中国舞蹈编导形象语言研究理论知识戏剧艺术跳舞书籍教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：中国舞蹈编导形象语言研究理论知识戏剧艺术跳舞书籍教材正版

商品编号：29853446288

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号： 9787552314250

编辑推荐

《中国舞蹈编导形象语言研究》由上海音乐出版社出版。

作者简介

吴蓓，北京舞蹈学院编导系副教授。首届国家艺术类人才培养项目访问学者和纽约大学艺术学院访问学者，北京市教育委员会“人才强教深化计划”骨干人才。主要作品：编剧／总编导中国舞剧《半生缘》《那个秋天里的女人——秋瑾》《北京人》等。执行总编导民族舞剧《周原女人》，执行导演大型舞蹈诗《紫气京华》，合作编剧／编导中国舞剧《原野》。担任编导的舞剧《满江红》《篱笆墙的影子》，芭蕾舞剧《二泉映月》《卖火柴的小女孩》，舞蹈诗《天地之上》《下西洋》，音乐剧《天地七月情》等。主要获奖：首届亚洲青年艺术节作品金奖，第二届和第四届中国舞蹈“荷花奖”舞剧比赛作品银奖，第五届中国舞蹈“荷花奖”舞蹈诗比赛作品金奖和舞剧比赛作品铜奖，第六届中国戏剧节“曹禺戏剧”优秀作品奖，第八届中宣部“五个—工程”奖，2014年国家大剧院舞蹈节展演作品，第十二届北京国际戏剧—舞蹈演出季展演作品，北京市庆祝中华人民共和国成立55周年文艺作品评比一等奖，第九届“桃李杯”舞蹈比赛学术论文一等奖等。并多次担任戏剧的舞蹈编导，获奖作品有黄梅戏《徽州女人》、话剧《红领巾》、京剧《图兰朵公主》、越剧《蝴蝶梦》等，曾获第六届中国艺术节大奖，第十届和第十一届文华大奖等。

目录

绪论
第一章中国舞蹈的文化特质
一、中国艺术的特征
二、中国古代舞蹈“形象”
第二章中国舞蹈形象语言的审美品质
一、中国舞蹈“形象”之“意象”
二、中国舞蹈“形象”的美育作用
三、舞蹈创作中的形象思维
四、中国舞蹈“形象”中的再现与表现
五、中国舞蹈“形象”的精神审美
第三章舞蹈形象的艺术品质
一、舞蹈语言的抽象性和舞蹈作品的形象塑造
1.舞蹈动作中的抽象因素
2.舞蹈作品的诉求
3.塑造与方法
二、舞蹈“人体”的局限与无限
1.舞蹈的局限
2.在限制中创造
3.自我舞蹈与交流沟通
三、舞蹈动作的内在色调和外部环境构成
1.舞蹈动作的内在色调
2.舞蹈动作的外部环境构成
3.编导自身与舞蹈语言的关系
第四章身体运动的空间时间与形象认知
一、舞蹈形象背后的潜藏能量
1.树立形象
2.打破形象
3.剥离形象
二、舞蹈的理性化层面和舞蹈的感性化层面
1.动作意念的思想意识
2.动作的外观和联系
3.动作序列和组织
三、舞蹈的肢体语言与观众交流
1.身体、空间、时间
2.线索、固定、消解
3.形、神、境、情
第五章舞蹈形象语言的编导教学
一、主题动作中舞蹈形象的确立与发展
1.主题动作
2.形象元素确立
3.发展变化
二、群舞中主导动机和主题动作的形象包含
1.主导动机和主题动作
2.主体舞段在群舞中的作用
3.群舞中的形象和意境营造
三、段落中对形象种子的发展
1.舞剧中人物形象主题的确立
2.舞段中人物形象的丰满和性格成长
3.形象的连贯和音乐舞蹈视觉化在舞剧叙事结构中的更迭
第六章舞剧创作中形象语言的深化
一、结构立意作为语言的作用
二、创作手法作为语言的作用
三、舞蹈动作作为语言的作用
结语
附录
自觉于“限制”和“放浪”间的心灵表现
舞剧《那个秋天里的女人——秋瑾》创作谈
舞剧《原野》创作谈
中国舞剧《半生缘》之创作“表现”
舞剧《北京人》创作有感
参考书目
后记

