扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘达章 编

图书标签:

• 扬琴
• 民族乐器
• 演奏技巧
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• 乐器教材
• 音乐艺术
• 技巧与练习

店铺： 火把图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103017289

商品编码：29672253120

开本：16

出版时间：1999-09-01

基本信息

• 商品名称：扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书
• 作者：编者:刘达章
• 定价：40
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103017289

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1999-09-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：5
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：222

内容提要

这是一套入门的、普及性的、方便于读者学习的 初、中级器乐演奏教程，尤其是对于准备考级或者准 备继续考取高一级的学琴者具有较为实用的攻效。与 同类教程相比，本套教程在相对“速成”的基础上， 又不失循序渐进的科学性与严谨性。同时，为为增加 学习者的学习兴趣，力求在练习曲的编排上兼具一定 的趣味性，因此谓之“快乐音乐”。本教程会使你在 快乐的时光，快乐地“玩儿好”快乐的音乐。希望你 能在轻松快乐的氛围中，玩儿好你的“技巧与练”， 成为一位演奏快乐音乐的快乐音乐家。
     刘达章编的《扬琴演奏艺术(技巧与练习)》是本 套丛书之一册。在学习演奏技巧的顺序安排上分为三 个阶段：1.弹弦基础。2.轮竹技巧及和声、复调技法 。3.综合性技法。特别是本书对扬琴演奏中弹、轮、 颤、滑、点、拨、揉、勾等八大技法清晰明了的教授 ，会使你受益匪浅。

目录

第一章 概述
第一节 中国扬琴的历史及发展
一、早期传统扬琴
二、传统扬琴的发展
三、传统扬琴艺术流派的形成
四、当代扬琴的发展
第二节 扬琴的结构和各部名称
第三节 三种扬琴
一、401快速转调扬琴
二、广州十二平均律扬琴、敦煌81型扬琴
第四节 琴竹、琴架
一、琴竹
二、琴架
第二章 扬琴的演奏方法
第一节 演奏姿势
第二节 持琴竹方法
第三节 弹弦方法
一、正确的弹弦动作
二、准确掌握*佳发音点的技术动作
第四节 竹法及其运用
一、竹法
二、竹法的运用
第五节 演奏符号
第三章 扬琴的演奏技巧
第一节 弹弦技巧及其练习
一、单竹练习
二、双竹练习
三、单竹双音练习
四、几种类型的弹奏练习
五、弹弦技巧的综合练习
第二节 轮竹技巧及其练习
一、双竹轮练习
二、单竹轮练习
三、弹奏和声性两声部织体的练习
四、弹奏复调性两声部织体的练习
五、轮竹技巧的总综合连续
第三节 点弦技巧及其练习
一、顿音技巧及其练习
二、泛音技巧及其练习
第四节 拨弦与滑拨技巧及其练习
一、拨弦技巧及其练习
二、滑拨技巧及其练习
三、拨弦与滑拨技巧的综合练习
第五节 颤竹技巧及其练习
一、但颤竹练习
二、双颤竹练习
三、连续尝竹练习
第六节 滑竹机巧及其练习
一、单滑竹练习
二、双滑竹练习

