高等院校音乐专业教材中国音乐史与名作欣赏普修教程附MP3光盘 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：高等院校音乐专业教材中国音乐史与名作欣赏普修教程附MP3光盘

商品编号：29853661287

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787806924440

音乐鉴赏与历史的广阔天地：精选导读 本书旨在为对音乐艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的音乐鉴赏与历史学习的入门向导。它并非针对特定专业领域的深度钻研，而是力求构建一个跨越地域、跨越时代、跨越体裁的宏大音乐图景，帮助读者建立起扎实的音乐素养基础，并激发他们对更广阔音乐世界的探索欲望。 我们深知，音乐的学习是一个循序渐进、触类旁通的过程。因此，本书的内容设计遵循“宏观视野构建——关键节点剖析——普适审美培养”的路径，旨在提供一种通用性的音乐知识框架，而非某一特定国家或地区音乐史的专门教材。 第一部分：西方音乐的脉络与核心 本书将首先带领读者步入西方音乐的经典殿堂。我们不会拘泥于某一高校音乐专业教材中对某一特定历史时期、某一特定流派或某一特定作曲家作品的细致入微的考据和分析。相反，我们的重点在于勾勒出西方音乐自中世纪至二十世纪的主要发展脉络和风格演变。 一、漫长的起源与奠基：中世纪与文艺复兴的光影 本部分将介绍西方音乐的早期形态，如格里高利圣咏的单音音乐特征，以及复调音乐的萌芽。文艺复兴时期，人文主义思潮如何影响音乐创作，体现在声乐与器乐的平衡发展，以及早期对和声的初步探索。我们关注的是这些变革如何为后世的音乐发展奠定基础，而非具体列举当时所有重要的音乐家及其代表作。 二、巴洛克：结构与情感的张力 巴洛克时期是西方音乐史上一个极为重要的转折点。本书将侧重介绍对位法的成熟（如赋格的结构魅力），通奏低音的运用，以及歌剧这一戏剧形式的诞生与成熟。重点将放在理解巴洛克音乐中那种装饰性、结构严谨与强烈情感表达之间的辩证关系，而非深入解析巴赫或亨德尔的特定作品技法。读者将学会识别巴洛克音乐的标志性特征。 三、古典主义：清晰、平衡与典范 古典主义时期被视为西方音乐的“黄金标准”。本书将聚焦于奏鸣曲式、协奏曲、交响曲等器乐体裁的规范化与完美化。海顿、莫扎特和贝多芬（作为过渡人物）的思想如何体现在音乐的清晰结构、旋律的优美以及戏剧性的内涵中，将是本部分的核心。我们将探讨“形式服务于内容”的古典美学原则，而非对具体交响曲的逐段分析。 四、浪漫主义的狂想与个性的解放 进入十九世纪，音乐的主题转向了个人情感的极致表达、民族主义的兴起以及对超自然和文学主题的迷恋。本书将阐述标题音乐的兴起，管弦乐队编制的扩大，以及李斯特、肖邦、瓦格纳等巨匠如何通过音乐语言拓展了听觉体验的深度和广度。我们关注的是这种“浪漫精神”对音乐语言的解放作用。 五、二十世纪的多元探索与声音的革命 二十世纪是音乐史上最动荡也最富创造力的时期。本书将概述印象主义、表现主义、十二音体系、序列音乐、以及电子音乐的早期探索。重点在于理解作曲家们如何挑战传统调性体系，并寻求新的组织声音的方式，从而拓宽我们对“什么是音乐”的认知边界。 第二部分：全球音乐视野的拓展与比较 除了西方音乐的纵向发展，本书的价值更在于提供一个横向的、全球性的视角。我们不涉及中国古代音乐史的特定流派或具体名曲的详细鉴赏，而是将重点放在比较音乐学（Ethnomusicology）的入门概念。 一、音乐的文化功能与人类共性 本部分探讨音乐在世界不同文化中的基本作用：仪式、劳动、社交和叙事。通过对比不同文明的音乐特征，读者可以建立一种跨文化的音乐欣赏能力，理解音乐的表达方式是如何被其所处的社会环境塑造的。 二、非西方音乐的几种基本风格特征 我们将简要介绍几种具有代表性的非西方音乐体系的基础特征，例如印度拉格（Raga）体系的旋律框架、中东地区的马卡姆（Maqam）调式概念、以及非洲鼓乐在节奏组织上的复杂性。这些介绍是概念性的，旨在让读者了解不同文化在音高组织、节奏结构和即兴传统上的差异和美学取向，而非提供详尽的历史叙述。 三、现代流行音乐与电子乐的全球化影响 最后，本书会讨论从二十世纪中叶至今，爵士乐、摇滚乐、电子舞曲等在全球范围内迅速传播和融合的现象。这部分着重于分析技术进步（如录音和合成器）如何改变了音乐的创作、传播与消费模式，以及这些新兴体裁如何反过来影响了“严肃音乐”的创作方向。 学习方法论：培养独立鉴赏力 本书的最终目标是培养读者独立思考和主动鉴赏的能力。我们不会提供详尽的“官方解读”或标准答案。在每一个章节后，我们提供的是鉴赏工具： 1. 音乐要素分析法：指导读者如何拆解一段音乐（无论体裁如何），从节奏、旋律、和声、音色和曲式等基本元素入手进行分析。 2. 历史背景关联法：鼓励读者思考音乐作品诞生的时代背景、社会思潮，以及它在当时听众中的意义。 3. 主动聆听的引导：提供一系列开放式的问题，引导读者在不依赖特定教材注解的情况下，自行体会音乐中的情绪流动和结构组织。 简而言之，本书提供的是一个广阔的音乐地图和一套通用的导航工具，而非指向某一特定宝藏的精确坐标。它致力于拓宽读者的音乐视野，使其能够以更开放、更具比较性的眼光，去面对和欣赏人类文明中所有形式的音乐创造。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在一线教学的教师，我不得不说，这本教材在内容的选择和深度把握上，达到了一个非常精妙的平衡点。它既有足够的学术深度来满足音乐专业学生的严谨求学需求，同时在语言表述上又尽量避免了晦涩难懂的术语堆砌，使得初学者也能快速抓住核心概念。尤其是对一些关键历史时期的音乐转折点，比如唐代燕乐的成熟及其对后世戏曲音乐的影响，作者的处理方式非常到位，深入浅出，观点独到。它并没有简单地将历史碎片化，而是努力构建起一条清晰的、具有内在驱动力的历史发展线索。我个人非常看重教材的史料支撑，这本书在引用和注释上的严谨态度，也让我感到十分信赖。它不像有些教材那样只是泛泛而谈，而是能提供出扎实的、可供进一步研究的参考方向。这样的教材，不仅是学生案头的工具书，也是我们教师备课时反复研讨的文本，能从中汲取到许多新的教学灵感和视角。