探寻舞台之魂：当代戏剧导演的视觉叙事与空间构建 一部深入剖析现代戏剧导演如何运用视觉元素、空间设计与身体语言，构建富有穿透力与时代精神的舞台叙事的前沿专著。 本书并非聚焦于中国舞蹈的特定编导技法或古典理论，而是将视角投向更广阔的戏剧艺术领域，特别是当代舞台表演中，导演作为核心创作者，如何通过对“形象语言”的精妙调度，实现深刻的社会批判、哲思探讨或情感共鸣。 我们相信，一个优秀的戏剧作品，其力量往往超越剧本本身的文字限制。导演的“形象语言”，即是对灯光、布景、服装、演员调度、舞台空间利用等一切非语言要素的综合运用，是构建舞台“在场感”与意义深度的关键。 第一部分：视觉炼金术——空间、光影与物质性 本部分详细梳理了当代舞台美术设计在戏剧叙事中的革命性作用，摒弃传统“写实主义”的束缚，探讨如何利用抽象、象征和解构的手法，创造出具有多义性的舞台空间。 1. 空间作为角色与文本： 非线性空间叙事： 探讨后戏剧剧场中，舞台如何不再是故事发生的单一“场所”，而是成为一个可被分割、重塑、甚至具有主动干预性的“剧场机器”。我们将分析如勒库斯（Robert Lepage）或卡瓦利（Romeo Castellucci）如何运用旋转舞台、多层结构或极简主义的空旷感，引导观众进行主动的意义建构。 物质的诗学： 深入研究舞台上的“物”（Props and Objects）如何被赋予超越其物理功能的象征意义。从日常物件的异化处理，到大型装置的引入，如何通过物质的质感、重量和位置变化，暗示角色的心理状态、社会阶层或历史背景。例如，一个破碎的镜子、一堆堆积的废弃物，如何比任何对白都更强烈地表达存在危机。 2. 光影的雕塑与情绪驱动： 超越照明的绘画： 区别于传统戏剧中仅用于“照亮”的照明手法，本书重点探讨灯光设计如何成为“空间的雕塑家”。分析冷暖色温、光束角度、明暗对比如何直接干预观众的情绪反应与焦点转移。 时间与氛围的编码： 探讨如何通过光线的渐变、闪烁或固定色块，精确地标记叙事中的时间流逝、梦境、闪回或内心独白。例如，如何使用“边缘光”勾勒人物的孤独感，或利用“剪影”创造宿命的压迫感。 第二部分：身体的语法——演员调度与非语言表达 这一部分将理论与实践相结合，研究导演如何指导演员，超越剧本台词，通过身体的“在场”与“移动”，创造出具有强大冲击力的戏剧张力。 1. 舞台形体语汇的构建： 运动的意义场域： 分析演员在舞台上的“路径设计”（Blocking）不再是单纯的走位，而是具有明确意图的“运动语言”。我们将剖析那些精心设计的集合动作（Ensemble Work）如何体现社会群体的压抑或反抗，以及单个角色的“慢动作”或“定格”如何放大瞬间的戏剧张力。 呼吸、姿态与潜台词的可见化： 探讨如何通过对演员呼吸节奏的控制（导演的介入），使角色的内在冲突通过外在的身体状态得到微妙的呈现。这包括对手部、眼神等细微动作的精确调校，使其成为潜台词的放大器。 2. 导演与演员的“共谋”： 本书特别关注导演在排练过程中如何引导演员进入非传统表演模式，例如，如何运用默剧技巧、即兴片段或身体剧场的训练方法，帮助演员挖掘出文本深层未被言明的能量。讨论“表演的真实性”在当代语境下，如何从模仿转向对“存在状态”的探索。 第三部分：跨界与融合——后戏剧语境下的导演手法 在后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）的浪潮下，戏剧的界限日益模糊。本部分审视了当代导演如何打破传统戏剧三要素（情节、人物、语言）的统治地位，转向更具感官冲击力和多媒体介入的叙事方式。 1. 声音景观的构建： 音乐与音效的叙事功能： 区别于传统戏剧中音乐作为背景或情绪烘托，本书重点分析声音如何成为独立的叙事线索。探讨如何运用环境音、电子乐、噪音或沉默本身，与视觉形象形成对位或互文关系，共同推动情节或揭示主题。 人声的异化与重塑： 分析导演如何通过声音处理技术（如延迟、扭曲、多重叠加），对演员的人声进行技术干预，以探讨身份的碎片化与现代社会的疏离感。 2. 媒介的介入与舞台的“叠化”： 探讨投影、LED屏幕、实时影像捕捉等数字技术如何被整合进舞台形象语言中。关键不在于技术本身有多炫目，而在于导演如何利用媒介的“在场”与“缺席”的辩证关系，打破舞台与观众席的界限，创造出多重现实交错的体验。 结语：导演的在场与时代的映照 本书最终落脚于探讨，在高度复杂的现代社会中，一位优秀的戏剧导演如何通过对上述所有“形象语言”元素的精确把握与创造性组合，完成其作为“时代观察者”和“意义中介者”的使命。它旨在为所有致力于深化舞台艺术表现力的研究者、编导、设计师及表演工作者，提供一套系统的、面向未来的视觉思维框架。 本书内容高度聚焦于戏剧导演的视觉策略、空间美学、身体调度与多媒体融合，是理解当代舞台艺术复杂性的重要参考读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常迷人，它有一种罕见的平衡感——既保有学术著作应有的严谨和专业性，又没有牺牲掉作为艺术理论书籍应有的诗意和感染力。作者的文字功底可见一斑，他总能用精准而富有韵律感的句子来描述那些转瞬即逝的舞蹈瞬间。我尤其欣赏作者在讨论“时间性”在舞蹈中的表达时所用的比喻，那种将抽象的时间感具象化到肢体运动轨迹中的手法，既形象又深刻。虽然涉及大量的理论术语，但每一次专业词汇的出现，都伴随着清晰的释义和直观的例证，这使得即使是我这样并非科班出身，但对舞蹈艺术抱有深厚热情的普通读者，也能轻松跟上作者的思路，并从中汲取营养。这本书带给我的不仅仅是知识的积累，更是一种审美上的提升，它让我重新审视了自己观看舞蹈时的视角，从一个被动的接受者，逐渐转变为一个有能力进行深度解码和欣赏的参与者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种深邃的蓝色调，配上烫金的标题字体，一下子就抓住了我的眼球。拿到手里沉甸甸的感觉，就知道里面内容肯定很扎实。我本来是抱着试试看的心态买的，毕竟市面上关于舞蹈理论的书籍很多，但真正能深入浅出、兼具学术性和可读性的却不多见。翻开目录，就能感受到作者在梳理舞蹈的“形象语言”这一核心概念时所下的功夫，结构组织得非常清晰，从基础的动作分析到更高层次的意象构建，层层递进，逻辑性极强。特别是初读前几章时，作者对“非语言符号”在舞蹈表达中的独特作用的论述，让我立刻明白了许多过去在观看演出时模糊感受到的东西，有了一种豁然开朗的感觉。这本书的排版也很舒服，字号适中，行距合理，长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。它不像是那种枯燥的教科书，更像是一位经验丰富的导师在耐心地为你揭示舞蹈艺术的内在奥秘，每一个理论点的阐述后面似乎都能看到作者多年舞台实践的影子，这使得理论不再是空中楼阁，而是深深扎根于舞蹈本体之中的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前买过几本号称是“教材”的舞蹈理论书籍，结果发现它们要么过于偏重技术动作的分解，要么就是充斥着晦涩难懂的哲学思辨，让人读起来非常吃力，很多句子需要反复揣摩才能勉强领会其意。但是，这本《中国舞蹈编导形象语言研究》的处理方式截然不同。它仿佛是为那些有一定舞蹈基础，但渴望从“如何跳”提升到“如何创”的专业人士量身定做。书中对于“意象”与“叙事”之间的辩证关系的探讨尤为精彩，作者清晰地指出了纯粹的意象堆砌如果不附着于内在的逻辑结构，就容易沦为形式主义的空洞展示。我尤其喜欢它对“节奏感”在空间布局中的体现所做的深入剖析，这部分内容刷新了我对舞台调度这一环节的认知。它不仅仅是教你如何走位，而是教你如何用位移来塑造情感的起伏和故事的张力，这种深入骨髓的洞察力，让我对未来的教学或创作方向有了更坚定的把握。

