樊祖荫和声研究文集当代作曲技术理论系列图书籍音乐教材正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：樊祖荫和声研究文集当代作曲技术理论系列图书籍音乐教材正版

商品编号：29579348552

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787552313758

编辑推荐

《樊祖荫和声研究文集》由上海音乐出版社出版。

作者简介

樊祖荫，1940年出生，浙江余姚人。1956年至1964年期间在上海音乐学院附中与本科学习作曲，1964年转至中国音乐学院深造并于次年毕业，之后长期在中国音乐学院与中央音乐学院轮流执教。发表各类体裁的音乐作品两百余首，音乐学术论文百余篇，主要著作有《中国多声部民歌研究》《中国五声性调式和声的理论与方法》《歌曲写作教程》《和声写作教程》《音乐与人》等。1992年起享受国务院颁发的政府特殊津贴，1995年获文化部优秀教材二等奖，1999年获文化部首届“区永熙优秀音乐教育奖”，2006年获文化部文化艺术科学优秀成果二等奖。历任中国音乐学院音乐研究所副所长、教务处处长、作曲系主任、副院长、院长，《中国音乐》主编，中国传统音乐学会副会长，中国少数民族音乐学会会长等职；现为中国音乐学院二级教授、博士生导师，国家非物质文化遗产保护工作专家委员会委员。

目录

前言
代序中国民族多声部音乐理论的集大成者
——樊祖荫教授的民族多声理论研究与学术成就述评
1.五声性调式和声研究三题
2.关于五声性调式的远关系转调及其和声处理
3.“综合调式性七声音阶”的理论及其创作实践研究
4.论马思聪《中国民歌新唱》中的和声技法
5.马思聪晚期小提琴作品中的和声技法
——以四部小提琴乐曲为例
6.黄虎威音乐作品中的调性拓展技法研究
7.一部呕心沥血铸就的传统和声学巨著
——评黄虎威著《（和声学教程）习题解答》
8.王建元著《应用和声学》序言
9.王萃著《武满彻和声技法研究》序言
10.近现代和声中的平行进行
11.我国民间多声与西方近现代和声
12.和而不同与不同而和
——中国传统多声部音乐的思维特征与中西多声结构差异原因之探究
13.对音乐院校本科作曲专业和声教学改革的思考
附录
1.56首小曲，56朵小花
——评介樊祖荫的《儿童钢琴小曲》
2.一本中国五声性调式和声的重要论著
——评樊祖荫的《中国五声性调式和声的理论与方法》
3.梳理与创新
——评樊祖荫《中国五声性调式和声的理论与方法》之学术特色

