爵士贝司 低音提琴和贝司吉他 内附CD JAZZ BASS贝司教材 爵士贝司教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 爵士贝司
• 低音提琴
• 贝司吉他
• 教材
• 教程
• 音乐
• 乐器
• JAZZ BASS
• 贝斯
• 学习

店铺： 文宇图书专营店

出版社： 吉林电子出版社

ISBN：9787900393753

商品编码：29561860362

出版时间：2014-09-01

商品详情

探索低音的无限可能：爵士低音演奏的精深之道 一部深度剖析现代爵士贝斯艺术的综合指南 本书旨在为所有对爵士乐低音演奏艺术抱有热忱，并渴望系统提升技艺的音乐人提供一份详尽、深入的参考资料。它避开了对基础乐理的赘述，直接切入爵士低音风格的核心要义，专注于如何在贝斯（无论是传统低音提琴还是电贝司）上构建扎实的和声语汇、精湛的节奏律动以及独具个性的即兴思维。 本书的编排逻辑遵循从理论基础到实践运用的递进路径，结构严谨，内容充实。 --- 第一部分：爵士低音的根基——和声与节奏的深度融合 本部分是理解和演奏现代爵士贝斯的理论基石，重点阐明了行走贝斯线（Walking Bass Line）的构造哲学，而非简单的音符堆砌。 第一章：和声的视觉化与指板映射 (Harmonic Mapping) 我们深入探讨如何将复杂的和声结构“翻译”成有效的贝斯音型。内容覆盖： 功能和声的再审视： 如何在I-IV-V、ii-V-I等核心进行中，精确地选择根音、三音、五音和七音，并策略性地引入导音和经过音。 延伸音的运用策略： 针对九音、十一音和十三音，讨论其在行进贝斯线中的“装饰”与“推进”作用。如何区分11和b13的使用场景。 和弦色彩的贝斯表达： 探索大小调和弦、属七和弦（包括Alteration的属和弦）在贝斯声部中如何确立和烘托整体的音乐情绪。我们详细分析了如何运用b5和5来增强进行张力。 指板的几何学： 建立起对整个指板的立体感知，不再依赖记忆片段化的音型，而是理解音程关系在指板上的规律分布，确保行走线在不同把位间的流畅转换。 第二章：律动的核心——节奏的精确性与弹性 (Rhythmic Precision and Elasticity) 爵士乐的精髓在于其独特的“摇摆感”（Swing Feel）。本章着重于如何通过指法和对时间的精确控制，塑造出富有生命力的低音律动。 摇摆感的解构与重构： 细致分析三连音结构中的长短音时值分配，并区分不同时代（如早期的摇摆乐、硬波普到后来的融合爵士）对摇摆感细微差别的处理。 切分音（Syncopation）的应用： 探讨如何在主导节奏（通常是鼓的踩镲）的基础上，利用切分音来制造节奏的“推拉感”，保持行进线的驱动力。 节奏模式的变化： 除了标准的四分音符行走外，我们引入了八分音符的密集填充、节奏停顿（Rhythmic Gaps）的技巧，以及如何在保持低音支撑的前提下，偶尔采用半拍的跳跃来增加音乐的呼吸感。 与鼓手的对话： 强调贝斯手与鼓手（特别是低音鼓和踩镲）之间即时反馈的重要性，以及如何通过微调力度和时值来锁定乐队的共同律动中心。 --- 第二部分：风格的演进——从传统到现代的技法精炼 本部分将视角转向不同爵士乐流派对低音演奏的具体要求，提供针对性的技术训练方案。 第三章：传统与摇摆乐的坚实基础 (Traditional & Swing Era Foundation) Walking Bass的典范分析： 选取如Walter Page, Ray Brown等大师的经典案例，分析其行进线的结构特点——强调根音、五音的稳定性和音符间的级进连接。 大乐队中的角色： 讨论在大型乐队编制中，低音声部如何平衡音量、穿透力以及与铜管组的衔接。 