佛教造像法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆☆☆☆☆

王惕 编

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• 佛教

出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201072418

版次：1

商品编码：10944679

包装：精装

开本：16开

出版时间：2011-11-01

用纸：胶版纸

页数：466

字数：600000

内容简介

社会在发展，时代在前进。当前我国经济飞速增长，国力渐强，过去不可想象和不可思议的事情都有可能成为现实。在党和国家正确方针政策引导下，佛教文化业得到扶植和发展。修庙也成为寻常之事，而且修庙的规模和操作方式也有了很大变化。首先，佛教的整体形象改变了过去“深山藏古寺”的隐居状态，成为国家发展文化事业的软实力：佛教文化在国家的提倡下，走到了前台，走出了国门；其次，随着国家经济实力的增长，不仅寺庙在兴建佛教文化设施，而且一些发心的大居士也担纲兴建佛教景点，并在开发旅游事业的同时，积极弘扬正气。基于以上两点，佛教雕塑和景观走出了寺庙，走出了殿堂，演变为旅游艺术、广场艺术。音乐、舞蹈、戏剧也随后跟进，正是方兴未艾之时。

目录

《大方广佛华严经》。
《佛说观无量寿经》。
《金刚般若波罗蜜经》。
《佛说阿弥陀经》。
《妙法莲华经》。
《维摩诘所说经》。
《般若波罗蜜多心经》。
《大正藏》图像册(共十二卷)。
《佛教念诵集》。
宽忍主编：《佛教手册》，中国文史出版社1991年11月版。
明踢法师著：《佛法概要》，上海市佛教协会敬印。
《佛教与中国文化》，中华书局1988年10月版。
张曼涛主编：《佛教与中国文化》，上海书店1987年10月影印出版。
丁福保编纂：《佛学大辞典》，文物出版社1984年1月版。
慈怡主编：《佛光大辞典》，书目文献出版社影印本。
曹厚德、杨古城编著：《中国佛像艺术》，中国世界语出版社1993年9月版。
陈聿东主编：《佛教文化百科》，天津人民出版社1993年12月版。
圣严法师原著，林丽君、于晓非汇编：《正信的佛教》，河北《禅》编辑部1994年4月印行。
张澄基译注：《密勒日巴大师全集》，上海佛学书局，1994年版。
净慧主编、邓殿臣著：《南传佛教史简编》，中国佛教协会，1991年8月版。
张曼涛主编：《佛教艺术论集》，台湾大乘文化出版社。
陈兵著：《生与死——佛教轮回观》，内蒙古人民出版社1994年11月版。
马书田著：《超凡世界——中国寺庙200神》，中国文史出版社1990年6月版。
周叔迦著：《法苑谈丛》，中国佛教协会，1985年9月版。
周叔迦撰：《漫谭佛画》，选自张曼涛主编：《佛教艺术论集》。
王伯敏著：《中国绘画史》，上海人民美术出版社1982年12月版。
休·昂纳、约翰·弗莱明著：《世界美术史》，国际文化出版公司1989年1月版。
……

