正版现货 图解欧洲艺术史：14+15+16 全3册世纪文艺复兴 威尼斯 拉斐尔与解剖学 经 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 和谐万邦图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550257542

商品编码：25231782363

丛书名： 图解欧洲艺术史

出版时间：2016-05-01

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基本信息

商品名称：	联合天际 图解欧洲艺术史(14世纪)
作 者：	桑德拉·巴拉利  著
定 价：	88.00
重 量：
ISBN   号：	9787550257542
出  版  社：	北京联合出版公司
开 本：	16
页 数：	384
字 数：	230000
装 帧：
出版时间/版次：	2016-5-1
印刷时间/印次：	2016-5-1

编辑推荐

来自艺术王国意大利，细节中的欧洲艺术史，境外艺术之旅必读功课！ 400余张彩图+图解式文字详解，从此不用“假装看懂”艺术品。 ★收录400多件艺术珍品，全景式呈现14世纪的28个艺术主题、40位艺术巨匠、30座艺术明珠城市。 ★引进自意大利艺术出版社Electa的经典艺术史普及读物，历时数年、面向大众、广受赞誉，是一套百科全书式的欧洲艺术史，一座你手边的艺术博物馆！ ★艺术关键词+艺术家+艺术中心的编写体例，以图文结合的关键词+图片分解法，从宏观的时代背景，到细微的作品特色，巨细靡遗，一网打尽，零基础的艺术爱好者也可轻松阅读。 ★原版书32开升级为小16开，版面更疏朗美观，100克日照超感特种纸，国内印刷厂印刷制作；裸背锁线胶装，可180度无障碍平展阅读。 ★每件艺术品均注明名称、作者、现保存地，简体中文版贴心制作译名与原文对照表及索引，带着一本书即可展开欧洲艺术之旅！ ★封面打开有惊喜，双面印刷，封面反过来就是特制14世纪艺术史要点概览图，全套集齐对照观看，便是14-20世纪欧洲艺术史要点概览。

内容介绍

《图解欧洲艺术史：14世纪》是一套引进自意大利的，面向大众的艺术史普及套系书的一本。针对现代人碎片化的阅读习惯，以提炼词条、高度概括、拆分图片细节、高信息量的呈现方式，带你了解14世纪——这一在文艺复兴前夜的、承上启下的伟大时代的艺术史发展图景。 “关键词+城市+艺术家”的体例，“关键词”提炼出14世纪的28个重要艺术主题，建立读者对14世纪欧洲艺术的总体印象，如哥特式、骑士精神、托钵修会、瘟疫、礼拜堂、建筑工地、彩绘玻璃、细密画、艺术赞助等； “城市”部分介绍了14世纪以佛罗伦萨、锡耶纳、巴黎、维也纳为代表的艺术氛围浓厚、大师云集、艺术产业极为发达的代表性艺术中心，及其重要艺术作品和地标性建筑；艺术家则介绍了以乔托、杜乔、西莫内·马丁尼、彼得罗·洛伦泽蒂为代表的14世纪大师的生平，图解其代表性作品。 以新闻学中的“where”“what”“who”3W的概念，将零散的知识关联起来，建立联系，有全景也有细节，并以图像辅助文字加强理解和记忆。 读完这本书，你将会了解到以下内容： ★14世纪在欧洲爆发的大规模瘟疫，对艺术造成了怎样的影响？ ★到底什么是“哥特”？哥特式建筑通常都长什么样？“哥特”仅仅是建筑领域的概念吗？ ★14世纪的政府官员、土豪都住什么样的房子，穿什么样的衣服，死后住进什么样的墓？ ★为什么怀抱基督尸体，满面哀伤的“圣母怜子像”成为这一时期流行的艺术主题？ ★为什么特早一幅艺术品中署名的是作品的委托人，而不是艺术家？ ★乔托凭什么是14世纪的大神级艺术家？ ★什么才是14世纪推崇的骑士精神？标准的浪漫骑士爱情应该是怎样的？这些在艺术品中又是如何体现的？ ★特早的艺术沙龙的雏形居然是建筑工地？究竟什么样的厉害人物才能成为工地的智慧担当——“工程总管”（caputmagister）？

