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徐湛 著

图书标签:

• 国画
• 徐湛
• 绘画技法
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• 绘画

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出版社： 科学普及

ISBN：9787110069691

商品编码：10017323476

出版时间：2009-01-01

基本信息

商品名称： 跟徐湛学国画-(二)	出版社： 科学普及出版社	出版时间：2009-01-01
作者：徐湛	译者：	开本： 12开
定价： 58.00	页数：166	印次： 1
ISBN号：9787110069691	商品类型：图书	版次： 1

编辑推荐

为配合中央电视台书画频道的《跟徐湛学国画》栏目的讲座，特出版该技法教材，为广大书画爱好者提供一个新的更为方便的学习课堂，《跟徐湛学国画》(2)为其中第二本。

内容提要

作为中华文化学院中国花鸟画研修院常务院长，徐湛回忆自己四十余载的国画生涯，徐湛感到事业的路虽然很艰辛，但也得到了令人欣慰的回报：在中央电视台《夕阳红》节目开设系列书画讲座，一讲就是3年；今年上半年央视新开的书画频道也为他专门开设了名为《跟徐湛学国画》的栏目；他的学生早已遍布世界各地……为配合中央电视台书画频道的《跟徐湛学国画》栏目的讲座，特出版该技法教材,为广大书画爱好者提供一个新的更为方便的学习课堂。

作者简介

徐湛
著名画家  中国美术家协会会员
中国花鸟画研修院常务院长、教授、研究生导师
集四十年教学与创作经验于一身
曾在中央电视台“夕阳红”栏目教授写意花鸟画长达三年之久
现在中央数字电视“书画频道”教授写意花鸟画
在科学普及出版社出版的《(学国画)》(1～3册)累计印数已达60余万册

目录

第二十二章 竹子的画法
第二十三章 芭蕉叶的画法
第二十四章 菊花的画法
第二十五章 向日葵的画法
第二十六章 山里红的画法
第二十七章 松鼠的画法
第二十八章 水仙花的画法
第二十九章 百合花的画法
第三十章 玉兰花的画法
第三十一章 红叶的画法
第三十二章 八哥鸟的画法
第三十三章 翠鸟的画法
第三十四章 慈姑和蜻蜓的画法
第三十五章 荷花的画法
第三十六章 鸭子的画法
第三十七章 苍鹭和芦苇的画法
第三十八章 金鱼的画法
第三十九章 鲤鱼的画法
第四十章 秋海棠的画法
第四十一章 珍珠鸡的画法
第四十二章 孔雀的画法
第四十三章 仙客来和蝴蝶的画法
第四十四章 兰草的画法
第四十五章 月季花的画法
第四十六章 喜鹊的画法
第四十七章 梅花的画法

