音乐基础理论教程 修订版 周复三主编 音乐艺术理论教材 山东大学出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 山东大学出版社

ISBN：9787560706467

商品编码：23401897695

 

商品名称：	音乐基础理论教程 修订本
作 者：
定 价：	32.00
重 量：	450克
ISBN   号：	9787560706467
出  版  社：	山东大学出版社
开 本：	16
页 数：	338
字 数：	430000
装 帧：	平装
出版时间/版次：	2005-2-2
印刷时间/印次：	2015-8-2

《音乐基础理论教程（修订版）》主要内容包括：音乐表现的各种基本因素——音高、节奏、节拍、音程、和弦、调、调式调性、转调、移调、就音体系、常用记号、装饰音、力度与速度、旋律、曲式以及五线谱记谱法等。理论阐述五线谱记谱法等。理论阐述与典型的音乐作品相结合，反映了该学科领域新学术观点与成果。
《音乐基础理论教程（修订版）》的主要特点是：1.力求反映该学科领域棍子新学术观点与成果。2.文字、语言洗练、简洁，概念准确、清晰。3.理论阐述与生动的、典型的音乐作品结合，进而达到感性与理性相结合，形象思维与逻辑思维相结合。4.每章附有较多的思考题与作业题，以培养、提高学生分析音乐、理解音乐的能力。
《音乐基础理论教程（修订版）》可作为高等师范院校音乐、各类中等师范学校、艺术学校、大学生音乐选修课教材和中小学音乐教师的教学参考书，也可供广大音乐爱好者学习参考。

 

代序
前言
章 音高
章 音
第二节 乐音体系 音例 音级 音名
第三节 音的分组 八度 音域 音区
第四节 音律
第五节 变音记号
第六节 自然半音 变化半音 自然全音 变化全音等音
复习题与作业题（一）

第二章 五线谱
节 五线谱 谱号 谱表
第二节 音符
第三节 休止符
第四节 延音线 延长号
复习题与作业题（二）

第三章 节奏 节拍
节 节奏 节奏型
第二节 节拍 拍子
第三节 音值组合法
第四节 节奏中的强弱关系 切分音
第五节 连音符
第六节 节奏、节拍在音乐表现中的意义
复习题与作业题（三）

第四章 音程
节 音程 旋律音程 和声音程
第二节 音程的度数和音数
第三节 基本音级构成的音程 音程的变化
第四节 自然音程 变化音程
第五节 单音程 复音程
第六节 音程转位
第七节 等音程
第八节 协和音程 不协和音程
第九节 构成与识别音程
第十节 音程的表现意义
复习题与作业题（四）

第五章 和弦
节 和弦
第二节 三和弦
……
第六章 调 大调式 小调式
第七章 五声性调式
第八章 调式中的音程与和弦
第九章 转调
第十章 移调
第十一章 调式变音 半音音阶 全音音阶
第十二章 常用记号
第十三章 装饰音
第十四章 音乐的速度与力度
第十五章 旋律曲式
附录
后记