作者介绍

桑德拉·巴拉利（Sandra Baragli），佛罗伦萨大学哲学与文学系毕业，主攻中世纪美术史研究。在1996年获得由Cologni艺术大师基金会设立的毕业奖学金，其毕业论文的主题为中世纪的建筑和圣像画研究。曾在《中世纪》《艺术风格》等专业期刊发表论文若干。

目录

关键词 Keywords 城市 Places 艺术家 Leading Artists 附录 大事年表 艺术家译名与原文对照表及索引 作品译名与原文对照表及索引 保存地点译名与原文对照表及索引 图片来源

在线试读部分章节

新的建筑师们开始登场，在他们野蛮的国度里，他们创立了我们现在称之为日耳曼式的建筑风格。 ——乔尔乔.瓦萨里（Giorgio Vasari）：《意大利艺苑名人传》（Lives） 哥特式 ▍“哥特式（Gothic）”一词，用于描述出现在罗马式风格后的一种艺术风格，形容一种艺术现象。这一风格从1140年左右开始在法国出现， 12世纪中后期盛行于英国和西班牙，13世纪之后才流传到德国，直至更晚才在意大利产生影响。人们试图通过这种传统的定义方式将那些传世的建筑区分开来，并从形式上分析它们。但这种做法并不能解释这些作品在历史上和思想上的重要性。把中世纪艺术根据形式上的特征划分时期，是从建筑学开始的，但艺术史学家们后来将这种划分方式沿用到绘画、雕塑和装饰艺术领域，因为他们认为一个真正的文化个体是可以跨越不同的时代而存在的。学者们以他们定义的复合墩柱（compound piers）、尖塔、玫瑰花窗（rose window）等特定形式，来界定带有国家和地区特色的不同哥特式建筑，追溯它们发展的不同阶段，并由此划分了辐射式时期（Rayonnant period）、火焰式时期（Flamboyant period）及英国的垂直式风格（Perpendicular style）。从14世纪七八十年代到15世纪30年代出现了“国际哥特式（International Gothic）”一词，用于形容一种起源于贵族圈子，随后席卷整个欧洲的国际化风格，这种风格倾向于在绘画中大量地运用箭形线条，以达到一种奢华的效果。▍ 相关条目 托钵修会（Mendicant Orders），建筑工地（Building Site），建筑师，艺术赞助（Commission），金器，象牙，彩绘玻璃(Stained Glass) 延展阅读 “哥特式”这个词早被意大利文艺复兴时期的理论家们用于形容“日耳曼人”或“哥特人”的传统古典风格，带有贬义。

 