《民族管弦乐合奏》：构建与实践的交响之旅 导言：民族管弦乐的时代脉搏 在二十一世纪的音乐舞台上，民族管弦乐以其独特的音色魅力和深厚的文化底蕴，正展现出蓬勃的生命力。它不仅是中华优秀传统文化的活态传承，更是当代音乐创作与演奏实践中探索民族音乐语言现代化的重要载体。《民族管弦乐合奏》一书，正是立足于这一时代背景，旨在系统梳理、深入剖析民族管弦乐合奏这一复杂而精妙的艺术形式，为音乐教育工作者、演奏者、指挥家以及爱好者提供一份全面而实用的理论与实践指南。本书并非单纯的乐器技法手册，而是聚焦于“合奏”这一核心概念，探讨如何将不同音色、不同特性、不同演奏传统的民族乐器有机地融合为一个整体，以期达到“一器一性，众器一音”的艺术效果。 第一部分：理论基石——民族管弦乐合奏的语境与构建 第一章：民族管弦乐的溯源与现代转型 本章首先追溯了中国民族音乐从古代宫廷雅乐、民间丝竹到近现代“新音乐”运动的发展脉络。重点分析了二十世纪中期以来，民族管弦乐团的建立与定型过程，探讨了在现代化进程中，民族乐器在音区、音域、表现力等方面所经历的调整与革新。通过梳理历史，明确了现代民族管弦乐合奏所继承的文化基因与所面对的时代挑战。 第二章：合奏的艺术哲学：从“个体”到“整体”的跨越 合奏的本质在于“和声”与“织体”。本章深入探讨了民族管弦乐合奏的艺术哲学，即如何在缺乏西方传统功能和声体系的情况下，构建出具有民族特色的和声色彩与织体结构。内容涵盖了民族音乐中的“复调性”处理、音色层次的划分（如“主旋律层”、“和音层”、“织体层”）、以及节奏的协同作用。强调了合奏中“音响美学”的构建，即如何通过乐器间的张弛有度，营造出浑厚、灵动或空灵的特定音响效果。 第三章：民族管弦乐队的编制与功能分析 详细介绍了现代民族管弦乐队的标准编制，包括吹管组（笛、箫、唢呐等）、拉弦组（二胡、板胡、高胡等）、弹拨组（琵琶、古筝、阮等）、打乐组（大鼓、定音锣、木鱼等）以及低音乐器组（大提琴、低音革胡等）。每一组乐器的音域特点、音色属性及其在合奏中常扮演的角色（如旋律承载者、织体填充物、色彩点缀等）进行了细致的功能定位分析。特别关注了对低音乐器组的重塑与拓展，这是现代民族管弦乐合奏得以丰满的关键。 第二部分：实践精要——合奏技法与指挥艺术 第四章：平衡与融合：不同声部间的互动策略 合奏的首要难题是音量平衡。本章聚焦于如何处理不同乐器组间的音量对比。例如，探讨了在演奏力度标记为“弱”时，唢呐组与竹笛组如何既能保持自身特性，又不对二胡组造成压制；如何利用琵琶的扫弦技巧与古筝的泛音技法来丰富和声的“颗粒感”。详细分析了“互补式”与“对比式”两种主要的声部互动策略，并辅以实例说明。 第五章：节奏的统一性与灵活性 在民族音乐中，节奏往往具有极强的弹性与自由度（如板眼、散板处理）。本章集中讨论了如何在合奏中实现节奏的精准统一，同时保留民族音乐特有的“呼吸感”。内容涉及指挥在处理自由节奏段落时对速度的微调控制、对特定打击乐器（如板、梆子）的精确启动与收束，以及如何通过乐器组间的节奏呼应来增强音乐的驱动力。 第六章：指挥的视角：驾驭整体的艺术 本章专门为民族管弦乐指挥设计。强调指挥在理解西方指挥法的基础上，必须深入掌握民族音乐的语汇与审美习惯。内容涵盖了：如何通过手势清晰地表达速度的细微变化（“打点”的民族化）、如何针对特定乐器（如古筝的轮指、二胡的揉弦）给予更具针对性的提示，以及如何在乐曲收尾时，精准地控制“气口”与“余韵”，实现富有文化意蕴的结束。 第三部分：作品的再现与创新 第七章：经典合奏曲的深度剖析 精选几部具有里程碑意义的民族管弦乐合奏作品，进行深入的结构分析与演奏处理探讨。分析将侧重于作品的“合奏织体设计”，例如，是如何将民间器乐曲牌进行“管弦化”改编，如何通过乐队的“分部配置”来模拟传统小型乐队的音响效果，以及如何运用现代配器技术来拓宽传统乐器的表现边界。 第八章：现代合奏的挑战与未来走向 本章展望了民族管弦乐合奏的未来发展方向。探讨了新一代作曲家在创作中如何吸纳世界音乐元素，如何利用电子技术辅助传统乐器，以及如何通过跨文化合作来探索新的合奏形态。同时，也提出了在普及教育中，如何平衡“守正”与“创新”的教学理念，鼓励演奏者在掌握基本功的同时，敢于在诠释中融入个人理解。 结语：交响之美，在于融合 《民族管弦乐合奏》旨在提供一个坚实的框架，帮助学习者理解民族管弦乐合奏的复杂性与丰富性。它强调的不是某一种乐器的辉煌，而是所有乐器共同构建出的、具有鲜明中华民族印记的宏大音响世界。掌握合奏的艺术，即是掌握了声音的组织、文化的传承与艺术的创造。 --- (总字数：约1510字)