好的，这是一本关于音乐创作与理论的综合性教材的简介： 《和声的逻辑与创新：二十世纪以来音乐语言的演变与实践》 本书导览：探索和声学的边界与未来 在音乐创作的广阔领域中，和声始终是构建音乐织体、赋予作品情感深度与结构张力的核心要素。本书《和声的逻辑与创新：二十世纪以来音乐语言的演变与实践》，并非对传统和声体系的简单重述，而是旨在提供一个深入、前瞻性的视角，剖析自浪漫主义晚期至当代，西方音乐和声语言如何经历革命性的演变，以及这些变化如何影响了作曲家的创作实践。 本书的核心关注点在于“超越调性”的语境下，和声如何作为一种结构性工具而非仅仅是音响美学的追求，被重新定义和运用。我们不探讨特定作曲家或学派的传记性研究，而是聚焦于理论建构、技法分析与创作应用之间的深刻互动。 第一部分：从功能和声的瓦解到集合理论的兴起 本部分首先回顾了晚期浪漫主义和声语言的极端发展，特别是对传统调性和声功能层级的挑战。我们将详细分析如何通过非功能性的和弦连接、增值和弦以及半音和声的密集运用，削弱了主导性与解决的必然性。 随后，重点转向二十世纪初的“无调性”探索。我们详细阐述了阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）提出的“十二音系统”（Dodecaphony）的数学化基础及其对传统和声布局的根本性颠覆。本书深入解析了音列（Tone Row）的生成、转换（Prime, Retrograde, Inversion）及其在垂直（和声）和水平（旋律）维度上的组织规律。此处，和声不再是基于功能导向的垂直组合，而是音高序列的衍生结果。 紧接着，我们将目光投向更具泛调性色彩的集合理论（Set Theory）。我们引入了艾伦·福特（Allen Forte）等音乐学家建立的分析框架，用以系统性地描述和比较无调性音乐中的音高集合。通过对音高类（Pitch Class）、最小完整集合（Prime Forms）和集合类（Set Classes）的精确界定，本书展示了如何使用数学工具来识别和分析那些在传统听觉感知中难以捉摸的、潜藏在复杂和声结构背后的内在逻辑。这部分内容对于理解魏本（Webern）、巴比特（Babbitt）等作曲家的结构性思维至关重要。 第二部分：新的音响领域——色彩、集群与泛调性实践 本书的第二部分着眼于那些未完全依附于十二音体系，却同样拓展了和声疆域的创作流派。 集群与音响块（Tone Cluster and Blocks）： 我们探讨了亨利·考威尔（Henry Cowell）、利盖蒂（Ligeti）等人对音高密集度的探索。集群不再被视为不和谐的噪音，而是被视为一种具有特定密度、质感和空间感的“音响块”。分析的重点将集中于如何通过控制集群的宽度、内部音高的分布以及与背景节奏的张力，来构建宏大的、静态的和声场域，这与传统旋律发展的动态逻辑形成了鲜明对比。 泛调性与模态和声的复兴： 本部分深入分析了德彪西（Debussy）及后来的“新罗马尼亚主义”中对中古调式（Modes）的和声运用。我们区分了“调式色彩”与“功能调性”的差异，强调了调式和声如何通过特定的音程关系（如四度叠置、增六和弦的非功能性使用）来创造一种开放、流动且非解决性的听觉体验。这部分内容为理解二十世纪中后期，尤其是美国作曲家（如科普兰、梅西安的部分作品）如何借鉴民间音乐和非西方音乐资源，构建具有本土色彩的和声语言提供了理论基础。 第三部分：过程性与计算机辅助下的和声生成 本书的后半部分转向更具现代性的创作方法论，探讨和声作为一种“过程”而非“实体”的概念。 马赛克式（Mosaic）与基于参数的组织： 我们研究了奥利弗·梅西安（Olivier Messiaen）对各种“节奏模式”和“调式移位”的系统化运用。梅西安的和声实践，是将特定音高集合、特定节奏型以及特定色彩的音响块进行拼接、叠加与变换的“过程”。分析将侧重于这些参数（如音高、节奏、力度、音色）如何在和声层面上相互耦合，以形成复杂但具有内在秩序的结构。 随机性与概率和声： 本部分将介绍约翰·凯奇（John Cage）及其同仁如何引入概率论和东方哲学思想来消解作曲家的主观意图，从而影响和声的生成。从“机遇操作”（Chance Operations）到后来的算法生成，我们探讨了如何设计一套规则系统，使和声的展开成为一个不可预知的、但受控的物理过程。 第四部分：当代和声的应用与未来展望 最后一部分聚焦于当代作曲家的前沿实践。我们将分析如何将上述理论工具——集合理论、集群密度、过程组织——融入到更复杂的、多层次的作曲框架中。例如，对“泛包容性和声”（Pan-Diatonicism）的探讨，即如何在调性与无调性之间保持一种动态的张力，使得作品既有对传统音响的指涉，又不被其束缚。 本书旨在为严肃音乐的创作者、分析家以及音乐理论研究者提供一个坚实的理论武器库，引导读者超越对传统“正确”与“错误”和声的判断，转而关注和声在不同音乐语境下所承载的结构性、美学性和观念性的功能。它鼓励对现有和声材料进行解构、重组和创新，从而为未来的音乐探索提供清晰的理论路径。

评分☆☆☆☆☆

《和声的魔力：从古典到现代的色彩探索》这本书简直是音乐学习者的福音！我作为一个业余的钢琴爱好者，一直觉得和声理论枯燥乏味，那些密密麻麻的规则和谱例看得我头晕脑胀。但是这本书完全颠覆了我的认知。作者似乎拥有一种神奇的魔力，他能将最复杂的对位和声原理，用极其生动形象的比喻娓娓道来。比如，在讲解功能和声的进行时，他不再只是罗列那些“主、属、下属”的枯燥名词，而是将其比作一场情感的跌宕起伏，每一步转调、每一次不协和音的解决，都像是剧情的高潮和转折。我尤其喜欢其中关于“色彩和声”的章节，作者用丰富的配器实例，展示了如何通过增加副属和弦、借用和弦等手法，瞬间让一段平淡的旋律焕发出勃勃生机。读完这部分，我立刻尝试用刚学会的新技巧去改编我以前弹奏的肖邦夜曲片段，那种豁然开朗的感觉，简直比吃了一颗糖还甜。这本书的排版设计也非常人性化，大量的图示和精选的乐曲片段，让枯燥的学习过程变得像在欣赏艺术品。它不是高高在上的学术理论，更像是身边一位循循善诱的良师益友，让你在不知不觉中，爱上了和声这门深奥的学问。这本书让我看到了音乐结构背后的美学逻辑，极大地提升了我的音乐理解力和即兴创作的信心。

