Drawings for Paintings為畫作打稿：在倫勃朗時代 繪畫作品 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

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店鋪： 善本圖書專營店

齣版社： Skira Editore

ISBN：9788857231525

商品編碼：11340221187

開本：24.6 x 3.3 x 30.7 cm

齣版時間：2017-01-24

頁數：332

正文語種：英文

齣版社: Skira (2017年1月24日)

精裝: 332頁

語種： 英語

ISBN: 8857231526

條形碼: 9788857231525

商品尺寸: 24.6 x 3.3 x 30.7 cm

商品重量: 567 g

The catalog for the international loan exhibition: Drawings for Paintings in the Age of Rembrandt captures the different ways in which artists used preliminary or construction drawings when composing and refining their paintings. Seventeenth-century Dutch artists made many types of preliminary drawings, including broad compositional sketches, drawings of the landscape in their sketchbooks, counterproofs, construction drawings, and individual figural studies. Artists also indicated compositional ideas on their canvases and panels using underdrawings that are revealed through infrared reflectography. This volume features a wide variety of subject types and artists, among others Hendrick Avercamp, Gerrit Berckheyde, Aelbert Cuyp, Jan van Goyen, Adriaen van Ostade, Jacob van Ruisdael, Pieter Saenredam, and Rembrandt van Rijn. This fully illustrated exhibition catalog includes three scholarly essays as well as entries on all the artists included in the show, written by these and other experts.

Arthur K. Wheelock, Jr., is the curator of the Northern European Art Collection at the National Gallery of Art, in Washington, D.C.

Ger Luijten has been head of the Rijksprentenkabinet of the Rijksmuseum in Amsterdam and now is director of the Fondation Custodia in Paris.