旋律导向的低音： 探讨如何将简单的和弦进行转化为具有歌唱性的低音旋律片段，为后来的Solo奠定基础。 第四章：硬波普与灵巧的指法 (Hard Bop and Dexterous Fingering) 速度与清晰度的挑战： 针对Art Blakey乐队时期对速度和律动强度的要求，提供针对性的指法练习，确保在高密度音符下，每个音符的发音依然清晰可辨。 和声的复杂化： 深入研究如Horace Silver等作曲家中频繁出现的和声替换，以及贝斯手如何快速反应并构建出既支撑和声又充满活力的线条。 Slap技巧的融入： 在特定情况下（如Funky Jazz的过渡期），分析Slap（拍弦）技巧在硬波普中作为节奏强调的微妙运用。 第五章：现代爵士的声部展开 (Voicing and Modern Expansion) 本章是本书的难点和亮点，专注于如何将低音提琴或五弦贝斯的功能扩展到更广阔的音域和更复杂的和声环境中。 高把位的探索与音色控制： 对于使用低音提琴的演奏者，详细讲解如何有效利用高把位（Position）演奏Solo段落，以及如何控制音色（Tone）以适应现代混音的需求（如更“歌唱性”或“更靠前”的音色）。 五弦贝斯（或六弦）的和声潜力： 针对电贝司手，重点分析低音C弦或B弦的引入如何改变了和弦的根音选择和行进线的视觉布局，以及如何利用低音区的延音来营造更厚重的“铺垫”。 音墙的构建： 讨论如何利用音色处理（如轻微的压缩、失真或箱体模拟）来使贝斯线在融合爵士或前卫爵士中，能够与其他乐器（如键盘）共同构建出“音墙”。 --- 第三部分：即兴的自由——从伴奏到独奏的飞跃 低音手的角色不仅是节奏的基石，更是和声的“架构师”和即兴的“引导者”。 第六章：伴奏的艺术——让Solo者发光 (The Art of Comping) 空间感与动力学： 阐释何时该演奏密集的全音符，何时该留白让其他乐器发声。动力学（Dynamics）在伴奏中的重要性，如何通过音量变化来“推动”或“安抚”即兴者。 和声的“暗示”而非“宣告”： 学习如何在不与和弦乐器发生冲突的情况下，用低音线的变化来“暗示”即将到来的和弦转位或替换，提供微妙的和声提示。 Call and Response的实践： 如何在即兴段落中，用简短的低音乐句回应Solo者的乐句，形成对话感。 第七章：贝斯独奏的结构与语汇 (Bass Solo Structure and Vocabulary) 本章提供了一套从零开始构建完整贝斯独奏的实操框架。 主题动机的提炼： 强调独奏的连贯性，从主题（Head）中提取核心动机（Motif），并在整个Solo中进行发展、变奏和转位。 多声部思维（Polyphony）： 针对低音提琴，详细介绍如何通过分离演奏（如左手按弦，右手拨弦或弓奏）来模拟双重或三重声部的效果，使独奏听起来更像一个完整的乐章。 节奏的释放： 讨论在独奏段落中，如何暂时摆脱严格的四分音符行走，转而采用更自由的节奏型、琶音连奏，甚至短时间的无伴奏段落（A Capella Sections）。 颤音、滑音与音色变化在独奏中的作用： 深入探讨如大提琴般的揉弦（Vibrato）、快速滑音（Glissando）和敲击技巧（Percussive Techniques）如何丰富独奏的表达力。 --- 结语：持续的探索与个人声音的塑造 本书提供的所有技术和理论，都旨在帮助演奏者构建一个坚实的技术平台。真正的爵士乐精神在于探索和表达演奏者自身对音乐的理解。最后，我们鼓励读者将这些知识融会贯通，最终形成具有辨识度的个人“贝斯声音”。本书不提供标准答案，只提供精良的工具和深入的路线图，引领您在爵士低音的广阔天地中，开创属于自己的音乐旅程。