好的，这是一份关于《佛教造像法》之外的，内容详尽的图书简介，旨在避免提及原书内容，并尽可能自然流畅： --- 《东方神祇的雕琢：古代印度佛教艺术的流变与地域特色》 一卷跨越千年的信仰史诗，一次对物质化神性的深度探寻。 本书并非关于造像的“技法手册”，而是聚焦于一个更为宏大和复杂的议题：在南亚次大陆广袤的地理空间内，佛教信仰如何通过其物质载体——雕塑与壁画——完成了从观念到形象的转化，并随着历史的洪流，在不同地域文化的影响下，展现出千姿百态的艺术面貌。 第一部分：源流与胚胎——犍陀罗与秣菟罗的艺术语境 佛教的早期造像，是印度本土宗教传统与强势外来文化激烈碰撞的产物。本书将深入剖析犍陀罗艺术的兴起，它不仅仅是印度佛教艺术的开端，更是希腊化（Hellenistic）美学与东方精神哲学的奇妙融合。我们考察其雕塑中人物面部的罗马式特征、衣纹的褶皱处理，以及这种“希腊式佛陀”形象如何适应并传达了早期大乘佛教的教义。 紧接着，我们将转入对秣菟罗（Mathura）艺术的专题研究。秣菟罗作为本土艺术的中心，其佛像的造型风格与犍陀罗形成鲜明对比。我们重点探讨秣菟罗造像的“本土性”：佛陀形象从被遮蔽的神性逐渐显现为人性的过程，其健硕的体格、圆润的面庞、以及著名的“赤裸上身”或仅披单肩衣的风格，如何反映了贵霜王朝时期印度社会对力量与和谐的审美追求。本书将通过对这两种并存的早期造像流派的细致比较，揭示早期佛像在确定其基本范式前所经历的艺术张力与选择。 第二部分：帝国辉光与古典巅峰——笈多王朝的成熟之美 笈多王朝（公元四世纪至六世纪）被誉为印度古典艺术的黄金时代。本书将用大量篇幅分析这一时期佛教艺术所达到的“理想化”高峰。这一时期的造像摆脱了犍陀罗的硬朗和秣菟罗的粗犷，转而追求一种内敛的、充满禅意的“静态的动态”。 我们重点关注笈多时期雕塑对“神性光辉”的表现手法，包括对“面相的宁静感”（Serenity）的极致追求，以及对躯体比例的数学化处理。书中的个案研究将包括萨尔纳特（Sarnath）和巴尔胡特（Barhut）等地的杰出作品，分析艺术家如何通过微妙的面部表情、流畅的衣褶以及对称的身体姿态，来体现佛陀的觉悟境界，而非仅仅是人物的物理再现。笈多艺术的特点在于其高度的形式统一性和精神超越性，这为后世南亚和东南亚的艺术发展奠定了坚实的审美基础。 第三部分：多元文化的熔炉——佛教艺术在次大陆边缘地带的变奏 佛教的传播并非单向度的输出，而是在与地方文化不断接触、吸收与再创造中完成的。本书的第三部分聚焦于那些展现出强烈地域色彩的佛教艺术中心。 1. 阿旃陀的叙事壁画：色彩、运动与世俗生活 阿旃陀（Ajanta）石窟群的壁画是研究印度佛教艺术不可或缺的一环。本书侧重于对壁画的叙事结构和色彩运用的分析。与雕塑的静态凝视不同，壁画以其连贯的叙事性，生动描绘了大量的本生故事（Jataka Tales）和佛本行经。我们将探讨艺术家如何运用细腻的线条、丰富的层次感和充满活力的色彩，将贵族、市井生活、乃至神祇的场景融入统一的视觉空间，从而使教义更贴近普通信徒的日常经验。 2. 帕拉王朝与“晚期风格”的精致化 进入中世纪，随着印度教的复兴和政治格局的变迁，佛教艺术在东印度，特别是帕拉王朝时期，展现出一种新的面貌。这一时期的造像风格更为“精致化”和“符号化”。本书将考察帕拉艺术中对密教元素的初步吸收，如复杂的手印（Mudra）、多样的伴神形象（如度母、忿怒相），以及对金属铸造工艺的推崇。这些作品预示着佛教艺术将从宏大的帝国叙事，转向更具仪式性和内在精神探索的密宗体系。 结语：形式背后的精神转向 本书的最终目标是构建一幅立体的历史图景：我们不只是罗列不同风格的佛像，而是试图理解这些“形式”背后的“功能”与“信仰结构”的演变。从犍陀罗的融合，到笈多的理想主义，再到帕拉的精微化，每一次造型上的显著变化，都对应着佛教教义在特定时代和特定地域的接受度与阐释方式的调整。 《东方神祇的雕琢》是一部献给所有对早期世界艺术史、宗教视觉文化及其地域性差异感兴趣的读者、研究者和爱好者的深度导览。它带领读者深入古老的石窟与寺庙遗址，触摸历史留下的物质痕迹，理解那些不朽的形象如何成为人类精神追求的永恒见证。 全书配有近三百幅高精度图像比对，并辅以详细的考古学图表与文化地理分析。 ---