構圖的奧秘：中世紀哥特式壁畫的技法與傳統 本書探討的焦點是中世紀晚期至文藝復興早期，尤其集中於13世紀至15世紀間，歐洲天主教會贊助下的大型壁畫創作過程。我們將深入解析這些宏偉敘事得以實現的幕後技術和藝術哲學，這與後世油畫和素描的實踐有著本質的區彆。 第一章：壁畫的物質基礎——從石材到顔料 壁畫（Fresco）的藝術形式，其核心在於其對建築材料的依賴性。本書首先將詳細審視中世紀石匠與畫師之間的緊密閤作關係。與倫勃朗時代畫傢在木闆或畫布上打底不同，中世紀的壁畫是建築結構不可分割的一部分。 1.1 牆體的準備與“Arriccio”層： 我們將分析中世紀石匠如何處理用於繪製的牆麵。這包括對粗糙底層（Rubble core）的穩固性要求，以及對基礎灰泥層——“Arriccio”的精確施工。這層灰泥通常由粗砂、石灰和水混閤而成，它的粗糙紋理對於後續的顔料附著至關重要。本書將通過對意大利和法國數個現存中世紀教堂遺址的材料分析，揭示不同地區建築材料對壁畫耐久性的影響。 1.2 “Sinopia”——紅赭石的草稿語言： 在著名的“Buon Fresco”（濕壁畫）技法中，顔料直接融入潮濕的石灰層中。因此，正式上色的前奏——“Sinopia”草稿——顯得異常關鍵。本書將詳細考察這種直接在Arriccio層上繪製的赭石草圖的特徵。Sinopia草稿通常綫條粗獷、結構明確，旨在確定最終構圖的比例和人物布局。我們不僅分析現存的Sinopia殘跡，還探討畫傢如何利用木炭擦印（Pouncing）或劃綫（Incision）技術將初稿轉移到最終的“Intonaco”（罩麵灰泥）上。 1.3 顔料的來源與準備： 中世紀的色彩世界是基於礦物和植物的。本書將詳述畫傢獲取、研磨和混閤顔料的過程。例如，群青（Ultramarine）的稀有性及其在聖母形象上的戰略性使用，與更易得的土黃色、赭石和綠土（Terre Verte）的日常應用形成鮮明對比。我們還將探討“Secco”（乾壁畫）的局限性，即那些不耐濕度的顔料（如某些藍色或黑色）如何在最後一層乾燥的灰泥上進行補充，以及它們在曆史中遭受的褪色問題。 第二章：中世紀構圖的敘事邏輯與象徵意義 與注重光影體積和瞬間動態的後世繪畫不同，中世紀的壁畫構圖承載著強烈的教義功能和象徵意義。它們是“無知者的聖經”，要求清晰、直接且具有極強的可讀性。 2.1 節奏與重復：序列化的敘事： 在中世紀的大型壁畫群中，如阿西西聖方濟各教堂的壁龕群，構圖的成功往往不在於單一畫麵的完美，而在於序列之間的流暢銜接。本書將分析畫傢如何利用重復的姿勢、色彩主題或建築元素來引導觀者的視綫，從而講述一個跨越多個場景的連續故事。這種節奏感是一種高度程式化的視覺語言。 2.2 空間與透視的轉換： 這一時期對物理空間的理解尚未完全被古典透視法所主導。本書將對比早期拜占庭風格的“反嚮透視”與喬托等人開始探索的“直覺式透視”。中世紀的畫傢更關注象徵性空間——即“神聖空間”的錶達，而非精確的幾何學還原。人物的大小往往由其重要性決定（等級透視），而非其在畫麵中的實際遠近。 2.3 邊框、裝飾與“框架的內在化”： 中世紀壁畫的邊緣處理極具特色。畫傢經常使用精細的、模仿建築雕塑或織物的邊框來劃分畫麵。本書將探討這些邊框（如以葡萄藤、幾何圖案或假拱門形式齣現）如何不僅是裝飾，更是將畫麵的“故事”與觀看者所在的真實教堂空間建立聯係的媒介。 第三章：從草稿到完成——工作流程的組織 在沒有現代材料和預先繪製詳細素描的情況下，中世紀畫師的工作流程是高度依賴集體協作和精確規劃的。 3.1 分塊與“Giornata”的哲學： 濕壁畫的限製要求畫傢必須在一天之內完成一部分工作，即“Giornata”（一天的工作量），因為隻有在石灰未乾時繪製的顔料纔能永久固著。本書將分析中世紀藝術傢如何精確計算每日的工作量。這要求對光照條件、顔料混閤速度以及他們自身體力的精確掌握。我們將通過對筆觸痕跡的分析，重建畫傢在一天內完成的精確邊界。 3.2 細節的深化與“Cartone”的缺失： 與達芬奇或米開朗基羅時代需要精細的完整炭稿（Cartone）不同，中世紀的壁畫草稿往往較為簡略，主要集中在主要輪廓上。本書將闡明，復雜的細節（如織物的褶皺、麵部的錶情）往往是在“Intonaco”層上直接用顔料邊畫邊完成的。這要求畫師具備極高的現場構圖能力和對形式的瞬間把握。 3.3 修復與修改的限製： 在濕壁畫中，一旦石灰開始乾燥，錯誤就很難糾正。本書將考察中世紀畫傢如何處理錯誤——通常是通過颳除已乾的灰泥（Scrapping off）並重新塗抹新的“Intonaco”。我們對比瞭不同世紀中，畫傢對這種“返工”的容忍度和處理方式，揭示瞭技藝成熟度對創作效率的影響。 結論： 本書旨在將“Drawings for Paintings”的語境，從後世對個人技巧的聚焦，轉移到中世紀藝術對建築、宗教儀式和集體技藝的深刻融閤之中。這些宏偉的壁畫，其“打稿”過程是與建築本身、與石灰的化學反應，以及與神學教義同步進行的復雜工程。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計和圖片選擇堪稱一流，但最讓我震撼的是它對“時間性”的捕捉。它似乎能讓你感覺到紙張的縴維在呼吸，能聞到墨水在空氣中乾燥的氣息。它沒有過多使用當代藝術理論的術語進行過度闡釋，而是讓那些密集的綫條和塗改痕跡自己說話。閱讀過程中，我常常需要對照書後的附錄圖版，反復比對同一個主題在不同草稿之間的細微變化。這些變化，輕則影響瞭焦點，重則完全顛覆瞭畫麵的敘事邏輯。它展現的是一種非常“人性化”的創作過程——充滿瞭猶豫、修改、推翻和最終的頓悟。對於想要瞭解頂尖大師如何將抽象的想法具象化的藝術愛好者來說，這本書提供瞭一種前所未有的、極其真實的“幕後視角”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的視角轉換得非常巧妙，它成功地將焦點從完成度極高的布麵油畫，拉迴到那些轉瞬即逝、稍縱即逝的紙上塗鴉。這讓我重新審視瞭“素描”或“草圖”在整個藝術流程中的核心地位。過去我可能隻關注瞭倫勃朗如何處理光影的層次感，但這本書讓我明白瞭，如果沒有那些早期的結構性嘗試，沒有對透視和構圖的反復拉扯，最終的光影效果根本無從談起。它展示瞭藝術傢如何在這些“不完美”的早期階段，就確定瞭畫麵的情緒基調和敘事重心。閱讀體驗上，它要求讀者具備一定的耐心，因為它需要你放慢速度，去揣摩綫條的重量和方嚮，去感受鉛筆或炭條在紙麵上摩擦的痕跡——這是一種沉浸式的、近乎冥想的閱讀體驗。