评分☆☆☆☆☆

我是在进行毕业论文的资料搜集时偶然发现这本书的，一开始只是抱着碰运气的心理，希望能找到一些与“中国文化元素如何融入当代编舞”相关的扎实论据。这本书的价值远超我的预期。它的学术严谨性体现在对文献的广泛引用和对研究范式的清晰界定上，让人深信其论点的可靠性。但真正让我感到惊喜的是，它并没有将中国舞蹈局限于传统符号的简单复刻，而是非常前沿地探讨了在多元文化碰撞下，如何提炼出具有现代性的“中国舞蹈形象语言”。作者的批判性思维贯穿始终，对于某些过度浪漫化或符号化的倾向提出了理性的反思，引导读者去探寻更深层次的文化内涵与时代精神的契合点。阅读过程中，我不断地在书页空白处做笔记，很多观点提供了全新的研究角度，这对于突破现有研究瓶颈提供了极大的助力，无疑是我的研究宝库。

评分☆☆☆☆☆

我是一位对古典舞理论非常感兴趣的爱好者，这次购书的主要目的就是想系统学习一下编导思维的构建过程。这本书在探讨“跳舞”这一行为如何转化为可被观众理解和感知的“语言”时，采用了多维度的分析视角，这一点我非常欣赏。它没有停留在对单一舞种的描述上，而是将视野放到了更广阔的戏剧艺术领域，探讨了舞蹈语汇如何与舞台空间、灯光、音乐进行有效的张力构建。书中引用的案例非常具有代表性，它们并非那些陈旧的、早已被研究烂熟的经典，而是穿插了一些更贴近当代语境的编创实例，这让理论的学习过程充满了新鲜感和启发性。更关键的是，作者在介绍那些复杂的理论框架时，总是能够巧妙地穿插一些具有画面感的描述，比如如何通过“肢体的速度变化来暗示心理的波动”，这些精妙的措辞，极大地帮助我将抽象的理论概念转化为了可以想象的具体舞台画面。这对于我今后尝试构思自己的作品，无疑是一份宝贵的智力地图。