跟徐湛学国画-(二) 一、 笔墨意趣，山水胸怀——徐湛国画精粹赏析 (二) 《跟徐湛学国画-(二)》作为一部深入探究中国传统水墨艺术的力作，旨在为广大国画爱好者提供一个系统、详实、富有启发性的学习平台。本书延续了前作的严谨治学态度与鲜活的教学理念，聚焦于中国山水画的精髓，带领读者在徐湛先生精湛的笔墨技法与深厚的艺术造诣引领下，逐步领略水墨山川的壮丽与灵秀，感悟传统文化的博大精深。 本书并非简单罗列技法，而是将技法融入对山水精神的理解之中。徐湛先生以其数十载的教学与创作经验，精炼出一套独具特色的教学体系。在《跟徐湛学国画-(二)》中，他将重点放在山水画中更为复杂且富于表现力的元素上，如云雾的勾勒、水流的动态、岩石的质感、树木的形态以及点景人物的配置等。这些看似细微之处，却是构成山水画生命力的关键。 （一） 云雾缭绕，气韵生动： 在中国传统山水画中，云雾是不可或缺的构成要素。它们不仅是空间分割的手段，更是传递山水灵气与神秘感的关键。本书将详细阐述如何通过墨色浓淡、干湿变化以及运笔的虚实结合，来表现云雾的飘渺、流动与层次感。从“皴擦点染”对山体的勾勒，到“飞白”与“破墨”技法的运用，徐湛先生将引导读者掌握表现不同形态云雾的技巧，例如轻柔的云纱、翻腾的积雨云、或是悠然的远山云海。书中会通过大量清晰的步骤图例，展示如何从简单的墨团变化出千姿百态的云，以及如何通过对笔触的控制，营造出云雾吞吐山峦的壮阔景象。更重要的是，本书会探讨云雾在中国哲学中的象征意义，以及它们如何与观者的心境产生共鸣，从而提升画作的意境。 （二） 飞流直下，柔情似水： 水，是山水画中生命与动感的源泉。无论是咆哮的瀑布、蜿蜒的溪流，还是静谧的湖泊，都在画中扮演着至关重要的角色。《跟徐湛学国画-(二)》将深入剖析表现不同形态水流的绘画语言。对于瀑布，我们会学习如何运用粗细、刚柔并济的线条，结合墨色的飞溅与晕染，来展现其磅礴的气势与水珠飞溅的动态。对于溪流，则会侧重于表现其曲折蜿蜒的姿态，以及水面反射的光影变化，传达出一种清澈与灵动。书本还会介绍如何用留白的手法来表现水面的开阔与宁静，以及如何通过对水底石块或游鱼的细致描绘，来增加画面的生活气息与趣味性。徐湛先生将结合古代大师的经典作品，讲解水墨在表现水之形态与质感方面的独特优势，鼓励读者在实践中体会“水”之韵律。 （三） 苍劲嶙峋，坚韧不屈： 岩石的描绘是山水画中表现山体骨骼与力量感的关键。《跟徐湛学国画-(二)》将系统讲解多种表现岩石的皴法，例如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等，并详细分析其适用场合与表现效果。读者将学习如何通过不同的笔墨力度、干湿程度以及墨色变化，来刻画岩石的坚硬、粗糙、饱经风霜的质感。本书会强调在运用皴法的同时，也要注重对岩石形态的整体把握，以及对山体结构的理解，从而使得岩石的描绘既有力度又不失自然。此外，书中还会探讨如何通过对岩石纹理的细致刻画，来表现其年代感与历史沧桑，让观者仿佛能触摸到山石的脉络。 （四） 挺拔葱郁，生机勃勃： 树木是山水画中的点睛之笔，它们不仅为画面增添色彩与层次，更象征着生命的顽强与四季的轮回。《跟徐湛学国画-(二)》将引导读者掌握不同树种的画法，例如松树的苍劲、柳树的婀娜、杂树的繁茂等。从树干的勾勒、树枝的穿插，到树叶的点染，每一个环节都会进行细致的讲解。本书会介绍“点叶法”的多种变化，如何运用单点、双点、圆点、蟹爪点等不同笔触，结合墨色与色彩，来表现树叶的疏密、形态与质感。同时，也会强调在描绘树木时，要注意其与山体的关系，以及整体的构图与透视，从而使得树木的出现自然和谐，充满生机。