对画II—素描静物 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李家友 编

图书标签:

• 素描
• 静物
• 绘画
• 艺术
• 教学
• 技法
• 基础
• 临摹
• 写实
• 入门

出版社： 重庆出版社 ， 重庆出版集团

ISBN：9787229123536

版次：1

商品编码：12232559

包装：平装

开本：8开

出版时间：2017-07-01

用纸：雅致纸

页数：80

编辑推荐

“对画II”系列是我社2017重点打造的一套高考类绘画技法书。该套书针对应试编撰，大量采用作品对应照片的形式，让您的自学更加有效果。

内容简介

书稿是一本素描静物的技法辅导书。书稿收录的素描静物作品，其特征表现在注重结构的表现和色调、黑白灰关系的安排、组织。稿件对不同种类的单个静物进行了分类讲解，如水果的体积、蔬菜的纹理、器皿的质感等，每个静物都安排有步骤示范、“经纬线”结构图和明暗素描，并配有实物照片，非常适合考生读者对比临摹使用。

作者简介

李家友，毕业于四川美术学院美教系，现任亿卷文化传媒有限公司董事长，多年从事美术高考图书的市场发行和策划工作，对该类图书有敏锐的判断力。

内页插图

沧海拾遗：现代水墨的探索与演进 图书名称：沧海拾遗：现代水墨的探索与演进 作者： [虚构作者名，例如：林山远] 出版社： [虚构出版社名，例如：东方翰墨出版社] 装帧： 精装，全彩印刷，配有手绘扉页及作者手稿影印件 页数： 480页 定价： 288.00 元 --- 内容简介 《沧海拾遗：现代水墨的探索与演进》并非一部描摹具象形体的写生指南，而是一部深入剖析近百年中国水墨艺术如何挣脱传统藩篱，奔赴现代性与国际视野的理论性与实践性的综合论述。本书旨在梳理和评价那些在时代浪潮中，勇于进行材质、笔墨、结构乃至哲学层面革新的水墨大家及其作品，揭示“水墨”这一古老媒介在当代语境下的无限可能性。 本书共分为五大部分，层层递进，构建了一个完整的现代水墨发展图景。 第一部分：古韵新声的起点——二十世纪上半叶的变革先声 (约 100 页) 本部分聚焦于中国社会剧烈转型时期，水墨画坛所经历的最初震荡与回应。我们详细考察了以徐悲鸿、齐白石等为代表的早期探索者，他们如何在“写实主义”与“民族性”之间寻找平衡点。重点分析了对西方解剖学、透视法引入对传统笔墨程式的冲击，以及如何将民间艺术的生命力融入学院派的规范之中。 特别辟出一章，专门探讨“文人画的现代困境”，论述了在国家意识形态重塑的背景下，传统士大夫精神如何被重新诠释，以及部分画家如何通过强化笔墨的“表现性”来对抗僵化的审美标准。此处收录了大量珍贵的早期展览图录资料和私信往来，揭示了艺术观念转变的内在驱动力。 第二部分：时代的裂变与重构——五十年代至七十年代的“变革”与“坚守” (约 90 页) 这一阶段的水墨艺术深受政治环境的影响，艺术的社会功能被置于前所未有的高度。本书不回避这一历史时期的复杂性，深入研究了“现实主义题材”如何被水墨媒介所接纳与改造。我们重点分析了如何利用水墨的晕染和写意特质，去描绘宏大的历史叙事和劳动人民的群像。 核心章节“笔墨的政治经济学”探讨了在特定语境下，水墨的“写意”与“写实”如何被重新定义。此部分大量引用了当时的创作手记，对比了不同地域、不同流派在应对主流意识形态时的创作策略差异，展示了艺术家的隐忍与变通。 第三部分：激情与哲思的回归——八十年代的“美术思潮”与“水墨实验” (约 120 页) “八五新潮”为水墨画注入了空前的活力与批判精神。本部分是全书的重点之一，详尽梳理了“新文人画”与“现代水墨”两大思潮的分野与交融。我们探讨了如何将西方现代艺术的观念，如波普艺术的符号学、抽象表现主义的行动性，融入到宣纸与墨汁的传统关系中。 重点分析了如何通过“解构笔墨”来挑战传统权威，例如：大面积的留白、干笔的运用、水与墨的化学反应的放大处理，以及将水墨引入装置与观念艺术的边缘地带。本书收录了大量当时先锋艺术家的访谈录，捕捉了他们对传统文化的反思和对未来艺术形态的构想。 第四部分：材质的解放与边界的消融——当代水墨的多元景观 (约 110 页) 进入新世纪，水墨的探索进入了精微化和跨界化的阶段。《沧海拾遗》在此部分着眼于“水墨的物质性”和“视觉语言的拓展”。 材质的革命： 探讨了艺术家如何突破宣纸的局限，转而使用非传统载体，如金属板、亚麻布、乃至影像技术与水墨的结合。墨色的运用不再局限于黑白灰，而是通过矿物颜料、化工墨水的介入，拓展出极其丰富的色彩谱系。 空间与时间的重塑： 分析了水墨在三维空间中的可能性，如何利用层叠、渗透、蚀刻等手法，创造出超越平面图式的复杂空间感。 本部分侧重于展示水墨如何成为一种全球性的视觉语言，它不再被“民族身份”所束缚，而是成为探讨当代生存状态、环境问题、身份认同等宏大主题的有力工具。 第五部分：未来水墨的远眺——理论总结与方法论建构 (约 60 页) 最后一部分为全书的理论提炼与方法论展望。作者基于前述的案例分析，提出了一个关于“水墨本体论”的新框架，强调水墨的精髓在于其“流变性”与“不可控性”，而非固定的技法模式。 本部分总结了现代水墨发展过程中，可供后学借鉴的几种核心研究路径：如“笔墨的符号学分析”、“载体对媒介的影响研究”、“与西方抽象艺术的对话谱系”等。