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翁昕著 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版有限责任公司

ISBN：9787559617613

商品编码：28541537128

出版时间：2018-05-01

作  者:翁昕 著 定  价:68 出 版 社:北京联合出版有限责任公司 出版日期:2018年05月01日 页  数:247 装  帧:平装 ISBN:9787559617613 ●序言
●时间线
●意大利概览
●罗马
●1的基因：伊特鲁里亚艺术
●2古希腊艺术的伟大继承者
●3照进现实的古罗马雕塑
●4罗马文明的纪念碑
●5“文艺”的失落与复兴
●6教皇收藏——天国的眼光
●7波提切利：黄金时代孕育的天才
●8达·芬奇和他的圣哲罗姆
●9米开朗琪罗：身不由己的艺术家
●10米开朗琪罗：超YUE凡尘的力量
●11拉斐尔：教皇的宠儿
●12卡拉瓦乔：绘画界的戏剧大师
●13委拉斯贵兹：的教皇肖像
●14贝尼尼：灿若星辰的全能雕塑家
●15去罗马看天顶画
●那不勒斯
●部分目录

内容简介

《如何看懂艺术》是艺术经纪人、知乎艺术达人翁昕趣讲艺术的靠前辑。本书从欣赏西方艺术的靠前站——意大利开始，由翁昕带领读者重回伟大艺术的诞生地，亲临罗马、梵蒂冈、那不勒斯、米兰四大古城，游走于大大小小的美术馆、教堂与屹立千年的名胜古迹，零距离欣赏艺术名作。
作者翁昕是一位艺术经纪人，也是知乎“艺术”“艺术史论”话题很好回答者，面向入门级艺术爱好者普及艺术知识的经验相当丰富。在他的讲述中，再“高冷”的艺术品都能找到欣赏的切入点，讲出有趣的故事，让零基础的艺术爱好者也能轻松看懂艺术。他的“不艺术不”个人专栏，文笔风趣、考据严谨，兼具知识性与趣味性，深受各领域知识类大V喜爱。
翁昕 著 翁昕，艺术经纪人，知乎艺术达人。出身于艺术世家，先后毕业于知名艺术学府中央美术学院和伦敦苏富比艺术学院。回国后成为独立艺术经纪人，为中国藏家介绍并寻找海外经典大师名作，足迹遍布世界各地大小博物馆、画廊、艺术机构、私人基金会等，服务藏家包括大型私人银行很好客户。热衷于创作，自2014年在知乎创作专栏「不艺术不」，是知乎「艺术」「艺术史论」话题很好回答者。 早让我萌生写这本书的念头，是在十年以前。我自幼生长在艺术家庭，父母两人都是油画家。从小和艺术品原作及印刷品打交道的我们，深知原作的魅力。因此，当我们筹备次举家出国旅行的时候，我们自然将欣赏艺术品原作视为核心的目标。不过，那个时候不比今日，《孤独星球 Lonely Planet 旅行指南》只有外文书店有售，网络上的信息则大多要从刚刚更名为“穷游”的论坛上检索。那些远赴欧洲的先行者们的帖子仅止步于“如何在巴黎办理博物馆卡”这样的信息，至于哪些博物馆有什么样的作品，就真的无从查找了。我也曾试图求助于艺术史书籍，然而这些学术著作为了确保其和可靠，其引用的作品遍及全世界的各个博物馆。若想沿着这些书籍中的顺序去欣赏艺术，那真的要周游世界才行了。于是，想要欣赏艺术的我们只能自己动手。我们先是列出了一个清单，找出了自己次出国想看的名画真迹，然后逐一在网络上搜索这些作品藏于何处等