书中还会涉及对不同季节树木形态的描绘，例如春日的嫩绿、夏日的葱郁、秋日的金黄、冬日的枯枝，让读者能够捕捉季节的变迁。 （五） 渺小生灵，点景传神： 尽管山水画的主角是壮丽的山河，但适当的人物、建筑、小桥、舟船等点景，却能极大地丰富画面的内涵，增强其故事性与人文气息。《跟徐湛学国画-(二)》将教授读者如何恰当地配置点景，以及点景在画面中所起到的作用。例如，渺小的人物能够反衬出山水的雄伟，行走的人物可以引导观者的视线，依山而建的茅屋能够增添画面的诗意与宁静。书中会讲解点景人物的造型要领，以及如何用简洁的笔墨表现其神态与动态。同时，也会介绍如何根据画面的风格与意境，来选择与搭配不同类型的点景，使其成为画面的有机组成部分，而非孤立的点缀。 二、 意境营造，哲学思辨——徐湛山水画的东方美学 《跟徐湛学国画-(二)》不仅仅是一本技法指导书，它更是一次深刻的东方美学体验。徐湛先生深谙“画外之意”的重要性，他将中国传统哲学思想与绘画创作巧妙地融合，引导读者在学习笔墨的同时，理解“天人合一”、“道法自然”等理念在山水画中的体现。 （一） “气”与“韵”的追求： 中国山水画的核心在于“气韵生动”。本书将深入剖析“气”与“韵”的内涵，以及它们如何在画面中得以体现。徐湛先生会结合自身的创作实践，讲解如何通过对墨色浓淡、笔墨力度、构图布局以及留白的处理，来营造出画面充沛的“气”，以及传达出画面的“韵”。读者将学习如何运用“积墨”和“破墨”等技法，来丰富墨色的层次感，从而增强画面的“气”。同时，通过对山石树木形态的提炼与夸张，以及对空间关系的巧妙处理，来传递出画面的“韵”。本书强调，“气”与“韵”并非凭空而来，而是建立在深厚的笔墨功底之上，以及对自然万物敏锐的观察与感悟。 （二） 留白之美，虚实相生： “虚实相生”是中国传统艺术的重要美学原则。在山水画中，留白（即未着墨之处）并非是“空白”，而是具有无限想象空间的“虚”。《跟徐湛学国画-(二)》将重点探讨留白的作用与表现方法。徐湛先生会阐述如何通过巧妙的留白，来表现天空的广阔、云雾的飘渺、水面的宁静，以及营造出画面的透气感与深远感。本书会引导读者理解，留白不仅是构图的需要，更是引导观者进入画境，参与到意境的创造之中。通过对不同留白方式的讲解，如“湿留白”、“枯留白”、“色留白”等，读者将学会如何让画面在“有”与“无”之间达到完美的平衡。 （三） 诗情画意，寄情山水： 中国山水画历来与诗歌紧密相连，许多名家都能将诗情融入画境。《跟徐湛学国画-(二)》鼓励读者将个人情感与审美体验注入画作之中。徐湛先生会分享如何从古诗词、散文以及自己的生活感悟中汲取灵感，并通过笔墨来表达。本书会引导读者理解，山水画并非只是对客观景物的描摹，更是画家内心世界的抒发。通过对笔墨的驾驭，可以表现出“高山仰止”的敬畏，“行到水穷处，坐看云起时”的超然，“孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”的孤寂。书中会提供一些引导性的练习，例如根据一首古诗来创作一幅山水画，或者描绘一种特定情绪下的山水景象，从而培养读者的诗意创作能力。 （四） 传统技法与当代语境的对话： 在传承传统的基础上，《跟徐湛学国画-(二)》也鼓励读者在掌握了传统技法后，进行创新与发展。徐湛先生会结合自己对当代社会与文化的理解，分享如何在继承优秀传统的同时，融入新的视角与表现手法。本书会引导读者思考，如何将现代的审美观念与情感表达，通过中国画的语言来呈现。例如，可以尝试运用更具现代感的构图，或者通过墨色的创新运用，来表现现代都市中的山水意境。