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呼啊呦 著

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出版社： 辽宁科学技术出版社

ISBN：9787559106520

商品编码：29014230933

出版时间：2017-07-01

作  者:呼啊呦 编著 定  价:35 出 版 社:辽宁科学技术出版社 出版日期:2018年05月01日 页  数:175 装  帧:平装 ISBN:9787559106520 ●第1章基础知识的了解
●1.1什么是素描，如何学习风景素描/2
●1.2工具的介绍/2
●1.2.1笔类介绍/2
●1.2.2辅助工具介绍/3
●1.2.3纸张介绍/3
●1.3透视基础/4
●1.3.1平行透视/4
●1.3.2成角透视/5
●1.3.3倾斜透视/6
●1.4光影的方向/8
●1.5线条练习/9
●1.5.1铅笔Ｂ数的划分/10
●1.5.2握笔姿势/11
●1.5.3线条的排列/11
●1.6虚实关系与层次变化的处理/14
●第2章具体元素的表现
●2.1云朵的处理/19
●2.2树木的处理/22
●2.2.1松树/22
●部分目录

内容简介

本书是风景素描的学习，内容包括什么是素描，如何学习素描风景，笔类、辅助工具、纸张介绍，透视基础、光影的方向、线条练习、虚实关系与层次变化；具体元素的表现：云朵、树木、岩石、河流与瀑布、建筑物、人物与动物等；元素之间的组合：山峦与水面；瀑布、岩石与山林的组合；树林、草地与房屋的组合；云朵、水面与小船的组合等；综合能力的提升：沐光的树林、虹桥风雨楼、大漠骆影、乡村小道、古镇一角、弗林德斯火车站、巴塞罗那天桥、贾玛寺、查理大桥；综合材料的运用：炭笔、钢笔、牛皮纸、灰卡纸的运用。步骤详细，图片清晰，简单易学，工具全面，技法综合。 呼啊呦 编著 呼啊呦，  本名胡健    LOFTER、微博资历插画师， 深圳市青年美术家协会会员、 美术教师、绘本作者，  1991年出生于安徽省金寨县，  2009年校考以安徽美术专业靠前的成绩考入深圳大学，2013年毕业油画作品《囡鱼》获深圳南山画院庆建国64周年展二等奖，  2014年于深圳市写意人生文化发展有限公司担任教学主管，2016年开始发表个人作品   获得网易Lofter2016年度热门达人，  201等