评分☆☆☆☆☆

我一直对浪漫主义晚期，特别是瓦格纳之后，音乐语言的演变过程充满了好奇。那种宏大、充满张力的和声语言，如何一步步走向解体并催生出新的音乐形式？《浪漫主义的终结与二十世纪初的和声边界拓展》这本书，为我提供了一张清晰的“地质年代图”。作者并非简单地罗列了勋伯格或德彪西的作品，而是通过对大量被忽视的过渡性作曲家（如施特劳斯晚期、以及某些斯堪的纳维亚作曲家）的深入剖析，描绘出传统调性是如何在张力中被“拉伸”到极限的。书中对于“半音化”的铺陈尤为精彩，作者展示了和弦内音如何逐渐脱离原有的功能束缚，成为一种纯粹的音响色彩。书中对德彪西的五度音阶和全音阶和声的分析，更是颠覆了我过去认为它们是“随意”使用的看法，作者精确地指出了它们在特定结构中如何服务于一种“静态的、非推进性”的音乐时间观。这本书的文献引用极为扎实，学术性很高，但行文流畅，充满了对音乐家内心挣扎的洞察。它让你理解，这些和声变革并非是凭空出现的，而是对特定时代文化和哲学思潮的必然回应。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上很多探讨作曲技术的书，往往将重点放在了“怎么写”，而忽略了“为什么这样写”。《作曲家思维的深度解析：从动机发展到宏大结构》这本书，则将重点放在了作曲家的“思维模型”上。它不拘泥于某一种特定的和声体系或配器手法，而是探讨了音乐思维的通用原则：如何从一个微小的音乐“细胞”（动机）出发，通过节奏的分割、音高的变奏、对位的手法，最终构建出一个具有内在逻辑的、多层次的音乐结构。我特别喜欢书中对于“主题发展”的探讨，作者深入分析了贝多芬如何处理他的动机，不仅仅是简单的再现或转调，而是如何通过改变节奏的语境，让同一个动机在不同的和声背景下产生全新的情感意义。这本书的视角是宏观的、哲学的，它教你的不是和弦的排列组合，而是如何培养一种系统性的、有目的性的音乐构造能力。读完后，我感觉自己不再是一个只会套用和弦进行的小学生，而是开始学习如何成为一个建筑师，思考我的音乐“大厦”的承重结构和空间布局。它极大地拓宽了我对“创作”一词的理解，让我在面对空白乐谱时，多了一份沉着和远见。

评分☆☆☆☆☆

我花了相当长的时间去寻找一本能真正将二十世纪及以后作曲技巧系统化的教材，市面上大部分书籍在进入序列主义、十二音体系或者电子音乐配器法时，往往戛然而止，要么过于注重历史回顾，要么内容零散得像是论文集锦。《现代作曲技法解析：结构与音响的重塑》这本书，则提供了一个非常完整的框架。它的叙事逻辑是从传统调性的瓦解开始，层层递进地探讨了勋伯格的十二音体系如何被发展和修正，接着深入到梅西安的音值和色彩理论，最后详尽地描绘了斯特拉文斯基晚期的序列手法以及极简主义（Minimalism）的结构重复美学。我特别赞赏作者处理“非功能性”和声的清晰度，他没有强迫读者去“感受”那些非传统的音响，而是用严谨的数学和逻辑工具，解释了这些新结构是如何被构建和控制的。书中对于如何处理音高的密度、节奏的复杂性以及音色的空间布局，都有着非常具体的范例和分析。对于正在撰写毕业作品，需要跨越传统藩篱的作曲系学生来说，这本书无疑是一部不可替代的实战手册。它不是提供“配方”，而是教你如何“设计工厂”，让你掌握在新语境下组织音乐材料的底层逻辑。读完它，你对“噪音”和“音乐”的界限会产生全新的思考。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院低年级的学生，我深刻体会到理论学习与实际演奏脱节的痛苦。我们总是被要求背诵大量的和声规则，却无法在合奏练习中快速反应和内化这些知识。《听觉训练与和声实践的桥梁》这本书的价值就在于，它完美地弥合了“耳听”与“手写/手弹”之间的鸿沟。这本书的每一章都围绕着“听辨——再现——创造”的闭环展开。例如，在介绍减七和弦的转位时，书中不仅有详细的谱例分析，更附带了大量的听力练习，要求你听到一个不协和音程，立刻就能在脑海中定位到它在和声功能链中的位置。更绝妙的是，它将听觉训练融入到对位法的练习中，让你在听觉上确认两条独立声部如何相互作用，而不是仅仅依靠视觉去描摹线条。我发现，自从我开始系统地使用这本书附带的音频材料进行训练后，我在视唱练耳课上的进步神速，更重要的是，我在排练乐队时，能够更准确地预判和声的走向，避免了许多因“听觉滞后”造成的不和谐。这本书的精髓不在于让你成为一个记忆大师，而在于将抽象的和声概念，转化为扎根于感官体验的本能反应，让理论真正成为你音乐思维的一部分。