好的，这是一本图书的详细简介，内容不包含您提到的《音乐基础理论教程 修订版 周复三主编 音乐艺术理论教材 山东大学出版社》中的任何具体知识点。 --- 《和声的轨迹：从巴洛克到浪漫主义的演变》 作者： [虚构作者名，例如：陈思远] 出版社： [虚构出版社名，例如：艺文精舍] 装帧： 精装 / 附赠乐谱分析图册 内容提要： 本书旨在为音乐学、作曲与指挥、音乐教育等领域的专业人士及深度爱好者提供一份详尽而富有洞察力的和声学史发展脉络梳理。它并非一本基础的、旨在教授“如何进行和声写作”的教科书，而是专注于剖析在特定历史时期内，和声语言是如何在理论构建、实践应用和社会文化背景的相互作用下，经历从稳定到变革的复杂过程。 全书共分为六个主要部分，层层递进，以时间为轴，深入探讨了西方音乐（重点聚焦于17世纪初至19世纪末）核心和声体系的形成、成熟、扩张与危机。 第一部分：巴洛克早期的“新观念”与和声的奠基 (约1600-1700) 本部分详细考察了歌剧诞生初期，对传统的复调结构发起的挑战。我们将探讨数字低音（Basso Continuo）在和声功能确立中的关键作用。重点分析了通奏低音演奏者如何理解和实现和声进行，以及这种实践如何从无意识的习惯发展为一种可被记录和分析的“规则”。 调式与调性的交接： 分析了晚期教会调式如何逐渐让位于大小调体系（Tonal System）的初步确立。我们不直接讲解如何写四部和声，而是探讨造成这种转变的哲学、美学和社会驱动力。 和弦功能的原型： 考察了主（Tonic）、属（Dominant）概念的初步清晰化，以及它们如何开始构建音乐的张力与解决结构。特别关注蒙特威尔第等早期作曲家在半音使用上的大胆探索，以及由此引发的“不和谐音”处理规范的初步形成。 第二部分：盛期巴洛克的规范化与精细化 (约1700-1750) 本章聚焦于巴赫、亨德尔等大师的作品，分析此时和声语言的系统化和成熟。这一时期的和声被视为一种严谨的、具有逻辑结构的“语法”。 和声连接的“法典”： 详细比较了此时期不同音乐中心（如意大利、德国、法国）在和弦连接、装饰音处理以及声部进行上的细微差异。讨论了关于平行五八度的禁令是如何在理论著作中被确立和强化的。 结构与和声的统一： 研究了赋格（Fugue）和奏鸣曲式（Sonata Form）的早期原型中，和声如何不仅是色彩，更是组织宏大音乐结构的基础骨架。重点剖析了和声序列（Sequences）在构建乐思延续性上的技巧。 第三部分：古典主义的清晰、平衡与“动态”和声 (约1750-1815) 古典主义时期的和声追求的是清晰的轮廓和优雅的比例。本部分探讨了海顿、莫扎特以及贝多芬早期作品中的和声特征。 主导功能的确立与强化： 深入分析了主、属、下属（Subdominant）这“三和弦家族”如何成为古典和声的绝对核心。探讨了和声驱动的乐段划分，以及如何通过模进（Modulation）来划分乐章的结构区域。 和声的戏剧性： 考察了贝多芬如何开始挑战古典的平衡感。分析他如何使用更长程的属和弦延迟、更频繁的副属和弦（Secondary Dominants）的使用，以及在大调与小调之间进行更具情感张力的切换，预示着浪漫主义的到来。 第四部分：浪漫主义的色彩扩张与情感渗透 (约1815-1860) 浪漫主义和声的变革是本书的核心焦点之一。作曲家不再将和声视为结构工具，而是主要的情感载体。 半音性和声的爆发： 重点分析了肖邦、舒曼以及李斯特的作品中，色彩和弦（如增三和弦、减七和弦）如何被频繁且系统地用作转调手段和情感渲染。 调性模糊化的尝试： 探讨了作曲家如何通过更复杂的和弦套叠（Chordal Overlay）和模糊的终止式（Ambiguous Cadences），削弱听者对调性中心的稳定预期。分析了这些手法如何服务于“无限旋律”和“渴望”的美学理念。 第五部分：晚期浪漫主义的极限探索 (约1860-1900) 本部分聚焦于瓦格纳、布鲁克纳以及晚期浪漫主义者的激进创新，他们将调性体系推向了崩溃的边缘。 “特里斯坦和弦”的分析与影响： 对瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》中的核心和弦进行细致的语境分析，探讨它如何在功能和声的框架内被“悬置”，以及它对后世作曲家的结构性影响。 和声的“非功能化”： 研究了如何使用远关系转调（Distant Modulation）和极度密集的半音进行，使得和声的解决不再是必然的，而是成为一种“选择”。这一阶段的和声分析侧重于其垂直密度而非水平逻辑。 第六部分：理论的反思与新视野的开启 本书的最后一部分进行总结，并展望了20世纪初的变革。我们反思了从17世纪到19世纪末期，音乐理论家们是如何试图理解和规范一个不断自我超越的艺术实践。 理论体系的局限性： 讨论了传统和声学教材在描述晚期浪漫主义作品时所遇到的困难，以及为什么需要引入新的分析工具（如和弦图示法、音高集合理论的早期雏形）。 历史语境中的和声美学： 总结了不同时代对“美”的和声的定义是如何随着社会对个体情感表达的日益重视而不断演变的。 本书特点： 本书的叙事风格严谨而不失文学性，大量引用了历史文献中的原始论述和作曲家本人的书信，力求还原当时音乐家对和声的真实理解。它不提供练习题，而是提供分析框架，帮助读者理解和声背后的“为什么”，而非仅仅“是什么”。附录中包含了对关键和声片段的详细图表分析，但这些分析是建立在历史背景之上的，而非纯粹的数学模型。 ---