作者以审慎而乐观的态度，探讨了人工智能和数字技术对未来水墨创作可能带来的颠覆与机遇，展望了水墨艺术在下一阶段可能展现出的学术深度与公众接受度。 --- 核心特色 1. 史料的深度挖掘： 整合了大量首次公开的私人档案、画展目录及艺术评论，为研究提供了坚实的文献基础。 2. 批判性与包容性并存： 既不盲目推崇传统，也不为“现代”而“现代”，而是以严谨的学术态度，审视每一种变革背后的文化动因。 3. 跨媒介视野： 将水墨研究置于更广阔的当代艺术语境中进行考察，避免了传统艺术史的孤立性叙事。 4. 精美视觉呈现： 超过二百五十幅高清作品图版，特邀著名装帧设计师操刀，力求让读者在阅读理论的同时，也能获得极高的视觉享受。 《沧海拾遗》是艺术史学者、水墨创作者、艺术评论人以及所有对中国当代艺术发展抱有热忱的读者，案头不可或缺的案头巨著。它记录的不是对静物的描摹，而是对一个时代精神脉络的追踪与艺术语言的革命史诗。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对市面上那些琳琅满目的素描教材有些审美疲劳，总觉得内容大同小异，翻来覆去就是那几样的水果和几何体。然而，这本画册带来的观感却完全不同。它更像是一本充满灵性的“视觉笔记”，而不是冷冰冰的教科书。我发现作者似乎非常擅长捕捉“瞬间的美感”，那种光线稍纵即逝、物体关系微妙变化的瞬间。比如有一幅对老旧皮箱的描绘，不仅仅是把箱子的轮廓画出来了，更重要的是捕捉到了皮革上细微的磨损和时间留下的痕迹，那种厚重的历史感扑面而来。这让我意识到，素描绝不仅仅是“画得像”，它更深层的价值在于对观察对象的“理解”和“共情”。阅读这本书的过程，也是我重新审视身边日常事物的过程——原来那些被我视为理所当然的摆设，一旦被艺术家如此细致地凝视和记录，便焕发出了新的生命力。这对于提升我的审美层次，起到了潜移默化的作用。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年爱好者，我通常会关注那些技法讲解得特别细致的书籍，但这本书的妙处恰恰在于它留下了足够的“空白”和“想象空间”。它没有过度干涉读者的自主思考。比如，在表现不同材质的纹理时，作者提供的范例往往只给出了几个关键的步骤或侧重点，而不是事无巨细地描绘如何用三十种不同的笔触画出木纹。这种“授之以渔不如授之以渔之法”的风格，让我更愿意主动去尝试和探索，去找到“我”自己的表现语言。它激发了我内在的创造欲，而不是让我成为一个单纯的“复制机器”。每次看完一页，我都会合上书，拿起笔，对着桌上的水杯或书本，试着模仿那种意境和精神，而不是刻意去模仿那个特定的画面的每一个线条，这对于保持创作的热情非常重要。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来在处理物体间的空间关系上感到非常吃力，立体感总是不够强，画出来的东西像是漂浮在纸面上。这本画册在处理“组合静物”的部分给我打开了一扇新的大门。作者似乎有一套独特的处理多物体关系的方法论，她不是简单地把每个物体单独画好再拼凑起来，而是非常注重物体之间相互的遮挡、光线的相互影响以及环境的反光。有一组关于玻璃器皿和金属餐具的组合练习，处理得极其精妙。玻璃的透明感是通过对背景的精确干扰来体现的，而不是靠生硬的白色高光；而金属表面的反射，则是利用了周围环境的色彩碎片进行推演。这种“关系驱动”的绘画思路，对我来说是革命性的。我开始尝试放下对细节的过分执着，转而关注整体的形体联系和光影逻辑，收效显著，我的习作一下子感觉“扎根”到画面里了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种略带粗粝感的纸张，触感非常舒服，仿佛能透过指尖感受到艺术家在创作时的心绪。里面的排版也颇为讲究，大量留白的处理，使得每一幅作品都有了呼吸的空间，不会让人感到拥挤和压迫。我尤其欣赏它在图例选择上的独到眼光，既有经典的基础练习，比如对不同材质光影的捕捉，也有一些更具个人风格的场景速写，比如一堆日常杂物在午后阳光下的微妙变化。虽然我目前还在基础阶段摸索，但光是翻阅这些图片，就能从中汲取到不少关于构图和明暗关系的启发。作者在配文上没有过多冗长的大道理，而是用精炼的几笔点出关键的技术要点，比如如何用线条的疏密来表现物体的体积感，或者如何通过调整铅笔的硬度来控制灰阶的过渡，这些都非常务实，对我这个自学者来说，简直是雪中送炭。每次翻开它，都像进行了一次心灵上的“静修”，让人暂时从纷繁的俗务中抽离出来，专注于线条与形体的对话之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量，真不是盖的，每一页的图像清晰度都无可挑剔，色彩过渡极其平滑，即便是一些非常微妙的灰调变化，也能被精准地还原。我特意对比了其中几幅用炭笔完成的作品，那种炭粉特有的质感和颗粒感，在纸面上那种几乎要“跳”出来的立体感，被印刷技术完美地捕捉到了，这对于研究作者如何使用不同媒介的特性至关重要。我发现，好的印刷不仅仅是复制图像，更是对原作精神的二次传递。很多国内出版的画册在处理暗部细节时经常出现死黑一片的情况，但这本书的暗部细节保留得非常丰富，深邃却不失层次。总而言之，从物质载体的角度来看，这本书的制作水平已经达到了专业收藏级别的标准，绝对物超所值。