评分☆☆☆☆☆

其实，很多贝司教材的通病在于，它们往往将重点过多地放在了“弹奏什么音符”上，而忽略了“如何与鼓手配合”这个更为核心的问题。爵士乐的律动（Groove）是建立在贝司和鼓之间精确而又松弛的对话之上的。我希望这本书能提供一些关于鼓镲（Ride Cymbal）的节奏型与Walking Bass Line之间相互作用的详尽分析。例如，当鼓手在特定时刻强调了“和”音时，贝司手应该如何调整自己的时值和重音来回应，以达到那种“一体两面”的律动效果？书中是否有专门的章节来讨论如何“听”鼓手，而不是仅仅“跟着”鼓手？此外，对于合奏（Ensemble Playing）的技巧也十分重要。当乐队进入即兴独奏环节时，贝司手的角色会发生微妙的变化，从支撑者变成一个“隐形的引导者”。如何在高声部演奏者进行复杂旋律时，既要保持和声的稳定，又要适当地“烘托”气氛，这需要精妙的力度控制和音符选择。我渴望找到关于这种“舞台意识”的指导，而非仅仅是枯燥的音符排列。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实挺吸引眼球的，那种深邃的蓝色调配上烫金的字体，立刻就能让人联想到夜晚爵士酒吧里慵懒而又充满激情的氛围。我最初买它，纯粹是出于对低音乐器在爵士乐中角色的好奇。我一直觉得，低音提琴或贝司吉他就像是爵士乐的骨架，它不一定总在最前端炫技，但没有它，整个乐队的律动和根音就无从谈起。所以，我满心期待能在这本书里找到一些关于如何在和弦进行中精准定位根音、如何用Walking Bass Lines构建起稳定的节奏律动的高级技巧。比如，我想知道如何处理那些复杂的九和弦、十一和弦甚至是十三和弦时，贝司手应该如何选择最能推动和声前进的音符。我也特别留意了书中是否涉及到了即兴演奏的理论基础，比如如何将布鲁斯音阶、调式音阶与和弦结构进行有机的结合，而不是简单地在既定的音符上做重复的填充。如果它能深入讲解一些经典爵士乐章中贝司部分的标志性处理方式，那就更完美了。毕竟，理论知识再多，不如学到一两个真正能让演奏“听起来像爵士”的精髓。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我更偏爱那种带有浓厚布鲁斯根源色彩的爵士乐，那种粗粝感和泥土气息是现代电子乐永远无法替代的。因此，我希望这本书能在基础练习之外，花大量篇幅去探讨如何将贝司的演奏与人声化的表达结合起来。所谓“人声化”，就是让你的贝司线像一个叙事者，有起承转合，有情绪的起伏。比如，在慢速的Ballad中，如何用推弦、滑音或者细微的力度变化来模仿人声的叹息和呻吟？在快节奏的Bebop段落里，如何通过音符时值的细微错位来营造出一种“赶着”但又“游刃有余”的张力？我手里有一些教材，它们更多地是机械地告诉你“一拍上根音，二拍三音，三拍五音，四拍七音”的万能公式。我真正想知道的是，当面对John Coltrane那种快速变化的和声时，我们该如何打破这个公式，让我们的贝司线保持有机性和流动性，而不是听起来像是在数拍子。这本书如果能提供一些深入的听力训练素材，对比不同风格大师的贝司演奏是如何处理这些细微差别的，那价值就不可估量了。

评分☆☆☆☆☆

我阅读乐谱和六线谱的能力还算不错，但对于爵士乐特有的符号系统，比如和弦图示和特定的演奏记号，我总觉得需要更专业的指导。这本书如果能提供一个清晰的图例，解释那些在老式Aebersold教材中常见的、但现代教材中越来越少的符号含义，对我理解早期爵士乐谱将大有裨益。更重要的是，我希望能深入了解爵士乐中的“律动感”是如何在纸面上体现的。例如，Swing Feel（摇摆律动）到底应该如何精确地被记谱和演奏？是严格的三连音分解，还是更偏向于“即兴的错位”？我一直对一些大师演奏中那种看似随性却又无比精准的节奏处理感到着迷。如果书中能附带一些录音范例，让我可以对照乐谱，亲自分辨出什么是“弹在了点上”（On the Beat），什么是“略微滞后”（Slightly Behind），从而通过耳朵来校准我的演奏感觉，那才算得上是一本真正实用的教程。这种“视觉与听觉的桥梁”对于学习复杂节奏型至关重要。

评分☆☆☆☆☆

我对现代爵士乐，尤其是融合了放克（Funk）元素的前卫爵士（Avant-garde Jazz）非常感兴趣。我设想，一本全面的教材应该能涵盖从传统摇摆（Swing）到更现代的节奏型态的演变。特别是对于贝司吉他（Bass Guitar）的演奏者来说，如何利用电贝司的音色特性去弥补传统低音提琴在音色持续性上的不足，是一个非常实际的问题。我期待看到书中对于音色塑造（Tone Shaping）的讨论，比如如何使用不同的拾音器、音箱设置，乃至效果器（如失真、合唱或哇音踏板）来适应不同的爵士子风格。在节奏部分，我特别关注了复节奏（Polyrhythm）的应用，比如如何在四四拍的基础上，隐约地嵌入三连音或者五连音的感觉，从而创造出更复杂的律动层次。如果这本书能够提供一些专门针对电贝司演奏者的高把位音阶和指板乐句练习，帮助我们更好地在指板上移动并进行旋律性的独奏，那对我来说无疑是一本绝佳的进阶指南。