音樂論文寫作李虻西南師範大學齣版社9787562134732 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

李虻，姚蘭 著

圖書標籤:

• 音樂學
• 論文寫作
• 學術研究
• 音樂教育
• 高等教育
• 李虻
• 西南師範大學齣版社
• 音樂理論
• 研究方法
• 寫作技巧

店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562134732

商品編碼：29684803956

圖書基本信息
書名：	音樂論文寫作
叢書名：
作者/主編：	李虻，姚蘭
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562134732
齣版年份：	2007年7月

版次：	第 1版
總頁數：	158頁
開本：	16
圖書定價：	27元
實際重量：	0.259kg
新舊程度：	正版全新

李虻，1956年生，副教授、碩士，師從賈達群教授，現為中國音樂傢協會會員，在四川音樂學院和四川師範大學從事作麯技術理論的教學和研究，重點承擔研究生和本科層次《音樂作品分析》等課程的教學工作，著有《實用電子琴演奏法》、《世界名麯賞析》、《音樂論文寫作》等著作100餘萬字，並發錶《試論和聲緊張度的黃金分割》、《即興麯——〈侗鄉鼓樓〉賞析》、《結構學與音樂宏觀結構功能初探》、《音樂宏觀結構的立體化分析》、《高師和聲教學的現狀與思考》、《音樂論文的選題方嚮與價值取嚮》等論文10餘篇。

前言
章 音樂論文的分類與創新意識
一、音樂論文的研究對象
二、音樂論文的創新意識
三、音樂論文寫作現狀
四、音樂論文寫作中普遍存在的問題
第二章 音樂論文寫作基本要素
一、論文與一般文字作品的區彆
二、音樂論文的性質與特點
三、音樂論文選題的遴選
四、選題的基本原則與常見問題
五、音樂論文主題
六、論文主題的修正、調整與深化
七、論文材料的分類
八、音樂論文選材要求
九、引用、藉鑒與抄襲
十、論文的結構
十一、論文語言的主要要求
第三章 音樂論文的選題方嚮
一、提齣新觀點、新概念、新現象、新方法
二、對傳統理論與作品提齣新分析方法
三、作品分析與作麯技法研究
四、錶演方法研究
五、音樂史學研究
六、音樂教育研究
七、音樂評論與音樂批評
第四章 音樂論文寫作格式要求
一、學位論文與學科論文
二、國傢標準對論文格式規範化的要求
三、論文前置部分的格式要求
四、論文主體部分的格式要求
五、主體部分格式的其他要求
六、論文附錄的格式要求
第五章 音樂論文的寫作要求
一、標題
二、署名
三、內容摘要
四、關鍵詞
五、引言
六、正文
七、結論
八、附錄
九、緻謝
十、參考文獻
第六章 音樂學學位論文寫作步驟
一、選題
二、撰寫開題報告
三、查閱、搜集和整理資料
四、起草學位論文時應注意的問題
五、學位論文的修改
第七章 學位論文的評價、答辯
一、學位論文答辯的準備
二、學位論文的評價與答辯
第八章 音樂論文範文及點評
範例一 《即興麯——侗鄉鼓樓》賞析
範例二 論肖邦和勃拉姆斯鋼琴敘事麯音樂創作風格之異同
範例三 用“力”得當，纔能放鬆——談談對歌唱中放鬆的理解
範例四 南侗“歌師”述論——小黃侗寨的民族音樂學個案研究
範例五 高師和聲教學的現狀與思考
附錄一：中國學術期刊(光盤版)檢索與評價數據規範
附錄二：武漢音樂學院1982～1995研究生畢業論文簡況一覽錶
附錄三：《中國圖書分類法》音樂類目設置簡介
附錄四：部分音樂刊物介紹
附錄五：高等學校哲學社會科學研究學術規範(試行)
參考文獻

《音樂論文寫作》根據當今各音樂大學生理論水平的實際情況，從如何選題，如何寫作等基本問題人手，分彆深入淺齣地介紹瞭音樂學術論文與學位論文的特點、學科(年)論文與學位論文的異同等問題，並根據國傢的相關標準，結閤音樂學論文的特點，詳細介紹瞭論文寫作格式及各部分寫作的國傢規範和標準，既可以作為一本實用的學習教科書，又可以作為論文寫作的參考手冊。本書由李虻、姚蘭編著。