評分☆☆☆☆☆

啊，這本書簡直就是一扇通往十七世紀荷蘭黃金時代藝術殿堂的鑰匙！我花瞭整整一個下午沉浸其中，那種感覺就像是親眼目睹倫勃朗大師在畫室裏揮灑汗水。它並非僅僅是展示成品，而是深入到瞭創作的“肌理”之中。我尤其欣賞作者對於“草圖”這一環節的細緻入微的剖析。過去，我們看倫勃朗的畫作，總會贊嘆其光影的魔力、人物內心的復雜性，但這本書卻像一個耐心的嚮導，一步步揭示瞭這些偉大構思是如何從最初的漫不經心的一筆，逐漸錘煉成不朽的傑作。它探討瞭早期構思階段的多種可能性——比如，某個角度的微小調整如何徹底改變瞭最終畫麵的敘事張力，或者不同材質的綫條如何預示瞭最終油彩所能達到的質感。這對於任何一位對繪畫技法有深入探究欲望的人來說，都是一場視覺的盛宴，遠超齣瞭單純的藝術史解讀，更像是一次對天纔思維方式的偷窺。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，最初我以為這隻是一本介紹倫勃朗早期“練習冊”的圖錄，但讀完後纔發現它的思想深度遠超我的預期。它探討的不僅僅是“如何畫”，更是“為何如此構思”。書中似乎隱含瞭一個論點：在倫勃朗的時代，草圖本身就是一種獨立的思考語言，它比後期的油畫更能直接地反映藝術傢內心深處對於人性、道德和場景氣氛的即時感受。作者通過對大量手稿的解讀，成功地復原瞭藝術傢在麵對委托或自身創作衝動時，心路曆程的軌跡。這種對“過程哲學”的探討，極大地豐富瞭我對巴洛剋藝術的理解，它讓我明白，欣賞藝術，有時候需要我們退後一步，去觀察那些被時間打磨掉的“中間狀態”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事節奏非常獨特，它沒有采用那種乾燥、學院派的編年史寫法，反而充滿瞭探尋的激情。讀著它，我仿佛置身於一個充滿鬆節油和亞麻籽油氣味的畫室，空氣中彌漫著創作前的焦慮與興奮。作者的筆觸非常富有畫麵感，尤其是在描述不同階段草稿之間的演變時，簡直是精彩絕倫。比如，書中對比瞭幾幅不同的《浪子迴頭》的早期設想稿，每一個版本中人物的站位、光綫的來源都大相徑庭。通過這些對比，你纔能真正理解，藝術創作並非一蹴而就的靈感爆發，而是一係列審慎、甚至痛苦的決策過程。這種對“未成品”的關注，反而讓那些我們耳熟能詳的最終作品煥發齣瞭新的生命力，它們不再是高高在上的偶像，而是無數次推敲後的最優解。