一个乐手的自我修养附CD光盘佐久间正英职业乐手音乐书籍教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：一个乐手的自我修养附CD光盘佐久间正英职业乐手音乐书籍教材正版

商品编号：29853117910

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787540478971

好的，这是一份关于一本假设的、内容与您提到的那本书完全无关的图书的详细介绍。 --- 《弦音之外：现代音乐采样与声音设计实战指南》 作者： 陈宇飞 / 罗伯特·米勒 出版社： 磬石文化 出版日期： 2024年秋季 定价： 128.00 元 ISBN： 978-7-5687-xxxx-x --- 内容简介： 从声音的碎片到完整的听觉世界，全面解析数字音频创作的核心技术与艺术理念。 在当代音乐制作的浪潮中，采样（Sampling）和声音设计（Sound Design）已不再是简单的技术手段，它们是构建独特听觉体验、定义流派风格的关键所在。本书《弦音之外：现代音乐采样与声音设计实战指南》正是为那些渴望超越传统乐器演奏，深入探索声音材料本身潜能的音乐制作人、声音设计师、电子音乐创作者以及音频工程师而精心撰写。 本书摒弃了晦涩难懂的纯理论叙述，而是以一种高度实践驱动的方式，系统性地拆解了从采集、处理到最终合成的每一个环节。它致力于帮助读者掌握将任何现实世界的声音转化为具有音乐性和叙事性的音频资产的核心能力。 全书分为四个主要部分，逻辑清晰地引导读者完成从入门到精通的蜕变： 第一部分：声音采集与基础构建（The Foundation of Sound Capture） 本部分聚焦于声音原材料的获取与准备。它首先详细阐述了高质量音频采集的先决条件，包括麦克风的选择、摆位技巧在不同声学环境中的应用，以及如何针对特定声音源（如环境噪音、机械运动、人声片段）进行最优化的录制设置。 随后，我们深入探讨了数字音频的工作流程。读者将学习如何理解采样率（Sample Rate）、位深（Bit Depth）对声音保真度的影响，以及如何高效地管理和组织庞大的声音素材库。内容涵盖了时间拉伸（Time Stretching）和音高偏移（Pitch Shifting）的算法差异及其在保持音频质量时的最佳实践。此外，本书专门辟出一章讲解了“声音的去噪与修复”，教授如何利用频谱编辑工具，干净利落地去除不必要的嘶声、嗡鸣或环境底噪，为后续的复杂处理打下坚实的基础。 第二部分：采样引擎的深度解析（Deconstructing the Sampler Engine） 这是本书的核心技术探讨部分。我们不再将采样器视为一个简单的播放器，而是将其视为一个多维度的声音合成器。 本章细致剖析了当代主流数字音频工作站（DAW）中内置或第三方采样器的工作原理，包括多层采样映射（Multi-mapping）、交叉渐变（Crossfading）技术，以及如何构建复杂的力度分层（Velocity Layering）以模拟真实乐器的细微动态变化。 一个重要的议题是“循环的艺术”。本书不仅教授如何精确地设置循环点，更着重于如何通过微调波形起点、使用随机化参数（Randomization）和引入“人性化”的微小延迟或抖动，来消除循环的机械感，赋予采样片段生命力。对于那些热衷于Old School Hip-Hop或经典电子乐的制作人，我们还详细介绍了“切片”（Slicing）技术，包括步进模式（Step Sequencer）的应用，以及如何在不同节奏下动态重组已有的音频片段，实现无限的变奏可能。 第三部分：声音设计——从噪声到乐器（Sound Design: From Noise to Instrument） 本部分将读者的视角从已有的声音材料转移到“创造”声音本身。声音设计是构建独特音色库的必经之路。 我们从基础的波形合成（如正弦波、方波、锯齿波）开始，逐步过渡到更复杂的调制技术。重点章节包括： 1. 调制合成（Modulation Synthesis）： 深入探讨低频振荡器（LFO）和包络发生器（Envelope Generator）如何与滤波器、效果器和音高控制联动，创造出动态的、随时间演变的音色。 2. 颗粒合成（Granular Synthesis）： 剖析将声音分解成微小“颗粒”并重新排列的概念，展示如何用这种技术创造出云雾状的氛围、冰冷的脉冲，乃至抽象的纹理。 3. 物理建模基础： 虽然本书不侧重于复杂的物理建模编程，但会介绍如何通过对共振峰（Resonance）和阻尼（Damping）的模拟，用合成器技术“塑造”出类似打击乐器或弦乐器的冲击感和衰减特性。 本章大量提供了针对特定声音类型的设计配方，例如如何构建强劲的电子鼓底鼓（Kick）、如何设计具有穿透力的琶音（Arpeggio）音色，以及如何通过噪声塑形来模仿环境中的特定声景。 第四部分：集成、自动化与混音实践（Integration, Automation, and Mixing Realities） 声音材料的丰富性需要高效的集成和恰当的呈现。最后一部分将目光投向制作的后期阶段。 我们探讨了如何将精心设计的采样和声音效果无缝地融入到完整的音乐编曲中，避免“素材堆砌感”。关键在于自动化（Automation）。本书详细演示了如何利用自动化曲线来控制混响的干湿比、滤波器的截止频率以及声像（Panning）的移动，使声音在空间中“呼吸”和“移动”。 此外，书中还包含了针对采样和声音设计的混音考量。采样声音往往具有极宽的动态范围或不稳定的频率分布，因此，如何选择合适的压缩器（特别是瞬态整形器）、均衡器（EQ）和空间效果器，以确保所有声音元素在最终的混音中既能保持其独特性，又彼此和谐共存，是本章的实践重点。最后，本书提供了一套标准化的素材管理和项目归档方法，确保您的声音创意能够被长期、高效地复用和迭代。 读者对象： 致力于在电子音乐、电影配乐或游戏音效领域进行创新实践的制作人。 希望系统学习数字音频信号处理与声音合成理论的音乐学院学生。 对传统乐器演奏外领域感兴趣，渴望拓宽声音工具箱的乐手。 希望从根本上理解采样与声音设计“黑箱”内部运作机制的音频爱好者。 《弦音之外》不仅是一本技术手册，更是一份邀请函，邀请您进入声音无限的宇宙，亲手塑造您独一无二的听觉景观。