然而，一切创新都建立在对传统的深刻理解与尊重之上，本书会强调，在突破与探索中，绝不能丢失中国山水画的东方神韵与人文精神。 三、 学习路径，实践指导——循序渐进的国画之旅 《跟徐湛学国画-(二)》的编写，始终贯穿着“教学相长”的理念，力求为读者提供一个清晰、可行、且富有激励性的学习路径。 （一） 基础功的巩固与提升： 本书首先会系统回顾并深化前作中涉及的基础笔墨训练，例如线条的训练、墨色的晕染、基本皴法的练习等。在此基础上，会进一步拓展对各种笔法、墨法的精细化训练，例如如何运用“侧锋”、“逆锋”来表现岩石的坚硬，如何运用“弹点”、“积点”来表现树叶的繁茂。书中会提供大量不同难度的练习范例，并针对性的指出练习的重点与易错点，帮助读者夯实笔墨基础。 （二） 范画的临摹与解析： 临摹是学习传统绘画的重要途径。《跟徐湛学国画-(二)》精选了多幅具有代表性的古代山水画名作，并进行详细的解析。徐湛先生将逐一剖析这些范画的构图、笔墨运用、意境营造以及作者的创作思路。通过对这些经典作品的临摹与学习，读者能够直接感受大师的笔墨魅力，领悟其精妙之处，并将其融会贯通到自己的创作中。书中会提供不同程度的临摹指导，从“读画”到“仿笔”再到“意临”，帮助读者循序渐进。 （三） 创作实践的引导： 在打下坚实的基础并掌握了基本的临摹技巧后，本书将重点引导读者进行独立创作。徐湛先生会分享一套科学的创作流程，包括如何构思题材、如何起稿、如何经营位置、如何落墨、如何渲染以及如何题款印章等。书中会提供一系列的创作主题，例如“秋江独钓”、“山居图”、“烟雨江南”等，并提供相应的创作提示与构图建议，鼓励读者将所学技法融会贯通，创作出属于自己的山水画作品。 （四） 评点与反思： 学习绘画离不开“评点”。《跟徐湛学国画-(二)》中会包含一些“评画”的章节，模拟了徐湛先生在课堂上对学生作品进行点评的过程。通过对一些典型创作问题的分析，例如构图失衡、笔墨单调、意境不明等，来帮助读者认识到自身可能存在的问题，并找到改进的方向。本书还鼓励读者进行自我反思，定期回顾自己的学习过程与创作实践，总结经验，不断进步。 《跟徐湛学国画-(二)》是一本凝聚了徐湛先生毕生心血的国画学习宝典。它不仅为读者提供了系统、详实、专业的山水画技法指导，更重要的是，它将带领读者走进中国传统水墨艺术的殿堂，感受东方美学的独特魅力，激发内心深处的艺术潜能。无论您是初学者还是有一定基础的爱好者，本书都将成为您在国画道路上不可多得的良师益友。让我们跟随徐湛先生的脚步，共同探索水墨山川的无穷奥秘，感受笔墨丹青的无限风采。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在笔法和线条表现力上的侧重点。国画的魅力，很大一部分就体现在那挥洒自如的笔墨之间，寥寥几笔，便能勾勒出万物的神韵。这本书在这方面给了我很大的启发。它没有仅仅满足于教你画出形似，而是更注重引导读者去体会笔锋的转折、墨色的浓淡变化所能带来的丰富表现力。我反复研读了关于“写意”的讲解，虽然“写意”二字听起来有些飘渺，但作者通过对不同线条质感的分析，以及如何在画面中营造空间感和韵律感，让我对“写意”有了更具象的理解。我过去画画，总觉得画面显得死板，没有生命力，读了这本书之后，我才意识到，这是因为我对线条的运用还不够深入。书中对于不同工具（比如毛笔的弹性、墨汁的浓度）如何影响线条的最终效果，都有细致的描写。这让我意识到，原来一根线条，可以蕴含如此多的信息和情感。我迫不及待地想拿起我的笔，去尝试书中讲解的各种笔法，去感受线条在纸上跳跃的生命力。这本书不仅仅是在教我绘画技巧，更是在引导我去感受中国传统文化的精髓，去体会“以形写神”的艺术真谛。