评分☆☆☆☆☆

内容的选择和深度的把握，体现了编者扎实的学术功底和对教学实践的深刻理解。它似乎找到了一个绝佳的平衡点——既没有为了追求“高深”而堆砌晦涩难懂的术语，也没有因为追求“易懂”而流于表面。对于音乐理论中的一些关键难点，比如调式转换的原理或是和弦的内涵分析，教材都给出了既严谨又富有洞察力的阐释。读完某一章节后，会有一种豁然开朗的感觉，很多过去似懂非懂的疑惑都得到了圆满的解答。这种高质量的内容密度，使得每一页的学习价值都非常高，让人不得不放慢速度，仔细咀嚼每一个论述。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计着实让人眼前一亮，纸张的质感非常棒，翻页的手感也十分舒服，不像有些教材用那种廉价的纸张，读起来眼睛会比较容易疲劳。封面设计简约而不失稳重，色彩搭配得体，让人一看就知道这是一本严肃的学术著作。初次捧读时，就能感受到出版社在细节上的用心，这对于需要长时间与教材打交道的学习者来说，无疑是一种加分项。尤其是在长时间的阅读和翻阅过程中，教材的耐用性也表现出色，书脊的装订非常牢固，即使频繁地查找和做标记，也不会轻易散页或松动。这种对物理载体的重视，体现了出版方对知识传递的尊重，也让学习体验提升了一个层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书在语言风格上，采取了一种既学术又带有温度的叙述方式。它不像一些传统的理论书籍那样，通篇充斥着冷冰冰的公式和教条，而是融入了一些适度的引导和启发性的提问，仿佛有一位经验丰富的导师在身边亲自指导。作者在解释一些历史背景或理论发展脉络时，引用了一些生动的音乐案例作为佐证，这让枯燥的理论知识瞬间鲜活了起来，也更容易被记忆和内化。这种亲切又不失权威性的口吻，极大地增强了学习过程中的代入感和探索欲，让学习不再是一种负担，而更像是一场发现美的旅程。

评分☆☆☆☆☆

教材的整体编排逻辑清晰得令人赞叹，章节之间的过渡非常自然流畅，就像是循序渐进地引导学习者进入一个全新的知识体系。从最基础的概念入手，逐步深入到复杂的理论分析，每一步都设计得恰到好处，避免了初学者可能出现的“畏难情绪”。作者在处理一些抽象概念时，善用了图示和表格，这些辅助材料的绘制精准且直观，极大地降低了理解的门槛。我发现，即便是涉及多声部和声或复杂的调性分析时，通过教材提供的清晰脉络，也能很快把握住核心要义。这种结构化的叙事方式，使得知识点的学习不再是孤立的积累，而更像是一个完整的知识地图的构建过程。

评分☆☆☆☆☆

作为一本教程，它非常注重理论与实践的结合。在讲解完一个理论概念后，紧接着往往会附带大量的、具有代表性的练习题或分析范例。这些例题的设计非常巧妙，它们不仅检验了读者对基础概念的掌握程度，更重要的是，引导读者思考如何将理论工具应用于实际的音乐作品分析中。我特别欣赏它在不同难度层级上的递进设计，从简单的旋律分析到复杂的结构拆解，都能找到相应的练习模块。这种“学——练——思”的闭环设置，确保了知识的有效吸收，而非仅仅停留在书本的层面，对于真正想掌握和运用音乐理论的人来说，这是至关重要的一环。