扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘达章 编

图书标签:

• 扬琴
• 民族乐器
• 演奏技巧
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• 乐器教材
• 音乐艺术
• 技巧与练习

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103017289

商品编码：29672867880

开本：16

出版时间：1999-09-01

基本信息

• 商品名称：扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书
• 作者：编者:刘达章
• 定价：40
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103017289

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1999-09-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：5
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：222

内容提要

这是一套入门的、普及性的、方便于读者学习的 初、中级器乐演奏教程，尤其是对于准备考级或者准 备继续考取高一级的学琴者具有较为实用的攻效。与 同类教程相比，本套教程在相对“速成”的基础上， 又不失循序渐进的科学性与严谨性。同时，为为增加 学习者的学习兴趣，力求在练习曲的编排上兼具一定 的趣味性，因此谓之“快乐音乐”。本教程会使你在 快乐的时光，快乐地“玩儿好”快乐的音乐。希望你 能在轻松快乐的氛围中，玩儿好你的“技巧与练”， 成为一位演奏快乐音乐的快乐音乐家。
     刘达章编的《扬琴演奏艺术(技巧与练习)》是本 套丛书之一册。在学习演奏技巧的顺序安排上分为三 个阶段：1.弹弦基础。2.轮竹技巧及和声、复调技法 。3.综合性技法。特别是本书对扬琴演奏中弹、轮、 颤、滑、点、拨、揉、勾等八大技法清晰明了的教授 ，会使你受益匪浅。

目录

第一章 概述
第一节 中国扬琴的历史及发展
一、早期传统扬琴
二、传统扬琴的发展
三、传统扬琴艺术流派的形成
四、当代扬琴的发展
第二节 扬琴的结构和各部名称
第三节 三种扬琴
一、401快速转调扬琴
二、广州十二平均律扬琴、敦煌81型扬琴
第四节 琴竹、琴架
一、琴竹
二、琴架
第二章 扬琴的演奏方法
第一节 演奏姿势
第二节 持琴竹方法
第三节 弹弦方法
一、正确的弹弦动作
二、准确掌握*佳发音点的技术动作
第四节 竹法及其运用
一、竹法
二、竹法的运用
第五节 演奏符号
第三章 扬琴的演奏技巧
第一节 弹弦技巧及其练习
一、单竹练习
二、双竹练习
三、单竹双音练习
四、几种类型的弹奏练习
五、弹弦技巧的综合练习
第二节 轮竹技巧及其练习
一、双竹轮练习
二、单竹轮练习
三、弹奏和声性两声部织体的练习
四、弹奏复调性两声部织体的练习
五、轮竹技巧的总综合连续
第三节 点弦技巧及其练习
一、顿音技巧及其练习
二、泛音技巧及其练习
第四节 拨弦与滑拨技巧及其练习
一、拨弦技巧及其练习
二、滑拨技巧及其练习
三、拨弦与滑拨技巧的综合练习
第五节 颤竹技巧及其练习
一、但颤竹练习
二、双颤竹练习
三、连续尝竹练习
第六节 滑竹机巧及其练习
一、单滑竹练习
二、双滑竹练习