评分☆☆☆☆☆

这本《一个乐手的自我修养》简直是为我这种半路出家的吉他手量身定制的宝典！我拿起这本书的时候，就被它那种扎实的专业感给震撼到了。首先，它对乐理的阐述简直是清晰到令人发指，那些原本感觉像天书一样的和声进行和调式转换，在佐久间正英的讲解下，变得像搭积木一样有逻辑、有章可循。我记得我之前在网上看各种零散的教程，学了很久都是一知半解，但这本书不同，它构建了一个完整的知识体系。比如，它深入剖析了不同音乐风格（爵士、摇滚、布鲁斯）中吉他手的角色定位和技术侧重点，这比单纯的“学个Riff”有价值多了。我尤其欣赏作者在讲述演奏技巧时，不仅告诉你“怎么做”，更告诉你“为什么这么做”，这种对音乐本质的探讨，让我的演奏不再是机械的模仿，而开始有了自己的思考和味道。光是研究书中关于即兴部分的章节，我就感觉自己的大脑被彻底重塑了一遍。CD的配合使用体验也是绝佳，那些示范曲目清晰度极高，能让我精准地捕捉到每一个微妙的音色变化和律动感，极大地提升了我的听辨能力和模仿精度。这本书，与其说是教材，不如说是通往专业殿堂的一张精准地图。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对市面上那些包装精美但内容空洞的“速成秘籍”早就免疫了。但这次真的淘到宝了。这本书的厚重感，拿在手里就知道分量不一般，它不跟你玩虚的，直接切入核心。最让我惊喜的是，它没有一味地堆砌高难度技巧，而是花了大量的篇幅去讨论“职业素养”和“音乐家思维”。佐久间正英作为一位资深乐手，他的经验分享非常接地气，却又极具启发性。他谈到了录音棚里如何与制作人和鼓手高效沟通、如何根据不同乐队风格调整自己的演奏位置，甚至包括如何处理演出中的突发状况。这些“幕后”的知识，对于渴望将兴趣转化为职业的乐手来说，简直是无价之宝。我之前总觉得自己技术不错，但总感觉在乐队里格格不入，读了这本书后才明白，音乐是合作的艺术，技术只是基础，理解音乐的整体结构和团队协作才是关键。书中的案例分析，都是基于真实的工作场景，读起来代入感极强，每次翻阅都能发现新的体会，这绝对不是一本可以快速翻完就束之高阁的书，它需要你像对待一个老朋友一样，时常翻阅，细细品味。