艺术之维：光影、色彩与心灵的对话 图书主题： 本书旨在深入探讨西方古典油画的技法、美学思想以及艺术史脉络，尤其聚焦于17世纪荷兰黄金时代的绘画成就，并辅以对当代具象绘画的观察与思考。它不是一本关于素描的工具书，而是对视觉艺术本质的哲学探讨与技术解析的结合。 --- 第一部分：观看的艺术——从观察到再现 第一章：视觉的解码：光学、感知与大脑的画布 本书的开篇并非从铅笔或炭条的运用谈起，而是直抵艺术创作的核心——人类的“观看”能力。本章将剖析人眼如何捕捉光线，以及大脑如何建构我们所感知的世界。我们将引入基础的光学原理，解释为何颜色在不同光照条件下会发生变化，这直接关系到如何在画布上真实地记录瞬间的光影。 光线的物理性与绘画中的主观性： 探讨伦勃朗对“关键光”的偏爱，以及这种选择如何服务于叙事目的，而非仅仅是客观记录。 透视法的几何学与心理学： 详细解析文艺复兴时期确立的线性透视法，并对比空气透视（或称色彩透视）在营造空间深度中的微妙作用。重点分析透视在引导观者视线和构建画面“秩序感”上的功能。 第二章：色彩的语言：调色、混合与情绪的渲染 本章侧重于油画媒介的化学特性和色彩理论在实际运用中的转化。我们不教授如何调配基础的灰色，而是深入研究如何通过色彩的并置（而非充分混合）来达到色彩的“增亮”效果，这在印象派及后印象派的实践中尤为关键。 颜料的演变史： 从矿物颜料到合成颜料的过渡，分析不同时期画家可用的“调色板”如何限制或拓展了他们的表达范围。例如，对早期群青（Lapis Lazuli）的珍视与后来普鲁士蓝的出现带来的影响。 光与色的关系： 深入研究色彩的“冷暖对比”与“明度对比”在平衡画面（Balance）中的作用。探讨色彩在文化语境下的象征意义，例如特定颜色的宗教或政治内涵。 --- 第二部分：技法精粹——油画的材料学与层构 第三章：基底的秘密：准备画布与多层结构 油画的持久性与其底层的准备工作息息相关。本章将详细考察从木板到亚麻布的选择，以及不同底料（如石膏、动物胶和油基底料）对方形画幅的最终光感产生的影响。 Gesso的现代与古典配方： 对比传统使用骨胶的“熟底”与现代丙烯底料的特性，以及它们对颜料附着力和油性渗透的影响。 “湿碰湿”与“层涂法”的辩证： 详尽解析鲁本斯式的快速堆叠法（Alla Prima）与提香、老帕尔米贾尼诺所偏好的，需要数月干燥时间的“油层-色层-罩光层”的复杂结构。重点讨论“灰底色”（Imprimatura）在统一画面色调中的基础性作用。 第四章：笔触的叙事：从精确到自由的笔锋运用 笔触（Brushwork）是画家个性最直接的签名。本章旨在区分不同笔触的技法目的，从古典大师追求的“隐形笔触”到现代表现主义的“可见笔触”。 雕塑性的笔触： 分析卡拉瓦乔如何使用厚涂（Impasto）来增强特定区域的光照感和物质感，使形象仿佛从画布中“凸显”出来。 纹理的控制： 探讨使用不同硬度和形状的画笔（如貂毛、猪鬃）以及辅助工具（如刮刀、布块）如何创造出不同的表面纹理，以区分皮肤的柔软、织物的粗糙或金属的光滑。 --- 第三部分：历史的坐标——大师的遗产与风格的演进 第五章：17世纪荷兰的室内光景：日常的史诗 本章将聚焦于荷兰“小画派”对绘画主题的革新，特别是他们对室内场景、静物和风俗画的细腻描绘，这与意大利宏大的历史画形成了鲜明对比。 维米尔的光学幻觉： 通过对《倒牛奶的女仆》等作品的细致分析，探讨维米尔是否使用了“暗箱”（Camera Obscura）来捕捉极端精确的光斑和景深，以及这对油画媒介带来的启示。 静物的精神性： 解析荷兰静物画中的“虚空派”（Vanitas）主题，探讨水果、钟表和熄灭的蜡烛如何成为对生命短暂性的哲学隐喻，以及这种“道德教化”如何被精湛的绘画技艺所包裹。 第六章：从古典主义到浪漫主义的张力 本部分追溯了从拉斐尔式的理想化人物形象到德拉克洛瓦式激情喷发的演变过程，核心在于“节制”与“激情”之间的永恒拉锯战。 理想化的人物形态： 分析古典学院派对人体解剖学的严格要求，以及如何通过精确的“明暗渐层”（Sfumato的变体）来达到永恒的美感。 情感的爆发与笔触的释放： 对比尼古拉斯·普桑的沉静与戈雅的狂暴，探讨艺术家如何在不牺牲视觉可信度的前提下，将个人的焦虑、恐惧或狂喜注入到画布之中。 --- 第四部分：当代反思——媒介的边界与绘画的未来 第七章：具象的回归与媒介的拓宽 在摄影术和数字媒体高度发达的今天，纯粹的具象绘画如何保有其存在的价值？本章将探讨当代艺术家对古典传统的挪用与颠覆。 对复制的质疑： 分析安迪·沃霍尔的丝网印刷与传统绘画的关系，以及当代艺术家如何利用绘画的“慢”来对抗数字时代的“快”。 材料的延伸： 考察当代艺术家如何将树脂、沙子、混合媒介引入油画，挑战油画“纯粹性”的观念，并将绘画从二维平面拓展至雕塑性的体验。 第八章：作家的自我修养：审美判断与批判性思维 本书的最终目标是培养观者和创作者的“审美判断力”，而非简单的技能复制。本章鼓励读者建立自己的视觉词汇库，并对作品的“意图性”进行深度剖析。 从模仿到创造的跨越： 强调艺术学习的最终阶段是放下对既有大师的盲目崇拜，将所学的技术内化为自身表达的工具。 策展人式的自我审视： 引导读者学会像策展人一样审视自己的作品，思考每一笔、每一种颜色是否都服务于作品的中心思想，以及如何构建一个连贯的艺术“论点”。 --- 结语： 本书是一份对视觉艺术浩瀚领域的深度导览，它关于油彩的化学、历史的沉淀、人眼的奥秘，以及心灵对永恒之美的捕捉尝试。它期望引导读者，通过对光影、结构和材料的精微理解，最终实现与历史对话、与自我对话的艺术实践。