弦音律动：中国民族器乐的传承与创新 本书旨在深入探讨中国民族器乐的广阔天地，从历史源流、演奏技艺到曲目赏析，全方位展现这一独特艺术门类的魅力与生命力。不同于扬琴的击弦技巧，本书将重点聚焦于古筝、琵琶、二胡三大主流乐器的演奏艺术、技法演变及其在当代音乐语境下的发展。 第一部分：民族器乐的根脉——历史沿革与文化意蕴 本部分将回溯中国民族器乐的漫长历史，追溯其如何从古代的宫廷雅乐、民间说唱中汲取营养，逐步形成今日之格局。 第一章：乐器家族的形成与分野 我们将考察中国传统乐器如何根据发声原理和形制被系统分类，重点剖析丝弦乐器（如古筝、琵琶）与弓弦乐器（如二胡、板胡）在结构上的差异及其对音色表达的影响。探讨不同地域文化如何孕育出风格迥异的乐器流派，例如川派古筝的浑厚与浙派古筝的细腻。 第二章：从宫廷到民间——历史中的角色转换 分析乐器在中国古代社会中的功能变迁。乐器如何从周代的礼器、唐代的燕乐，逐步走向宋元明清的文人案头与市井街巷。尤其关注二胡的兴起，它如何从民间戏曲伴奏乐器，通过近现代音乐家的改造与推广，跃升为独奏舞台上的主要力量。书中将详细梳理各个历史时期重要的器乐作品和代表人物，力求勾勒出一条清晰的民族音乐发展脉络。 第三章：乐律学基础与音色哲学 本章将探讨中国传统音乐的音高系统——十二平均律与传统七声音阶的并存与融合。深入解析“五声”、“七声”在不同乐器上如何体现“气韵生动”的审美追求。对于音色（Timbre）的理解，将超越物理声学的范畴，探讨中国音乐家如何通过指法、运弓等细微控制，营造出“如泣如诉”、“金戈铁马”等具象化的听觉意境。 第二部分：指尖上的乾坤——核心乐器的精深技艺研习 本部分将以古筝、琵琶、二胡为核心，系统阐述其当代主流的演奏技法、练习方法与风格把握。 第四章：古筝：流水的意境与指法的雕琢 传统技法溯源： 详述“摇指”（轮指）、“撮指”、“按音”、“滑音”等核心技巧的规范动作与早期流派风格。 现代技法拓展： 重点分析现代作曲家引入的快速轮指、大幅度揉弦以及利用调式变化产生的色彩效果。 练习范例： 针对性地提出针对性练习曲目，如如何通过练习曲目来加强左右手的独立性和爆发力。 第五章：琵琶：刚柔并济的十六种弹法 基础功的建立： 细致剖析“推、拉、轮、撮”四大基本功的力度控制与节奏精确性。如何实现“轮指”的均匀度和持续性。 “花奏”的运用： 探讨琵琶特有的装饰性技巧，如“扫”、“挑”、“打”、“摘”等如何在不同曲目中起到烘托气氛、描绘场景的作用。 武曲与文曲的风格对立： 分析《十面埋伏》这类武曲的力度层次构建与《月儿高》这类文曲中吟、揉技巧的细腻处理。 第六章：二胡：弓弦上的歌者 运弓的艺术： 二胡的生命在于弓法。本章将详述“长弓”、“分弓”、“聚弓”等基本运弓法，以及如何通过弓子的速度、压力、接触点变化来模拟人声的呼吸感与情绪起伏。 左手的“揉吟”世界： 深度解析二胡特有的“揉弦”（揉、颤、滑）技巧，及其在表达悲怆、喜悦等复杂情感中的细微差别。 移位与换把： 如何在高把位保持音准与音色稳定，以及处理大幅度音区跨越时的连贯性。 第三部分：新世纪的对话——民族音乐的当代发展与创新实践 本部分关注民族器乐在二十、二十一世纪面临的挑战、融入的机遇以及未来的发展方向。 第七章：民族器乐的“西学东渐”与融合 探讨二十世纪以来，民族器乐如何吸收西方音乐理论（如和声学、配器法）的养分，并进行本土化的改造。分析民族管弦乐队的构建历程，以及如何将复调思维融入到传统的主调音乐语汇中。重点剖析协奏曲形式在民族器乐创作中的应用与挑战。 第八章：作曲家的探索与流派的交锋 介绍当代活跃的民族音乐作曲家群像，分析他们的创作理念。探讨当代民族音乐创作中，是偏向于对传统曲目进行“挖掘整理”，还是大胆进行“现代性”的转型。例如，一些作曲家如何运用电子音乐元素或爵士乐的节奏结构来丰富传统曲式的表现力。 第九章：演奏家与教育的未来 探讨当代民族器乐演奏家在国际舞台上面临的机遇与要求。他们不仅需要精通传统技艺，更需要具备跨文化交流的能力。同时，反思民族器乐教育体系的现代化进程，如何平衡对基本功的严格要求与对学生个性化音乐审美的培养。 本书力求为民族器乐学习者、研究者及爱好者提供一份既有理论深度又具实践指导价值的参考读物，展现中国弦音艺术穿越古今，生生不息的蓬勃生命力。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点是它在“情感表达”和“舞台呈现”方面给予的关注。很多技术书籍很容易陷入机械训练的误区，但这本书却花了相当的篇幅来谈论如何与听众建立联系，如何通过身体语言来辅助音乐的表达。它讨论了演奏者在舞台上应有的心态调整，以及如何处理紧张情绪，这些都是书本上很少涉及但对职业发展至关重要的内容。其中关于“如何根据不同听众群体调整演奏的细节处理”的章节，尤其让我印象深刻，它提醒我，音乐是沟通的艺术，不仅仅是技术展示。读完这些关于舞台哲学的章节后，我感觉自己不仅在技巧上得到了提升，更在作为一个音乐表演者的心智上得到了锤炼。这本书真的不愧为“艺术”二字，它教的不仅是弹奏扬琴的方法，更是如何成为一名有思想、有温度的扬琴演奏家。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编写脉络非常适合我们这种自学者，它没有采用那种高高在上的学院派说教方式，而是像一位经验丰富的前辈在耳边耐心指导。最让我感到惊喜的是，它将一些听起来非常抽象的音乐术语，比如“气韵生动”、“灵动飘逸”，通过具体的练习曲目和清晰的图示进行了可视化和可操作化。例如，在讲解如何处理快速的“轮竹”时，它不仅给出了正确的节奏型，还配上了针对性的“放松练习”，这种将理论与肌肉记忆训练紧密结合的处理方式，极大地提高了练习的效率。我尝试了几种以前觉得难以掌握的技巧，按照书中的步骤一步步来，竟然发现瓶颈被有效打破了。这种由浅入深，循序渐进的结构设计，真正体现了“教与学”的精髓，它不是简单地告诉你“怎么做”，而是教会你“为什么这么做”以及“如何才能做好”。对于我这种需要长时间自我驱动学习的人来说，这种教学引导简直是太重要了。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在寻找一本能真正深入剖析传统乐器演奏精髓的教材，市面上的很多书要么过于侧重基础的“弹法”，要么就是堆砌大量生僻的传统曲目，对于如何真正形成个人风格和理解音乐内涵却着墨不多。而我翻阅的这本，它真正做到了将“技”与“艺”完美结合。它并没有急于炫技，而是花了大量的篇幅去探讨手型微调对音色产生的细微差别，比如如何通过触弦速度的毫秒级变化来表现“泣音”的哀婉，或者如何运用“拂奏”的力度对比来烘托宏大的气势。对于那些追求极致音色表现力的演奏者来说，这些深入骨髓的探讨是无价之宝。书中对不同流派的技法对比分析也极其到位，用近乎于科学分析的严谨态度去解构复杂的演奏动作，让人茅塞顿开，不再是盲目模仿，而是真正理解了动作背后的音乐意图。读完相关的章节，再去练习，感觉手指好像突然被赋予了更丰富的表达能力。