评分☆☆☆☆☆

我对书中关于色彩运用的讲解，觉得非常到位。虽然国画以水墨为主，但很多时候也会运用色彩来增添画面的丰富度和表现力。这本书对于色彩的运用，并没有简单地停留在“什么颜色搭配什么颜色”的层面，而是更深入地去探讨色彩在国画中的作用，比如如何通过色彩来烘托气氛，如何运用色彩来表现物体的质感，甚至是如何通过色彩的冷暖变化来表达情感。我尤其喜欢书中对于“设色”的讲解，它不是教你死记硬背色彩表，而是引导你去观察自然界中色彩的微妙变化，并且学习如何将这种变化运用到绘画中。书中还列举了许多精彩的色彩运用范例，让我能够直观地感受到色彩在国画中的魅力。我以前总觉得国画的色彩很难把握，但读了这本书之后，我才明白，其实色彩的运用是有规律可循的。它教会了我如何去“读懂”色彩，如何让色彩为画面服务，而不是让画面被色彩所淹没。这让我对色彩在国画中的运用有了全新的认识，也让我更加期待去尝试运用色彩，为我的画作增添更多的生命力。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本《跟徐湛学国画-(二)》，我首先被它那种深入浅出的讲解方式所吸引。很多时候，学习一门技艺，最让人头疼的就是理论的枯燥和实践的无从下手。但这本书在这方面做得非常出色，它没有直接堆砌那些晦涩难懂的术语，而是通过一个个生动形象的比喻，将复杂的绘画原理讲解得如同发生在身边的事情一样。我尤其印象深刻的是关于笔墨运用那一章节，作者用非常接地气的方式，将“墨分五色”这个看似抽象的概念，拆解成不同的水分和墨色浓淡的组合，并且还配有大量的示范图，让我一眼就能明白其中的奥妙。不仅仅是理论，书中在实践指导方面也是下足了功夫。对于每一个笔触、每一个造型，都给出了详细的讲解和分解步骤，让我这个国画初学者也能照着一步步来，不至于感到茫然。我曾尝试过一些其他的绘画教程，但很多都过于简略，看完之后还是不知道该怎么落笔。而这本书，真的就像一个循循善诱的老师，把我手把手地带着走，让我能够一点点地建立起信心，克服对国画的畏难情绪。这种细致入微的教学态度，让我觉得非常安心，也让我对这本书的教学质量有了更高的评价。

