基本乐理李重光湖南文艺出版社艺术考研正版教材考研大书9787540443306 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李重光 著

图书标签:

• 乐理学
• 音乐理论
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• 李重光
• 湖南文艺出版社
• 教材
• 音乐基础
• 高等教育
• 9787540443306

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出版社： 湖南艺术出版社

ISBN：9787540443306

商品编码：29859852994

页数：278

图书基本信息
书名：	基本乐理
作者/主编：	李重光
出版社：	湖南艺术出版社
ISBN号：	9787540443306
出版年份：	2009年

版次：	第1版
总页数：	278 页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	499g
新旧程度：	正版全新

《基本乐理》是由湖南文艺出版社出版的

 讲 概述 第二讲 音及音名 
第三讲 音律 
第四讲 记谱法(一) 
第五讲 记谱法(二) 
第六讲 记谱中的常用记号 
第七讲 乐谱的正确写法 
第八讲 节奏、节拍 
第九讲 各种拍子 
第十讲 拍子的音值组合法 
第十一讲 节奏中的强弱关系 
第十二讲 节奏、节拍在音乐表现中的作用 
第十三讲 音乐的速度、力度及其标记 
第十四讲 音程的名称及其标记 
第十五讲 音程的分类 
第十六讲 怎样识别和构成音程 
第十七讲 三和弦与七和弦 
第十八讲 原位和弦与转位和弦 
第十九讲 怎样识别和构成和弦(一) 
第二十讲 怎样识别和构成和弦(二) 
第二十一讲 调及调的五度循环 
第二十二讲 大调式 
第二十三讲 小调式(一) 
第二十四讲 小调式(二) 
第二十五讲 五声调式与七声调式(一) 
第二十六讲 五声调式与七声调式(二) 
第二十七讲 如何确定调与调式 
第二十八讲 调式的多样性及其表现作用 
第二十九讲 调式中的音程 
第三十讲 不协和音程的解决 
第三十一讲 音程的表现作用 
第三十二讲 调式中的和弦(一) 
第三十三讲 调式中的和弦(二) 
第三十四 讲和弦的实际应用 
第三十五 讲调式变音 
第三十六讲 半音音阶 
第三十七讲 调关系 
第三十八讲 转调 
第三十九讲 怎样识别转调和调式变音 
第四十讲 移调 
第四十一讲 移调的实际应用 
第四十二讲 装饰音 
第四十三讲 关于旋律的知识 
第四十三讲 乐曲的基本形式 
附练习答案 

《基本乐理》一本不可多得的音乐理论普及教材。教材分为四十四个相对独立又紧密相连的课题，采用五线谱和简谱对照的写法，其科学通俗的讲解让音乐理论的学习更加直观和简单。作者在每一讲都配有练习题以检查学习的情况，并在书后附上详细的练习答案，便于学习者检验和自查。

