义作品中对传统美声界限的探索。 4. 现代作品中的音色灵活性（约 300 字） 二十世纪的作品要求演唱者跳出固定的“美声模板”，适应更广泛的音色要求。 法国香颂的“非美声”质感： 选取德彪西、拉威尔的作品作为范例，学习如何在保持核心共鸣的基础上，加入“说话感”和“呼吸感”，使声音听起来更贴近听者，带有亲密叙事的色彩。 清晰的辅音驱动： 法语对清晰的辅音（如“r”的颤音或清晰的“l”）要求极高。本章提供专门的练习，帮助学习者在不僵硬喉咙的前提下，清晰地表达法语文本的节奏感。 对新和声的适应： 面对现代作品中出现的不协和音程或复杂和声时，本节指导演唱者如何调整内听觉，确保在“不和谐”的背景下，人声线条依然保持准确的音高和连贯的呼吸。 通过这四部分的系统学习，演唱者将不仅掌握不同时期、不同语言的演唱要点，更能建立起一种灵活、适应性强的“声音工具箱”，为未来面对更广阔的声乐曲目做好充分准备。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直在寻找一本能够有效解决我“换声区尴尬”问题的教材，市面上很多书要么过于偏重美声的古典技巧，要么就是流行唱法中那种“速成”的秘诀，缺乏系统的技术指导。翻开《高远之音：跨越音域的桥梁》，我立刻被它对“声区衔接”的精细分析所吸引。作者没有简单地告诉你“要混声”或“要头声”，而是深入探讨了不同声区在生理结构上的细微差异，以及如何通过调整口腔和喉部肌肉的协同工作来实现平滑的过渡。书中详细描述了“M2到M3”转换时，舌根、软腭和会厌的精确配合状态，甚至还附带了特殊的“口型练习”序列，这些都是我在其他任何教材中都没见过的详尽指导。我花了大量时间练习书中提供的那些针对性练习，它们听起来可能有些奇怪，比如一些“哼鸣”和“母音转换”的练习，但效果立竿见影。特别是当我对照着书中的图示调整舌位时，那种声音从胸腔到头腔自然流动的顺畅感，真的让人有种“豁然开朗”的喜悦。这本书真正做到了“授人以渔”，教会你理解声音的内在机制，而不是仅仅模仿外在效果。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买很多声乐教材更多是出于“好奇”或者“收藏”，但《无声的对话：声音与身体的连接》这本书，让我真正开始反思我与自己身体之间的关系。这本书的哲学意味更浓一些，它不急于教你某个技巧，而是引导你去感知声音是如何从身体深处被“生成”的。作者花了大量的笔墨来阐述“身体觉知”的重要性，比如如何通过调整脊柱的正直感来为声音提供一个稳定且开放的通道，以及如何利用骨骼的振动来增强声音的“穿透力”。书中有一章专门讲解了“情绪释放”对发声的影响，它指出很多技术瓶颈其实源于心理上的自我设限或紧张，并提供了一系列引导性的冥想和放松练习。我发现，当我真正做到放下对“完美音准”的执念，而是专注于感受每一次气流通过声带时的细微变化时，声音反而变得更自由、更具感染力。这本书像是一位耐心的导师，教你如何聆听自己身体的声音语言，从而实现与自己声音更深层次的和解与合作。阅读它，更像是一次对自身生理和心理结构的深度探索。

评分☆☆☆☆☆

市面上关于声乐的书籍大多偏向于欧洲古典美声的体系，对于当代流行音乐，尤其是需要大量运用气息和现代技巧的歌手来说，往往显得有些力不从心。《现代都市之音：流行唱法精进指南》这本书简直是为我们量身打造的。它非常接地气，直接针对流行乐中常见的挑战，比如如何处理那种非常靠前的、带有“气声”的唱法，以及如何在不损伤嗓音的前提下，实现那种标志性的“嘶哑感”或“颗粒感”。作者大胆地引入了一些跨学科的知识，比如对麦克风收音原理的理解如何影响我们在舞台上的声音处理，这点非常实用。书中对“胸声定位”和“头腔共鸣”在流行歌曲中的应用做了非常清晰的区分和练习指导，尤其是在处理那些大跨度的、需要强劲爆发力的副歌部分时，提供的那些针对性的练习方案简直是救星。我试着用了书中的一些气流“阻断”和“释放”练习，很快就找到了应对高难度流行歌曲的有效策略。这本书的价值在于，它真正理解了现代歌手的需求，将科学与潮流完美结合。

评分☆☆☆☆☆

对于一个已经有一定基础，但总感觉唱歌“原地踏步”的进阶学习者来说，很多基础教材已经无法满足需求了。《声音的雕塑家：情感与技巧的融合》这本书的视角就非常独特和高阶。它不再纠结于“你能唱多高”或者“你能唱多稳”，而是将重点放在了“你如何用声音讲故事”上。书中用了大量的篇幅去探讨音乐的“呼吸感”和“乐句的处理”，这一点对我触动很大。例如，它分析了不同作曲家在处理同一个小节时的情感倾向差异，并提供了几种截然不同的演绎方法，让我意识到音乐的解释空间是多么广阔。我特别喜欢其中关于“色彩感”的章节，作者用非常文学性的语言描述了如何通过调整元音的“开合度”和气流的“压力”，在声音中注入温暖、冰冷、忧郁或激昂的质感。读完这本书，我感觉自己不再只是一个“技术工人”，而更像是一个“声音的建筑师”，开始有意识地去规划每一个音符的情感走向和结构美感。对于追求艺术表现力的歌者，这本书提供了非常深刻的启发和方法论指导。

评分☆☆☆☆☆

这本《歌唱的奥秘：从入门到精通》绝对是声乐学习者的宝藏！我刚开始接触声乐的时候，完全不知道该从哪里下手，对着镜子自己哼哼唧唧，总觉得气息不对，高音上不去，声音很飘。这本书的作者非常巧妙地将复杂的声乐理论拆解成一个个易于理解的小模块，配上大量的插图和图表，即便是零基础的小白也能很快上手。尤其是它对“气息控制”的讲解，简直是拨云见日！它不是那种干巴巴的术语堆砌，而是用了很多生活化的比喻，比如把气息想象成一个稳定的“地基”，把声音比作建立在地基上的高楼。我按照书里说的做了几组简单的呼吸练习，坚持了一周，明显感觉到腹部支撑力增强了，唱歌时那种“用喉咙挤”的感觉大大减轻了。更让我惊喜的是，它还提供了一些非常实用的“嗓音保健”小贴士，告诉你怎样在日常生活中保护你的声带，避免过度使用后的疲劳。这本书的编排逻辑性极强，从最基础的发声位置到复杂的共鸣调整，一步一个脚印，让你在不知不觉中构建起扎实的声乐基础。对于那些渴望科学、系统提升歌唱能力的人来说，这绝对是案头必备的工具书。