评分☆☆☆☆☆

书中对于不同题材的绘画指导，给足了我探索的动力。无论是山水、花鸟还是人物，作者都分别进行了细致的讲解，并且针对不同题材的特点，提供了相应的创作思路和技巧。我一直对山水画情有独钟，但总觉得山水的复杂性和意境的营造很难把握。这本书对于山水的讲解，从皴法的运用，到山石的结构，再到水流的动态，都进行了非常系统和深入的分析。作者还会引导我去观察真实的自然景物，并且学习如何将这些景物转化为富有艺术表现力的山水画。同样，对于花鸟画，我也学到了许多关于勾勒花瓣的细腻笔触，以及如何用墨色来表现鸟儿羽毛的质感。甚至对于人物画，作者也给出了一些非常实用的入门技巧，让我能够初步掌握人物的动态和神态的描绘。这种对不同题材的全面覆盖，让我在学习过程中不会感到单调，也让我能够根据自己的兴趣，去探索不同的绘画领域。这本书就像一个万花筒，为我呈现了国画艺术的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

这本书在临摹和写生部分的指导，对我来说是极其宝贵的。很多国画教程都会强调临摹的重要性，但很少有教程能够真正教会读者“如何临摹”。这本书在这方面做得非常出色，它不仅提供了高质量的范例，更重要的是，它教会了我临摹的“方法”。作者会详细地讲解如何去分析范例中的笔法、墨法、构图，以及作者是如何将这些元素融会贯通的。这让我明白了，临摹不仅仅是简单的复制，而是要去理解原作的精髓，并将其内化为自己的东西。至于写生部分，作者更是强调了“观察”的重要性。他会引导我去细致地观察物体的形态、质感、光影，并且学习如何将这些观察到的信息，通过笔墨转化为画面。书中还提供了一些非常实用的写生技巧，比如如何快速捕捉物体的神态，如何用简练的笔墨来表现复杂的结构等等。这些都让我感到非常受用。读完这部分内容，我感觉自己不再是盲目地练习，而是有了明确的学习方向和方法，这让我对自己的绘画进步充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体风格，给我一种宁静致远的艺术享受。在快节奏的现代生活中，能够静下心来，翻阅一本关于传统艺术的书籍，本身就是一种难得的体验。书中的语言朴实而充满诗意，没有华丽的辞藻，但字里行间却透露着作者对艺术的热爱和对生活的热情。我常常在阅读的过程中，感到一种内心的平静和愉悦，仿佛置身于一个远离尘嚣的艺术殿堂。书中的插图精美绝伦，不仅仅是教学范例，更是一种视觉的盛宴，让我能够欣赏到中国传统绘画的独特魅力。我喜欢在阅读累了的时候，就那样静静地看着那些画作，去体会画中的意境，去感受作者的情感。这种沉浸式的阅读体验，让我觉得这本书不仅仅是一本教程，它更像是一份艺术的礼物，带给我心灵的慰藉和精神的滋养。它让我重新认识了“慢生活”的意义，也让我更加珍惜当下，去感受生活中的美好。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于构图的讲解，让我受益匪浅。以前我总觉得构图是一件很玄乎的事情，好像只有天赋异禀的人才能掌握。但这本书打破了我的认知，它把复杂的构图原理，通过一些简单的规则和法则，讲解得非常清晰易懂。我特别喜欢书中关于“留白”的运用那一章节，它不是简单地告诉你哪里要留白，而是深入剖析了留白在画面中所起到的作用，比如如何引导观者的视线，如何营造意境，甚至是如何表达画面的情绪。书中列举了许多不同风格的构图范例，并且对每一个范例都进行了细致的分析，让我能够清楚地看到，好的构图是如何让一幅画“活”起来的。我也学习到了很多关于画面元素的安排，比如如何将主体物放置在何处，如何通过配景来衬托主体，如何利用线条和块面来平衡画面等等。这些看似基础的知识，却是构建一幅优秀国画作品的关键。读完这部分内容，我感觉自己的绘画思路一下子开阔了许多，不再是凭感觉乱画，而是有了一套清晰的构图逻辑。这让我对未来的绘画创作充满了信心，也让我明白了，构图不仅仅是技巧，更是一种审美能力的体现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引我了，那种淡淡的水墨晕染，以及留白的处理，都透着一股古朴而又典雅的韵味，让人一看就觉得这绝对不是一本寻常的绘画教程。我之前一直对国画有朦胧的向往，但总觉得它遥不可及，门槛太高，不知道从何下手。偶然间看到了这本书的封面，心里便涌起一股强烈的冲动，想要去一探究竟。拿到书的时候，我小心翼翼地翻开，生怕辜负了它这份精致。里面的排版和字体也都很考究，不是那种流水线生产的教材，而是充满了匠心。我特别喜欢它所传递的那种“学而不厌”的学习氛围，仿佛徐湛老师就坐在我旁边，循循善诱地引导着我，让我觉得学习国画不再是枯燥的模仿，而是一种充满乐趣的探索过程。从封面到内页的每一个细节，都让我感受到了出版方和作者的用心，这让我对书中即将呈现的内容充满了期待，也更加坚信，这会是一次非常有价值的学习体验。我甚至开始想象，在未来的某一天，我也能用手中的画笔，描绘出属于自己的那份水墨意境，那该是多么美妙的事情啊！这本书不仅仅是一本绘画教程，它更像是一扇门，为我打开了通往国画艺术世界的大门，让我看到了希望和可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于中国传统绘画理论的介绍，让我对国画的文化内涵有了更深的理解。我一直觉得，国画不仅仅是绘画技法，它更是承载着深厚的文化底蕴。这本书并没有将理论知识变成枯燥的学术讲解，而是以一种非常生动有趣的方式，将这些理论融入到绘画的实践中。我尤其喜欢书中关于“气韵生动”和“骨法用笔”的解读，作者通过对古代名家画作的分析，让我能够直观地感受到这些理论在实际创作中的体现。他会告诉你，为什么一幅画能够“气韵生动”，是因为作者在笔墨之间融入了怎样的情感和生命力；又为什么“骨法用笔”能够让画面具有力量感，是因为作者是如何运用笔法的变化来表现物体的结构和质感。这些解读让我不再觉得理论是遥不可及的，而是变得鲜活起来，并且与绘画实践紧密相连。读完这部分内容，我感觉自己对国画的理解不再停留在表面，而是能够更深入地去体会它背后所蕴含的文化和哲学。这让我对国画艺术有了更深的敬意，也让我更加渴望去传承和发扬这份宝贵的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书并没有仅仅停留在技法的传授，而是更侧重于培养读者的艺术审美和创作思维。作者在讲解每一个绘画技巧的同时，都会引导我去思考“为什么”要这样画，以及“如何”将技巧转化为自己独特的语言。他会鼓励我去观察生活，去发现美，去用自己的眼睛去感受世界，然后将这些感受通过笔墨表达出来。这种“授人以渔”的教学方式，让我觉得受益终生。我不再是那个只会模仿的“学生”，而是开始尝试着去思考，去创新，去形成自己的绘画风格。书中还提供了一些关于如何激发创作灵感的建议，比如如何从古诗词中汲取养分，如何从自然万物中寻找灵感等等。这些都让我觉得，学习国画不仅仅是为了掌握一项技能，更是一个不断探索、不断成长的过程。这本书让我看到了国画的无限可能，也让我对自己的艺术之路充满了信心和期待。