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试自己编曲，但总觉得自己的和声处理听起来总有点“生硬”，缺乏流动性和色彩感。幸运的是，我找到了一本关于和声分析与配器的书籍，它的理论深度和实操指导的结合得恰到好处。这本书并没有停留在传统的“卡农进行”或者“功能和声”的讲解上，而是更深入地探讨了如何运用不同声部的织体变化来营造情绪。书中对于如何处理转调、如何运用色彩和弦的讲解，简直是醍醐灌顶。我特别喜欢它提供的“案例剖析”环节，作者选取了不同风格的经典乐曲片段，逐句分析了配器和声的选择逻辑，这比单纯的公式堆砌有效得多。读完前几章，我立刻尝试将学到的知识应用到我自己的作品中，效果立竿见影，我的音乐听起来一下子“丰满”了许多。这本书的价值就在于它真正教会你“如何思考”音乐的结构，而不是简单地告诉你“应该怎么做”。

评分☆☆☆☆☆

最近我开始学习民族管弦乐的配器法，这个领域资料相对稀缺，尤其是对年轻一代的配器师来说，如何结合传统音色与现代和声语言是一个大挑战。我找到了一本专注于民族乐器组建与织体构建的书籍，它的视角非常新颖。它没有简单地罗列二胡、琵琶的音域，而是深入分析了它们在交响乐编制中的“功能角色”和“音色互补性”。书中有一章专门讨论了如何用竹笛和箫来模拟管弦乐队中的长笛和单簧管，以及如何运用打击乐组来增强民族器乐的律动感，这些都是我在传统教材中找不到的干货。作者的语言严谨而富有激情，他强调配器不仅是技术的堆砌，更是对民族音乐灵魂的现代化转译。这本书对于我完善我的毕业设计起到了关键性的指导作用，它提供了一种务实且富有创造力的民族管弦乐配器思路。

评分☆☆☆☆☆

作为一名古典音乐爱好者，我一直在寻找一本能帮助我深入理解奏鸣曲式结构的书。市面上很多乐理书都把奏鸣曲写得过于复杂和抽象了。但是，这本我最近读到的书，简直是为我这种“想深入但怕被劝退”的读者准备的。它采用了“由浅入深，实例导向”的写作方法。首先，它用非常生动有趣的语言描述了奏鸣曲式的功能，比如把呈示部比作“矛盾的提出”，发展部比作“冲突的升级”，再到再现部的“最终和解”。然后，它选取了巴赫、莫扎特和贝多芬的标志性作品作为范例，手把手地带你拆解每一个乐段的动机发展和结构关系。特别是对贝多芬后期作品的处理，观点独到，充满了对作曲家内心世界的探寻。读完这本书，我再听贝多芬的钢琴奏鸣曲时，耳朵里仿佛多了一双“透视眼”，每一个音符的出现都有了明确的指向性，极大地提升了我的聆听体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的宝藏！我最近在研究如何更好地掌握视唱练耳的技巧，这本书提供的练习材料和讲解方式实在是太有针对性了。特别是对于那些在音准和节奏感上有些瓶颈的朋友，里面的“听辨与模仿”部分简直是量身定做。我记得我以前总是对那些复杂的调式转换感到头疼，但这本书用非常直观的图表和大量的实例，把理论知识拆解得非常细致，让我感觉不再是面对枯燥的乐理，而是在进行一场有趣的听觉游戏。作者的语言风格非常亲切，没有那种高高在上的学术腔调，读起来让人非常放松，也更容易沉下心去练习。更让我惊喜的是，书中还穿插了一些音乐史上的小故事，让我在学习技巧的同时，也能感受到音乐背后深厚的文化底蕴。这本书的排版设计也很用心，清晰易读，很适合日常翻阅和随时随地进行练习。我强烈推荐给所有正在为基础乐理学习发愁的音乐爱好者。

评分☆☆☆☆☆

我对爵士乐的历史和理论很感兴趣，但总觉得资料零散，很难形成一个系统的认知。偶然间翻到一本关于爵士乐即兴演奏的书籍，简直打开了新世界的大门。这本书的厉害之处在于，它没有过度纠缠于复杂的乐理术语，而是把重点放在了“感觉”和“逻辑”上。它详细解析了布鲁斯音阶、调式即兴的转换时机，以及如何通过“动机发展”来构建一段精彩的独奏。最让我受益匪浅的是，书中花了大量篇幅讨论了不同爵士乐手（比如迈尔斯·戴维斯、约翰·柯川）的“标志性语汇”——他们是如何用有限的音符创造出无限的可能性的。书中甚至提供了很多可以直接套用到不同和弦进行上的“Lick”（即兴片段），让初学者也能快速上手体验即兴的乐趣。这本书是理论与实践的完美结合体，非常适合想要从听众转变为参与者的爵士乐迷。