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的学术性是毋庸置疑的，但它的叙述方式却出奇地具有画面感和引导性。我最喜欢的部分是对“造像仪轨”的描述，那感觉就像是亲身参与了一场古代的工坊日常。作者没有回避细节，甚至非常坦诚地记录了古代工匠在遵循严格教条时所能展现的个人创造力边界。比如，关于佛像比例的“六分”、“八尺”等古老度量衡的引用，以及这些度量如何影响到最终佛像的“气场”，都被阐述得非常清晰。对于我这种喜欢深度挖掘历史背景的人来说，书中对造像传统如何在不同历史时期被“诠释”和“重构”的分析，尤其引人入胜。它并非一本孤立的艺术书，它深植于当时的社会结构、皇室供养体系乃至民众的信仰需求之中，读起来层次感非常丰富。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为“造像法”这四个字意味着枯燥的教条和僵化的流程，但这本书完全颠覆了我的看法。它更像是一部关于“神圣肖像”诞生的编年史。书中对不同地域流派的区分，例如北魏的秀骨清像到唐代的丰满圆润，作者用极其生动且富有感情的笔触描绘了这种“审美变迁”背后的信仰热度和文化融合。它没有停留在表面，而是试图去捕捉那种从泥土中“诞生”出佛性的过程。阅读时，我仿佛能听到那些凿子敲击石头的声音，感受到工匠们在面对佛像时必须保持的那种虔诚与专注。这本书成功地将一种高度程式化的艺术形式，还原成了一种充满生命力和时代精神的创作活动，非常值得每一位对亚洲宗教艺术感兴趣的人细细品味。

评分☆☆☆☆☆

这本关于佛教造像法的书，从我一个纯粹的艺术爱好者角度来看，简直是打开了一个全新的世界。我原本以为这只是关于雕塑技术的操作指南，但实际上，它深入到了造像背后的哲学和精神层面。书中对不同时期、不同地域的造像风格演变有着非常细致的梳理，比如犍陀罗艺术的希腊化影响，以及笈多时期对人体比例的经典化处理，这些细节的描绘让我对佛像的“美”有了更深层次的理解。它不仅仅告诉你如何刻画面部表情，更解释了为什么菩萨的嘴角要微微上扬，那“禅定”的眼神背后蕴含着怎样的冥想状态。作者似乎非常擅长将复杂的宗教概念转化为视觉语言，即便是对佛教一窍不通的读者，也能通过这些图像的解析，感受到某种宁静的力量。尤其让我印象深刻的是，书中对不同手印（Mudra）的详解，每一个姿势似乎都在讲述一个无声的故事，仿佛触摸到了古代工匠与信仰之间的精神连接。这本书绝对不仅仅是技术手册，更是一部视觉人类学著作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图例选择非常用心，这对于一本探讨视觉艺术的书籍来说至关重要。我注意到书中对造像细节的剖析，达到了近乎微观的程度，特别是对佛发、衣纹褶皱的处理，简直是教科书级别的示范。它详细解释了“通肩式”和“褒衣博带式”衣纹背后的文化含义，而不仅仅是描绘其外观。更让我感到惊喜的是，作者在探讨造像“完美”的标准时，也适当地引入了“不完美”的价值，比如一些早期造像的稚拙感，是如何反映了信仰的早期形态和地域性的影响。这使得全书的论述既有宏观的理论框架，又不失微观的实物佐证，让人在阅读时仿佛手中拿着放大镜，对照着实际的造像进行比对和学习。

评分☆☆☆☆☆

我是在机缘巧合下翻到这本《佛教造像法》的，作为一名对东方美学非常痴迷的爱好者，我原先以为它会是那种干巴巴、只讲工具和材料的入门书。然而，它的内容深度完全超出了我的预期。它仿佛是一座桥梁，连接了冰冷的泥土、石头与那些崇高的宗教理想。我特别欣赏作者对材料特性的探讨，比如不同石材在光线下如何反射出不同的“神性光辉”，以及木雕与铜铸在呈现“法相庄严”时的微妙差异。书中不仅有对造像标准的详尽描述，还穿插了许多关于造像仪轨和供养文化的片段，这让整个造像过程充满了仪式感和敬畏之心。读完后，我再去看博物馆里的任何一尊佛像，都会下意识地去寻找那些被作者强调过的“标准”与“变异”，那种审视的角度完全不一样了，从单纯的“好看”上升到了对“合乎法度”的敬意。