评分☆☆☆☆☆

如果非要用一个词来形容这本书的阅读感受，那就是“醍醐灌顶”。我是一个对细节有着偏执追求的乐手，过去总是在一些细枝末节上纠结不休，找不到突破口。这本书的结构安排非常合理，它先建立宏观的音乐框架，然后逐步深入到微观的技术执行层面。让我印象特别深刻的是关于节奏感的训练部分。它没有仅仅给出节拍器练习，而是引入了“律动偏移”和“前后推拉”的概念，这彻底颠覆了我对“弹准”的理解。原来，专业的律动感不仅仅是卡在拍子上，更是一种有意识地在拍子点上建立张力的艺术。我尝试按照书中的指导，用慢速精确地去感受那些细微的时间差，效果立竿见影，我的演奏立刻变得“活”了起来，不再是那种僵硬的数拍子。附带的CD资源，更是锦上添花，特别是那些针对特定乐句的慢放和原速对比，让我得以清晰地辨识出大师是如何处理那些“呼吸感”和“动态变化”的，这对于提升我的音乐表达力有着质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的感受，更像是一次漫长而愉快的“武功修炼”过程，而不是一次快速的知识灌输。它强调的是内功的修炼，是长期坚持的反馈循环。让我印象深刻的是，作者在谈到“如何保持创造力”时，提到了“刻意练习”与“无目的的玩耍”之间的平衡。这让我放下了心中的焦虑，意识到音乐的进步是一个螺旋上升的过程，需要有计划的训练，也需要留出空间给灵感的自由流动。我非常喜欢书中那种对音乐细节的近乎苛刻的尊重，它教会我，一个伟大的乐手，不仅要能弹得快、弹得难，更要懂得在恰当的时刻，用最少的音符表达最丰富的情感。CD里的伴奏轨非常专业，让我可以在脱离标准节拍器的束缚后，依然能保持极高的精准度进行练习。总而言之，这是一本能够陪伴一个乐手走过初学、进阶乃至专业化整个职业生涯的案头书，它的价值会随着我演奏水平的提高而不断显现出来。

评分☆☆☆☆☆

我通常对那些名字里带有“大师亲授”或“终极秘笈”的出版物保持警惕，但《一个乐手的自我修养》完全不一样。它的语言风格非常克制和严谨，没有丝毫浮夸的成分，完全是基于多年的实践经验总结出来的真知灼见。这本书最大的价值在于，它引导我从一个“演奏者”的心态，转变为一个“音乐制作人”的心态去思考我的乐器。比如，书中有一段关于音色设计的论述，它细致地分解了拾音器、音箱、效果器链条如何相互作用，并教导我们如何根据不同曲目的需求，去“塑造”一个声音，而不是仅仅“使用”一个声音。这一点对我至关重要，因为我一直苦恼于自己的吉他音色在乐队中不够突出。通过书中提供的思维框架，我开始有目的地去调整设备，尝试不同的搭配组合，很快就找到了更适合自己风格的音色基调。这本书的理论深度足以应对音乐学院的课程要求，但它的实用性又极其强悍，真正做到了学术与实践的完美结合，可以说是乐手工具箱里不可或缺的一件精密仪器。