评分☆☆☆☆☆

这部教材的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了一种沉稳的深蓝色调，配上烫金的字体，显得既庄重又不失古典韵味。纸张的质感也非常好，拿在手里有分量感，内页的印刷清晰，字迹锐利，即便是初次接触这类专业书籍，阅读体验也相当舒适。翻开目录，就能感受到编纂者在结构安排上的匠心独运。它似乎遵循着一条清晰的历史脉络，从上古的乐舞遗风，一直铺陈到近现代的音乐思潮，层层递进，逻辑性极强。我特别欣赏它对不同历史阶段的音乐文化背景的描述，不仅仅是罗列作品和人物，而是将音乐置于当时的社会、哲学乃至审美思潮之中去解读，这对于理解音乐的“为什么”比“是什么”更为重要。例如，对魏晋风度与清乐的对比分析，就极其细腻，展现了中国音乐史深厚的文化底蕴。这种宏大叙事与微观细节的结合，让这本书脱离了传统教条式的史书窠臼，更像是一部引人入胜的音乐文化探险指南。尽管内容厚重，但排版布局上保持了良好的呼吸感，图文穿插得当，极大地减轻了阅读的疲劳感。

评分☆☆☆☆☆

我对“名作欣赏”这部分的编排方式抱有极高的期待，因为音乐史的学习，最终还是要落实在具体的聆听体验上。而这套书在这方面做得极其出色，它提供了一种立体化的欣赏框架。它不是简单地介绍一首曲子的结构和调式，而是深入挖掘了作品背后的时代精神和作曲家的创作意图，这种深层次的解读，极大地提升了听者对作品的共鸣感。例如，在分析某部明清古琴曲时，它不仅仅停留于指法和徽位的讲解，而是会联系到当时的文人情怀和道家思想，让听者在聆听时仿佛能“看到”琴师在松下抚琴的画面。这种将音乐、历史、哲学融为一体的分析路径，极大地丰富了听觉的层次。它成功地引导读者，从被动的接收者，转变为主动的探索者，去发掘每一部经典作品中隐藏的文化密码和情感表达。对于一个习惯了快餐式文化输出的现代学生来说，这种需要耐心和深度沉浸的学习方式，恰恰是培养其高雅艺术审美的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

初次接触中国音乐史，常常会被其庞杂的时间线和地域差异性所困扰，很容易产生迷失感。然而，这本教材在整体架构的把控上，展现出了令人佩服的宏观视野。它成功地将不同时期、不同地域的音乐文化，编织成一张逻辑严密、相互关联的网。比如，在介绍到某一特定乐器体系的发展时，作者会巧妙地回溯到前一个朝代的源头，同时也会展望它在后世的演变方向，使得知识点之间不再是孤立的单元，而是一个流动的整体。这种“打通关节”的叙述方式，极大地降低了学习的认知负荷。阅读过程中，我发现自己能够更清晰地把握住中国音乐“一脉相承”的内在精神，理解那些看似突然出现的创新，实则是长期积累和量变引发的质变的结果。这种对历史连贯性的强调，对于建立扎实的学科基础至关重要，它让学生明白，我们所学习的并非僵死的历史，而是一个仍在呼吸和演进的伟大文化传统。

评分☆☆☆☆☆

从一个学习者的角度来看，这本书的实用性和工具性远超我的预期。很多音乐史教材在介绍完理论后，往往就戛然而止，留给学生一个“如何去实践”的巨大空白。但这部教材显然考虑到了这一点，它在讲述完历史背景和作品特征后，似乎总会提供一个自然的过渡，指导我们如何去建立自己的鉴赏体系。例如，在讲述民乐的变奏手法时，教材会提供清晰的对比示例，让你能立刻在脑海中构建起一个关于“变奏”的清晰模型。这种“知行合一”的设计理念，对于那些立志于未来从事音乐实践工作，比如指挥、创作或者音乐研究的学生来说，无疑是至关重要的。它教会的不仅仅是“知识”，更是一种“方法论”——如何带着历史的眼光去聆听当下的音乐，如何用科学的思维去分析流传已久的作品。这种注重方法论的培养，才是真正的高等教育的价值所在，它培养的是能够独立思考和判断的专业人才。