好的，这是一本名为《穿越时空的匠心：世界建筑史的瑰丽画卷》的图书简介。 穿越时空的匠心：世界建筑史的瑰丽画卷 一本深入解析人类文明进程的视觉史诗 作者： 乔纳森·莱恩斯 页数： 680页（精装典藏版） 装帧： 采用进口亚麻布封面，内含超过400张高清建筑测绘图、复原手绘及专业摄影作品。 内容梗概 《穿越时空的匠心：世界建筑史的瑰丽画卷》并非简单地罗列古今中外的著名建筑清单，而是一次对人类创造力、社会结构变迁、技术革新以及审美哲思的深度考察。本书以建筑为载体，追溯人类文明的脉络，探讨不同地域、不同时代的人们如何通过夯土、木材、石材乃至钢铁和玻璃，构建出他们赖以生存、精神寄托与权力表达的物质空间。 本书结构宏大而细腻，将世界建筑史划分为七个核心篇章，每一章都聚焦于一个关键的文明转折点或美学高峰。我们不仅会看到金字塔的宏伟与精确，更会探究支撑其建造的组织能力和宗教信仰；我们不仅会惊叹于帕特农神庙的和谐比例，更会剖析其背后的民主精神与数学哲学；我们不仅会赞叹哥特式大教堂的直插云霄，更会理解其如何反映中世纪社会对天堂的渴望。 第一篇：起源与神性——史前遗迹与早期文明的基石 (约公元前10000年 – 公元前500年) 本篇追溯人类最早的定居痕迹，从哥贝克力石阵的神秘符号到美索不达米亚的阶梯式神塔（Ziggurat）。重点分析了早期聚落如何应对自然环境，建筑材料如何从天然洞穴过渡到人工夯筑。特别关注埃及文明中“永恒性”的追求，解析了神庙和陵墓的布局如何反映其独特的生死观和宇宙观。我们深入探讨了巨石阵背后的天文观测需求，揭示建筑学与早期科学的紧密联系。 第二篇：秩序与和谐——古典世界的理性之光 (约公元前500年 – 公元476年) 聚焦古希腊和古罗马的建筑成就。希腊篇详细解读了多立克、爱奥尼克和科林斯柱式的演变及其背后的数学美学——黄金分割与尺度感。罗马篇则着重于工程技术的飞跃：拱、券、穹顶的应用如何使得公共建筑（如万神殿、斗兽场）的尺度和功能性达到了前所未有的高度。本书强调了罗马道路、渡槽和浴场的规划，展示了建筑如何服务于一个统一的帝国体系。 第三篇：信仰与垂直——中世纪的黑暗与光明 (约公元476年 – 公元1400年) 这一时期建筑的主题是“向上”。从早期拜占庭圣索菲亚大教堂的宏大穹顶，到罗马式教堂厚重朴实的防御姿态，再到哥特式建筑的“骨架革命”。本书详尽解析了飞扶壁（Flying Buttress）的发明如何解放墙体，使得彩绘玻璃得以填满空间，将自然光转化为神圣之光。我们考察了修道院和城堡在社会权力结构中的角色，以及城市防御体系的构建。 第四篇：人文与复兴——文艺复兴的尺度回归 (约公元1400年 – 公元1600年) 随着对古典文献的重新发现，建筑师们开始将焦点从神转向人。本篇深入分析了布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂穹顶上的创新，以及阿尔伯蒂、帕拉第奥等人对古典比例和对称性的重新诠释。本书探讨了别墅设计如何开始融入景观，以及建筑师如何通过图纸和理论（而非仅仅是实际建造）来确立其专业地位。 第五篇：权力与装饰——巴洛克、洛可可与绝对君主制 (约公元1600年 – 公元1750年) 本章探讨建筑如何成为国家权力和宗教威仪的直接表达。从贝尼尼在圣彼得大教堂前的动态广场设计，到凡尔赛宫的极致奢华，建筑语言变得更加戏剧化、情感化和感官化。洛可可风格的轻盈与室内装饰的精细处理，标志着建筑与艺术的界限进一步模糊。 第六篇：工业的回响与理性的回归——19世纪的转型 (约公元1750年 – 公元1900年) 蒸汽机和钢铁的出现彻底颠覆了传统建筑的限制。本书分析了新古典主义的复兴（对理性秩序的怀念）与历史主义的混杂（对不同风格的挪用）。重点介绍了早期钢铁结构在桥梁和展馆中的应用（如水晶宫），以及在城市规划层面，奥斯曼对巴黎的改造，展示了现代城市雏形的诞生。 第七篇：现代性的激进与包容——20世纪至今的探索 (约公元1900年至今) 这是建筑史上最富争议和创新的一个时期。本书系统梳理了从包豪斯（Bauhaus）的“形式追随功能”原则，到勒·柯布西耶的“新建筑五点”，再到密斯·凡德罗对玻璃幕墙的极致追求。同时，本书也公正地探讨了后现代主义对现代主义僵化的反叛，以及当代建筑对可持续性、地域性（Vernacular）和数字技术的探索（如解构主义）。 写作特色与价值 本书的独特之处在于其跨学科的整合视角。作者莱恩斯教授并非仅从美学角度切入，而是将建筑置于社会学、政治学、经济学和材料科学的矩阵中进行解读。 1. 技术与社会洞察： 深入剖析了诸如罗马混凝土配方、中世纪木构架的力学优化、以及现代钢筋混凝土对建筑高度的解放等关键技术节点，并分析这些技术如何反作用于社会生活和权力分配。 2. 全球视野的平衡： 书中对伊斯兰建筑（如阿尔罕布拉宫的几何装饰）、印度建筑（如泰姬陵的对称布局）以及中国传统建筑（如唐宋的木结构体系）进行了详尽的比较分析，避免了以西方为中心的叙事倾向。 3. 视觉的盛宴： 丰富的插图和图表是本书的一大亮点。书中不仅收录了高质量的建筑照片，更包含了大量精细的剖面图和结构分析图，帮助读者清晰理解复杂的三维空间构造原理。 《穿越时空的匠心》是一部献给所有对人类智慧结晶充满好奇心的读者的权威之作。它不仅能帮助你“看懂”建筑的风格，更能让你理解建筑背后的文明密码，感受每一块石头、每一根梁柱中蕴含的千年匠心与时代精神。阅读此书，如同跟随一座座里程碑，进行一场没有终点的世界文化之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“观看行为”本身的深入剖析。很多艺术书都在教你“看懂画里有什么”，但这本书更进一步，教你“如何去看”。作者细致地拆解了观众的视线轨迹、注意力的分配，以及情感反应的形成过程。他用大量的篇幅去讨论“凝视”与“被凝视”的关系，特别是当面对肖像画时，那种跨越时空的眼神交流，被描述得既科学又充满诗意。我甚至开始在日常生活中应用这种新的“观看模式”，不再只是走马观花地浏览，而是会停下来，思考光线是如何落在物体上的，以及艺术家是如何“设计”我的目光的。这种思维训练，使我发现，原来我们每天都在与无数精心设计的视觉信息互动，而这本书，就像一把万能钥匙，让我从被动的接受者，转变成了主动的解读人和参与者。它提供的，不是标准答案，而是无限探索的提问方式，这份对认知方法的强调，是这本书在众多艺术入门读物中脱颖而出的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面选用那种略带肌理感的哑光纸张，到内页的留白处理，都透露出一种对艺术的敬畏与细腻。我尤其欣赏作者在排版上的匠心独运，那些经典的艺术作品图片，不仅清晰度极高，色彩还原也极其到位，很多细节放在大图上，简直能让人沉浸其中，仿佛亲身站在画作前，去触摸那些古老笔触的温度。更别提那些小小的章节过渡页，有时会穿插一些与主题相关的建筑线条或雕塑局部特写，这种不着痕迹的引导，让阅读过程本身就像是在进行一场精心策划的博物馆漫步，流畅而富有节奏感。书中对不同历史时期艺术流派的划分，不像教科书那样僵硬刻板，而是通过一些非常生动的历史背景故事来串联，让我这个对艺术史略知一二的“门外汉”，也能轻松跟上作者的思路，领略到那种时代精神如何在画布上、在石头上凝固下来的震撼感。这本书的排版布局，我给满分，它真正理解了“形式服务于内容”的真谛，让阅读体验升华到了审美享受的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，简直像一位风趣幽默又博学的长者，在自家收藏丰富的书房里，陪着你慢慢品鉴的讲述方式。它的幽默感是内敛且高级的，并非那种哗众取宠的段子，而是在关键时刻，用一句恰到好处的讽刺或一个带着温度的感叹，来点醒读者对某个艺术现象的深刻理解。例如，作者在评价某个过度装饰的巴洛克风格作品时，用了一种略带夸张的描绘，使得那份“铺张浪费”的时代气息跃然纸上，让人忍俊不禁，但同时也记住了这种风格的本质特征。我特别喜欢作者在描述艺术家生平时所展现出的那种近乎“同理心”的关怀，他不仅仅记录了他们的创作高峰，也毫不避讳地提到了他们的挣扎、误解甚至失败。这种人性化的处理，让那些历史上的巨人变得立体而鲜活，不再是冰冷的塑像，而是有着七情六欲的创造者。正是这种亲切感，让原本枯燥的艺术史脉络变得引人入胜，让人迫不及待地想翻到下一页，听听这位“导游”接下来会带我们去哪个奇妙的角落。