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欧洲艺术史的辉煌篇章：跨越文艺复兴的深度探索 这部文集汇集了一系列对欧洲艺术史关键时期的深刻洞察与细致剖析，旨在带领读者深入理解从早期文艺复兴到巴洛克早期过渡阶段的艺术思潮、技术革新和社会背景。我们聚焦于那些塑造了西方艺术面貌的伟大艺术家、标志性作品以及核心理念，力求展现一个立体而丰富的艺术图景。 第一部分：文艺复兴的黎明与早期探索（14世纪末至15世纪早期） 本部分将时间轴拉回至中世纪晚期向文艺复兴过渡的意大利，重点考察佛罗伦萨如何成为艺术复兴的温床。我们不再将文艺复兴视为一个孤立的、突然爆发的事件，而是探讨其在托斯卡纳地区酝酿和发展的复杂过程。 1. 乔托的遗产与透视法的萌芽： 我们将详细分析乔托（Giotto di Bondone）对空间感和人物情感表达的革命性贡献。他的壁画如何打破了拜占庭风格的僵硬模式，引入了更具人性化的叙事方式。紧接着，我们深入研究文艺复兴早期对精确空间构建的痴迷。布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi）在佛罗伦萨大教堂穹顶上的工程壮举不仅是建筑的胜利，更是对古典几何学和线性透视理论的实践验证。马萨乔（Masaccio）的作品，尤其是《圣三一》，如何首次将严格的单点透视法系统地融入绘画中，创造出令人信服的“画中之窗”。 2. 雕塑的复兴与人文主义的注入： 多那太罗（Donatello）的雕塑作品是理解早期文艺复兴精神的关键。他的《大卫》——无论是青铜版还是后来的大理石版——都展现了对古典裸体艺术的重新发掘，以及对个体英雄主义的赞美。我们探讨人文主义思潮如何渗透进艺术创作：艺术不再仅仅是宗教的仆人，而是对人类潜能、理性以及世俗生活之美的颂扬。米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti）尚未崛起之前，雕塑家们是如何在体量、动态和情感表达上不断突破界限的。 3. 早期绘画的细腻与象征意义： 这一时期，绘画的叙事性和细节处理日益精湛。波提切利（Sandro Botticelli）的作品，如《维纳斯的诞生》和《春》，虽然看似充满异教神话色彩，实则深受新柏拉图主义哲学的影响。我们将解析这些画作中隐藏的古典寓意和精妙的线条运用，以及美第奇家族对艺术赞助的巨大作用。此外，我们也会关注北方意大利（如帕多瓦）的艺术家，他们如何吸收和转化佛罗伦萨的创新，形成自己独特的风格。 第二部分：盛期文艺复兴的巅峰与多中心发展（16世纪初） 盛期文艺复兴（High Renaissance）通常被视为意大利艺术的黄金时代，其核心特点是形式的完美、构图的和谐以及对理想化美的追求。 1. 罗马的中心地位与三巨头的崛起： 随着教皇尤利乌斯二世（Pope Julius II）对罗马的大力投资，罗马取代佛罗伦萨成为艺术的中心。达·芬奇（Leonardo da Vinci）的科学探究精神与艺术完美结合，他的“晕染法”（Sfumato）如何模糊了轮廓，赋予了人物神秘的生命力。我们细致分析《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》中蕴含的心理深度和构图平衡。 2. 拉斐尔的和谐之美与建筑视野： 拉斐尔（Raphael Sanzio）被誉为“完美”的化身。他的作品，特别是梵蒂冈的《雅典学院》，是盛期文艺复兴精神的集中体现——对古典智慧的尊重、对和谐构图的极致追求，以及对人物性格的精准把握。我们将探讨拉斐尔如何吸收前人的优点，并将其提炼成一种清晰、典雅且易于理解的视觉语言。他的壁画不仅是艺术成就，也是那个时代知识分子理想的具象化。 3. 威尼斯的色彩革命与“色域”画派： 与尚“形”的佛罗伦萨和罗马不同，威尼斯画派（Venetian School）展现出截然不同的美学倾向。我们着重研究乔尔乔内（Giorgione）和提香（Titian）如何将“色彩”（Colorito）置于“线条”（Disegno）之上。威尼斯特有的潮湿气候、对进口颜料的掌握以及对油画媒介的精妙运用，使得他们的作品具有无与伦比的光泽和感官的诱惑力。提香的肖像画和神话场景，以其丰富、浓郁的色彩和对光影的自由处理，预示了未来巴洛克艺术的激情。 第三部分：超越理想化的探索与过渡时期（16世纪中后期） 随着人文主义理想的逐步瓦解，艺术家们开始探索新的表达方式，这直接导致了风格主义（Mannerism）的出现，并为后来的巴洛克风格奠定了基础。 1. 风格主义的反叛与对形式的扭曲： 风格主义艺术家（如帕尔米贾尼诺、布龙齐诺）对盛期文艺复兴的完美和谐感到不满，他们转而追求“优雅”（Grazia）和“技巧”（Maniera）。这表现为对自然比例的拉长、不和谐的色彩运用、以及晦涩难懂的象征符号。我们将分析这种风格如何反映了宗教改革和反宗教改革带来的社会焦虑与不确定性。 2. 解剖学、自然主义与北方艺术的对照： 虽然意大利在盛期达到了顶峰，但北欧（尼德兰和德国）的艺术发展也呈现出独特的轨迹。