音乐理论的深度探索与实践指南 图书名称：《西方音乐史概论：从文艺复兴到浪漫主义》 出版社： 音乐之声出版社 作者： 乔治·A·汉密尔顿 ISBN： 978-7-5500-XXXX-X 图书简介： 本书旨在为音乐爱好者、音乐学学生以及渴望系统了解西方音乐发展脉络的专业人士，提供一部详尽、深入且富有洞察力的历史性著作。作者乔治·A·汉密尔顿，以其深厚的学术功底和严谨的治学态度，带领读者穿越数百年光阴，细致剖析了西方音乐史上最具变革性和创造力的几个关键时期：文艺复兴、巴洛克、古典主义与浪漫主义。 第一部分：文艺复兴的黎明与人文主义的回响 (约 1400-1600 年) 本部分深入探讨了在人文主义思想光辉下，音乐如何从宗教的桎梏中逐步解放，转向以人为本的表达。我们首先回顾了中世纪晚期复调音乐的发展，特别是“新艺术”（Ars Nova）对音乐结构带来的革命性变化。 主题聚焦： 弗兰德斯乐派的崛起： 重点分析了杜菲（Dufay）、奥克冈（Ockeghem）等大师如何完善了模仿复调技巧（Imitative Polyphony），以及他们对均衡与清晰度的追求。 宗教音乐的变革： 详细解读了帕莱斯特里那（Palestrina）对特伦特会议改革的回应，分析其作品中体现的“纯净之声”与对文本清晰度的极致关注。 世俗音乐的蓬勃发展： 探讨了法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）在表达情感深度和文字与音乐融合方面的成就。本书不仅罗列了作品，更着重分析了其声部组织、和声色彩与文本处理的精妙之处，揭示了音乐如何开始反映更复杂的人类情感。 第二部分：巴洛克时代的辉煌与对位法的巅峰 (约 1600-1750 年) 巴洛克时期是音乐史上一次激动人心的飞跃，它标志着歌剧的诞生、数字低音（Basso Continuo）的普及以及对戏剧性与情感强度（Affektenlehre，情感理论）的狂热追求。 深度剖析： 歌剧的诞生与早期发展： 从佛罗伦萨的“卡梅拉塔”团体到蒙特威尔第（Monteverdi）的《奥尔费奥》，本书追溯了戏剧性音乐语言的形成过程，讨论了宣叙调与咏叹调的初始形态及其功能差异。 器乐的独立地位： 本部分投入大量篇幅研究了协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）以及组曲（Suite）的结构确立。对科雷利（Corelli）和维瓦尔第（Vivaldi）的作品进行了细致的分析，阐释了快慢交替的戏剧张力。 巴赫与亨德尔的集大成： 重点分析了巴赫对对位法（Counterpoint）的登峰造极之作，如《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》，揭示其数学般的严谨性与精神上的崇高感。同时，也对比了亨德尔在清唱剧领域，尤其《弥赛亚》中对宏大叙事和德奥传统融合的贡献。 第三部分：古典主义的秩序与结构的典范 (约 1750-1820 年) 随着启蒙运动的思想深入，音乐追求清晰、平衡、对称和普适性。古典主义时期是形式和体裁的规范期，确立了我们今天所熟知的奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏的基本框架。 结构与形式的解析： 奏鸣曲式的解构： 本章以详尽的图表和实例分析，彻底拆解了呈示部、展开部和再现部的内在逻辑、功能和转调策略。这是理解海顿、莫扎特、贝多芬作品的基石。 维也纳古典乐派的“三巨头”： 细致比较了海顿（Haydn）作为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”在确立体裁规范中的贡献；莫扎特（Mozart）在旋律天赋、歌剧创新（特别是德语歌剧的发展）上的卓越成就；以及贝多芬（Beethoven）如何打破既有框架，将古典的清晰度注入前所未有的个人情感与英雄主义气质。 钢琴的崛起： 探讨了钢琴取代羽管键琴成为主流乐器的历史背景，以及贝多芬后期钢琴奏鸣曲中对乐器性能的深度挖掘。 第四部分：浪漫主义的激情与个性的解放 (约 1820-1900 年) 浪漫主义音乐是个人情感、主观体验、想象力和对非理性世界探索的时代。音乐的界限被拓宽，和声语言变得更为丰富和复杂，标题音乐（Program Music）兴起，管弦乐队规模空前扩大。 情感的广阔天地： 艺术歌曲（Lied）的巅峰： 重点剖析舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何将诗歌的意境与钢琴伴奏完美融合，创造出一种微型却又极具表现力的艺术形式。 民族主义与民间色彩： 探讨了肖邦（Chopin）对波兰民间音乐元素的提炼，以及捷克、俄罗斯等地区作曲家如何通过音乐确立民族身份。 交响诗的诞生与扩展： 详细分析了李斯特（Liszt）在创立单乐章交响诗体裁上的创新，以及其对标题音乐体裁的决定性影响。 晚期浪漫主义的张力： 关注瓦格纳（Wagner）在歌剧领域（特别是“乐剧”）对主导动机（Leitmotif）的运用，以及他对和声界限的极度推演，为进入现代音乐埋下了伏笔。布鲁克纳（Bruckner）和马勒（Mahler）的作品则被置于探讨“交响曲的终结与重生”的语境下进行分析。 结语：承前启后的意义 本书的价值不仅在于梳理了历史脉络，更在于提供了一套严谨的分析工具，使读者能够区分不同时期音乐的风格特征、结构惯例和美学追求。通过对大量经典作品的深入剖析，读者将建立起一个坚实的音乐知识体系，从而能够更深入地欣赏和理解西方音乐艺术的伟大遗产。本书适合作为高校音乐理论、音乐史专业的指定教材，亦是音乐评论家和资深乐迷的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，不仅仅体现在它对基础知识的详尽阐述上，更在于它对“应用”和“思辨”的引导。在书的后半部分，我注意到作者开始引入一些高阶的、偏向分析和鉴赏层面的内容，这远远超出了许多基础乐理书籍的范畴。它鼓励读者去质疑和探索，比如，它不会直接告诉你某个调式只能表达某种情绪，而是会引导你分析历史上大师们是如何利用这个调式的特定音响色彩，来达到特定的情感表达目的的。这种引导性的提问方式，有效地将我的学习从“记忆知识”转向了“运用知识”和“理解艺术”，这对于未来要进行深入学术研究或专业创作的人来说，是极其宝贵的思维训练。它提供了一把钥匙，让你能够打开音乐世界更深层次的大门，而不是仅仅停留在表面规则的层面，这种启发性，才是一本优秀的教材最核心的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