评分☆☆☆☆☆

这本画册真是让人眼前一亮，尤其是对于像我这样对绘画一直怀有好奇心，但又苦于没有门路的初学者来说，简直是打开了一扇新世界的大门。书中的排版设计非常讲究，每一页的留白和图文比例都拿捏得恰到好处，让人在学习过程中感到非常舒适，不会有那种被密集信息压迫的疲惫感。我尤其欣赏它对基础理论的讲解方式，没有用那些晦涩难懂的术语，而是用非常生活化的语言，把透视、光影这些看似高深的知识点，分解成一个个可以立刻上手的小练习。比如，书中关于“如何观察一个简单的几何体”的章节，作者没有直接教你怎么画出完美的立方体，而是引导你去观察你身边的一个方糖或者一个积木块，从它的边缘、面与面的交汇处入手，这个过程非常自然，让你感觉自己不是在“学画画”，而是在“学看世界”。我尝试着跟着书中的步骤，拿起一支最普通的铅笔，对着窗外的树影就开始涂抹，虽然初期的成品惨不忍睹，但那种从“看不懂”到“有点感觉了”的跨越，极大地激发了我的自信心。它真正做到了，让入门变得不再是那么令人望而生畏。

评分☆☆☆☆☆

作为一本艺术类书籍，它的实用性常常是衡量其价值的重要标准，而这本书在“工具与材料”这一块的探讨深度，是很多同类书籍望尘莫及的。它并没有停留在“你需要HB、2B铅笔”的肤浅介绍上，而是深入讲解了不同硬度石墨与不同纸张纤维摩擦时产生的视觉效果差异。更细致地，它还探讨了橡皮擦在画面中的作用，如何用可塑橡皮进行提亮，如何用硬边橡皮擦出精准的高光线条，这些都是实践中非常微妙却决定成败的技巧。作者甚至还分享了他对于不同品牌画材的个人偏好和使用心得，这对于刚接触美术用品的读者来说，无疑是一份极其宝贵的“避坑指南”。这种对专业细节的深度挖掘，让我感觉自己不仅仅是在阅读一本教材，更像是在聆听一位资深艺术家分享他多年积累下来的“行业秘密”。这种全面的覆盖度和实用指导性，让这本书成为了我案头必备的参考手册，而不是一本看完就束之高阁的教程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张选择，也体现出一种匠人精神，这对于一个注重体验的学习者来说非常重要。内页采用了哑光处理的优质纸张，吸墨性极佳，即便是使用炭笔或者高硬度的石墨，也不会出现墨色洇开或者纸张起毛的现象。更让我惊喜的是，它收录了大量的“现场写生速览”。这些速览并不是成品展示，而是充满了修改痕迹、草稿思路和作者当时的思考批注的记录。我常常对着这些“不完美”的草稿出神，因为它们比那些打磨到无可挑剔的最终作品更能提供指导意义。它揭示了艺术创作中必然存在的试错过程，让我不再害怕下笔，敢于在纸上进行大胆的、实验性的尝试。这本书像一位经验丰富的导师，他不仅告诉你正确的做法，更坦诚地展示了自己走过的弯路和顿悟的瞬间。这种开放和真诚的态度，极大地拉近了读者与作者之间的距离，让学习过程充满了探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这类“从入门到精通”的书籍总是持保留态度的，因为很多这类书籍往往在前期的入门部分做得还算用心，一旦进入到所谓的“精通”阶段，内容就变得空泛，或者干脆堆砌一些复杂的、脱离实际的案例。但这本画集完全颠覆了我的印象。当我深入到中后期的章节时，我发现作者的功力展现得淋漓尽致。他没有直接跳跃到宏大叙事，而是聚焦于“细节的打磨”。比如，对不同材质表现的专题分析，从粗粝的岩石纹理到光滑的水面反光，作者展示了如何通过线条的疏密、笔触的力度来模拟这些质感，并且给出了大量的对比图，这种“Before & After”的直观展示，比任何理论描述都要来得有力。我特别喜欢其中关于“氛围感”营造的探讨，它不再是单纯的技术教学，而是上升到了艺术表达的层面，教你如何在画面中注入情绪。这种循序渐进、层层递进的编排，让人感觉每学完一个阶段，自己的“内功”都实实在在地提升了一截，而不是空有一堆技巧却不知如何运用。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括这本书带给我的最大影响，那一定是“结构化思维”。在学习素描的过程中，最大的挑战往往不是手部肌肉的协调性，而是大脑里关于“空间”和“形体”的构建能力。这本书在这方面做得极其出色，它用一套非常清晰的逻辑框架，将复杂的自然场景解构成了最基本的几何体和明暗关系。它教授的不是如何“复制”眼前的景象，而是如何“理解”它。我发现，当我开始用这种结构化的视角去看待周围的世界时，比如看到一座建筑，我不再是零散地关注它的窗户、屋顶，而是首先在大脑中构建出它的基础体块，然后才去填充细节。这种思维方式的转变，是这本书给我带来的最高价值，它甚至超越了绘画技巧本身，对我的观察力和逻辑分析能力都有潜移默化的提升。这种由内而外的启发，远比单纯的“描摹”来得深刻和持久。