北方艺术家更加注重对自然界和人类身体的细致入微的观察和记录。我们将探讨在德国，丢勒（Albrecht Dürer）如何通过其版画将意大利的透视和解剖学知识系统地引入北方，并结合北方特有的象征主义和对细节的痴迷。同时，我们会对比意大利艺术家在对人体进行理想化处理的同时，北方艺术家如何坚持一种更具现实主义色彩的、甚至略显粗粝的“真实”。 3. 迈向巴洛克的前奏： 最后，本部分将触及那些已经开始酝酿巨大变化的艺术家，他们作品中的戏剧性、强烈的运动感和对观众情感的直接调动，预示着17世纪巴洛克艺术的来临。这些探索为我们理解下一阶段欧洲艺术的巨变提供了必要的语境和铺垫。 总而言之，本套文集通过对文艺复兴不同阶段、不同地域艺术的系统梳理，展现了欧洲艺术从古典复兴到风格嬗变过程中，思想、技术与美学追求的复杂互动。它不是一本简单的艺术家名录，而是一次深入理解艺术史内在逻辑的学术旅程。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的是它叙述的逻辑和深度，完全不是那种走马观花的导览式介绍。作者在梳理十四、十五、十六这三个世纪的艺术变迁时，构建了一个非常严谨而又充满张力的叙事框架。他没有孤立地看待每个艺术家或学派，而是将艺术家的个人探索、背后的赞助人体系、以及当时的社会思潮紧密地联系起来。特别是对于威尼斯画派和佛罗伦萨画派在色彩运用和空间处理上的分野，分析得鞭辟入里，让人一下子就明白了为什么同一时期的艺术会有如此迥异的风貌。读起来一点也不枯燥，反而像是在跟随一位经验老到的策展人进行深度导览，他总能在关键节点抛出深刻的见解，引导你从一个全新的角度去审视那些耳熟能详的作品。这种层层递进的解读，极大地提升了阅读体验，让我对文艺复兴的理解不再停留在表面的“美”上，而是触及到了其思想内核。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调，这本书在图文排版上的细节处理简直是教科书级别的典范。它深知，对于艺术史书籍来说，图片不仅仅是辅助说明，它本身就是信息载体。所有重要作品的呈现都采用了大跨页或者高质量的特写插图，确保那些精妙的笔触和色彩层次能够被清晰地捕捉到。更棒的是，文字的注释和图例标注得恰到好处，不会像有些书籍那样让图文相互干扰，而是图文相辅相成，信息传递效率极高。这种对视觉体验的重视，让阅读过程变成了一种沉浸式的审美体验，而不是枯燥的知识灌输。对于任何想要深入研究或仅仅是欣赏文艺复兴艺术的朋友来说，这套书提供的视觉盛宴和知识深度是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在材料的整合与对比上做得极为出色，尤其是在讨论不同地域和不同主题时的切换，显得非常流畅自然。比如，它并没有将拉斐尔的古典完美主义与早期威尼斯画派对光影和氛围的迷恋割裂开来，而是巧妙地通过“解剖学”这一共同关注点，串联起对人体表现的追求如何影响了各自的风格走向。这种跨地域、跨主题的对比分析，让我看到了文艺复兴艺术内部多元且相互影响的复杂生态系统。它不是简单地罗列作品，而是构建了一个动态的知识网络，让你在阅读一个章节时，能不断地联想到其他章节的内容，形成一种知识的共振效应。这种全景式的宏观视野，对于理解一个时代艺术的全貌至关重要。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术史有着强烈好奇心的业余爱好者，我常常被那些晦涩难懂的术语和过分学院派的论述劝退。然而，这套书的文字风格却出乎意料地平易近人，同时又保持着应有的学术严谨性。它懂得如何用生动的语言去解释那些复杂的技法和理论，比如拉斐尔的构图原则，或者透视法在空间营造中的革命性意义，都讲解得深入浅出，让人一听就懂，再看图就能立刻心领神会。这种平衡把握得非常精准，既能满足专业人士对准确性的要求，又不会让初学者感到压力。我尤其喜欢其中穿插的轶闻和历史背景，它们像是给冰冷的艺术史注入了鲜活的人性，让你能想象到那些艺术家在工作室里挥汗如雨的真实场景，极大地增强了代入感和趣味性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直让人爱不释手！封面色彩的搭配非常有品味，那种古典与现代交织的美感扑面而来，让人忍不住想立刻翻开它。内页的纸张质量也无可挑剔，触感温润细腻，印刷的字迹清晰锐利，即便是细节丰富的画作插图，也能呈现出极佳的质感。看到那些文艺复兴时期大师们的作品被如此精心地呈现，仿佛真的能感受到油彩在画布上流动的生命力。尤其是那些复杂的建筑图和解剖学的透视图，线条的精准度和还原度都非常到位，看得出出版方在制作上的用心。拿在手里沉甸甸的，有一种物有所值的老派厚重感，这对于艺术史这种需要反复翻阅和品鉴的题材来说，绝对是加分项。光是欣赏这本书本身的物理形态，就已经算是一种视觉享受了，绝对是那种值得放在书架最显眼位置的收藏品，每次路过都会忍不住伸手摩挲几下。