评分☆☆☆☆☆

从内容组织和逻辑架构来看，这本书展现了惊人的严谨性与探索精神。它没有局限于传统的西方艺术史的线性叙事，而是巧妙地在关键的转折点插入了对“非西方艺术”或者“边缘艺术”的探讨，这使得整本书的视野变得开阔而多元。比如，书中有一章专门对比了文艺复兴时期的透视法与同时期东方水墨画中的“散点透视”，这种并置对比，立刻揭示了不同文化对“真实”和“空间”理解的根本性差异，这远比孤立地介绍某一技巧要深刻得多。此外，作者在讨论媒介的演变时，也表现出极强的超前性，他将摄影、装置艺术，甚至早期的电影技术，都纳入了对“艺术本质”的探讨范畴，而不是将它们视为学院艺术的“异端”。这种包容性的视角，极大地拓宽了我对“什么是艺术”的边界认知，让我意识到艺术的发展史，其实就是人类感知世界方式不断自我革新的历史进程。

评分☆☆☆☆☆

读完这本关于艺术鉴赏的书，我最大的感受是它颠覆了我对“专业知识”的固有认知。作者似乎拥有一种魔力，能够将那些原本高高在上、充满术语的艺术理论，转化成我们日常生活中可以触碰、可以理解的语言。比如，书中解析光影运用时，并没有直接引用康德或黑格尔的晦涩概念，而是通过对比两幅不同画家处理同一主题的光线差异，来直观地展示“氛围感”是如何被塑造出来的。这种“以小见大，以物证理”的叙事手法，极其有效。我记得有一次，我对着一幅抽象画感到茫然不知所措，随手翻到书中关于“留白与负空间”的一章，作者用园林艺术中的“借景”概念来解释画布上的空白，瞬间茅塞顿开。这种跨领域的类比，极大地降低了艺术的“门槛”，让我觉得艺术不再是少数精英的私有财产，而是人人都可以参与的对话。它教会我的，不是“这是什么流派”，而是“这幅作品是如何对我的情感进行调用的”。