我之前也尝试过几本市面上主流的乐理教材，坦率地说，很多都过于学院派了，要么是晦涩难懂的理论堆砌，要么就是案例陈旧得跟不上时代。但这本书的叙事方式，却像是一位经验丰富的老教授在娓娓道来，他似乎非常懂得初学者或备考者在面对复杂概念时的困惑点。比如，在讲解和声进行时，它不是简单地罗列规则，而是会穿插大量的历史背景和作曲家的实际运用案例，让你明白“为什么是这样”，而不是仅仅“记住是这样”。更妙的是，作者在处理那些看似枯燥的节奏型时，总能用一些非常生动且贴近日常生活的比喻来辅助理解，比如将复杂的复节奏比作几种不同速度的脚步声在同时进行，瞬间就清晰了。这种化繁为简的能力，体现了作者深厚的教学功底，它不仅仅是在传授知识，更像是在引导你构建一个完整的音乐思维框架，让你在记忆知识点时，有一个坚实的逻辑支撑点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让我眼前一亮，封面那种低调而又不失质感的深蓝色调，配上那种略带年代感的字体排版，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里掂量了一下，分量十足，感觉就不是那种敷衍了事的印刷品，而是真正下过功夫的用心之作。内页的纸张选择也挺考究，不是那种容易反光的廉价纸，阅读起来眼睛不容易疲劳，即便是长时间对着密密麻麻的五线谱和文字，舒适度也相当不错。更值得称赞的是，装订工艺非常牢固，我习惯把书摊平在桌上甚至地板上，这本书的跨页处处理得很好，完全没有“书脊断裂”的担忧，这对于需要经常查阅和做笔记的教材来说，简直是福音。书脊上的信息也排布得清晰得体，即使是放在一堆参考书里，也能一眼就找到它，这种细节上的体贴，真的让人在使用过程中感受到一种被尊重的感觉。初次翻阅时，那种油墨散发出来的淡淡的、特有的书香，也为学习增添了一份仪式感，让人更愿意沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

作为一本准备考研的“大书”，它的内容覆盖面无疑是极其广博的，但令人印象深刻的是，它在处理不同知识点之间的衔接时，展现出一种高度的系统性和内在的逻辑性。很多教材在不同的章节之间，就像是孤立的知识点碎片，需要读者自己去建立联系，但这本书则像是一个精心编织的网络。当你学完基础的旋律写作，它会自然而然地导向对位法的初步介绍，然后将这些理论应用到更复杂的曲式分析中去。这种层层递进的结构设计，让你感觉每学完一章，你的知识体系就向上搭建了一层，而不是原地踏步。这种结构上的严谨，让我对自己的备考进度和知识掌握程度更有信心，因为它提供了一个清晰的、自洽的学习路径图，而不是一堆散落的笔记和法则的集合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局，绝对是经过深思熟虑的，它很好地平衡了视觉的丰富性和信息的可读性。很多教材为了塞进更多的内容，就会把页面弄得密不透风，结果就是重点不突出，读者看了半天都抓不住要害。但这本书不一样，它懂得留白，懂得用不同字号、粗细和颜色的标题来划分层次感。我特别喜欢它在引入新概念时，会使用一个对比鲜明的色块或小插图进行强调，这对于我这种需要通过视觉辅助记忆的人来说，简直是太友好了。而且，书中的图表绘制得极为精准和清晰，无论是和弦的结构图，还是音程关系的示意图，线条都干净利落，没有丝毫含糊不清的地方，这在涉及到精确的视觉辨识时，是至关重要的。这种用心做的“界面设计”，极大地降低了学习曲线的陡峭感，让那些原本让人望而生畏的乐理知识，变得触手可及。