评分☆☆☆☆☆

从内容深度来看，这本书的学术价值也令人称赞。它不仅仅是停留在演奏技巧层面，更融入了对扬琴历史发展和中外音乐文化交融的宏观视野。书中穿插了一些关于扬琴在中西方乐器体系中地位演变的讨论，以及不同历史时期对扬琴音色要求的变迁，这让我在练习那些经典曲目时，能够带着更丰富的历史和文化背景去理解作曲家的初衷。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我对音乐的理解边界。例如，在学习一首改编自西方复调音乐的曲目时，书中关于如何用扬琴的特点来表现对位线条清晰度的探讨，就非常具有启发性，它让我意识到，演奏传统乐器，绝不能固步自封，而应该拥抱更广阔的音乐世界。这本书提供了一个绝佳的平台，让演奏者能够站在更高的维度上去审视和提升自己的技艺。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，色彩的搭配既古典又充满活力，让人一眼就能感受到它深厚的文化底蕴和现代的教学理念。内页的纸张质感也非常棒，印刷清晰，即便是复杂的乐谱也能看得一清二楚，这对于我们日常练习来说太重要了。我尤其欣赏它排版的布局，既有足够的留白让眼睛得到休息，又巧妙地将重要的理论知识与实践技巧穿插安排，使得学习过程既不枯燥，又富有逻辑性。书中的一些插图和范例照片，更是栩栩如生，仿佛演奏大师就在眼前亲自示范一般，极大地激发了我对扬琴演奏的探索欲。随便翻开一页，都能感受到编者在细节上的用心良苦，比如对指法标记的细致程度，对音色控制的文字描述，都体现出这不是一本简单的教材，而更像是一本陪伴演奏者成长的伙伴。初学者拿到手会觉得亲切，有指引；有一定基础的人翻阅，也能从中找到新的启发和提升的方向。这种全方位的精良制作，实在让人爱不释手，光是捧着它，心情都会变得愉悦起来。