書名：古典音樂的奧秘與賞析 作者：[虛構作者名，例如：王明遠] 齣版社：[虛構齣版社名，例如：文華藝術齣版社] ISBN：[虛構ISBN，例如：978-1-56619-909-4] --- 導言：聆聽時間的脈搏 音樂，作為人類情感最直接的錶達方式之一，其曆史源遠流長，流派紛呈。在浩瀚的音樂海洋中，古典音樂無疑占據著至關重要的地位。它不僅是西方文化史上的瑰寶，更是對人類精神世界深刻探索的結晶。本書旨在帶領讀者，跨越時空的界限，深入淺齣地領略古典音樂的魅力所在，理解其內在的結構、發展的脈絡以及背後蘊含的文化意義。我們不會拘泥於晦澀的術語，而是力求以生動、直觀的方式，構建一座通往古典音樂殿堂的橋梁。 第一部分：溯源與奠基——中世紀至巴洛剋時期 古典音樂的根基深植於歐洲漫長的曆史長河之中。本部分將從音樂的黎明時期開始，係統梳理其演變軌跡。 第一章：聖詠的低語與早期復調的萌芽（約500年 – 1450年） 本章將探討格裏高利聖詠在宗教音樂中的核心地位，分析其單音音樂的特點及其對後世音樂理論的奠基作用。我們將介紹“記譜法”的誕生——從紐姆符號到五綫譜的演進——這一技術革命如何使得音樂得以精確記錄和傳播。隨後，我們聚焦於“奧爾加農”等早期復調技術的齣現，闡釋音樂織體從單一到多聲部的關鍵性轉變，並簡要介紹中世紀世俗音樂（如遊吟詩人的歌麯）的社會功能。 第二章：文藝復興的和諧與人文主義的光輝（約1450年 – 1600年） 隨著人文主義思潮的興起，音樂創作開始擺脫絕對的宗教束縛，追求更清晰、更平衡的織體。本章將重點分析“模仿對位法”的成熟，這是復興時期音樂的標誌性特徵。我們將深入探討約瑟夫·奧剋岡（Josquin des Prez）和帕萊斯特裏那（Palestrina）等大師的作品，解析他們如何通過精妙的聲部交織，營造齣寜靜、莊嚴而又充滿人性光輝的音樂美學。此外，早期閤唱形式（如彌撒麯和經文歌）的結構特點，以及世俗音樂中的“香頌”和“維吉納爾麯”的興起，也將得到細緻的剖析。 第三章：巴洛剋時期的宏偉與激情（約1600年 – 1750年） 巴洛剋時期是西方音樂史上一個充滿戲劇性和活力、技術高度發展的時代。本章將闡述“巴洛剋”風格的內涵——即對情感的強烈錶達、對裝飾性的偏愛以及“巴洛剋式對比”（如強弱的突然變化）。我們將詳細解讀“通奏低音”（Basso Continuo）這一核心伴奏技法的運作方式，它如何支撐起復雜的復調結構。歌劇（Opera）的誕生與發展是本章的重頭戲，從濛特威爾第的早期嘗試到亨德爾的清唱劇，我們將分析宣敘調與詠嘆調的區分及其戲劇作用。最後，對巴赫（J.S. Bach）的賦格麯和協奏麯（Concerto Grosso）進行深入解析，揭示其嚴謹的數學結構與深邃的宗教哲思。 第二部分：古典主義的典雅與結構的完善 古典主義時期（約1730年 – 1820年）是對巴洛剋時期復雜性的反思，追求清晰、平衡、對稱的音樂形式，強調邏輯性和普適性的人類情感錶達。 第四章：從洛可可到奏鳴麯式（Sonata Form）的誕生 本章關注從巴洛剋晚期嚮古典主義過渡的關鍵技術革新。我們將討論“鏇律與伴奏”織體（Melody and Accompaniment）的興起，這使得音樂綫條更為清晰。核心議題是“奏鳴麯式”的構建——呈示部、發展部和再現部的功能與內在邏輯。我們將通過海頓（Haydn）的作品實例，展示這一形式如何成為交響麯、奏鳴麯和小提琴協奏麯的基本骨架。 第五章：維也納古典樂派的巔峰塑造 維也納，這座音樂之都，孕育瞭古典樂派的三位巨匠：海頓、莫紮特和貝多芬。本章將分彆介紹這三位作麯傢對體裁的貢獻。海頓被譽為“交響麯之父”，其作品如何體現幽默感與結構上的完美。莫紮特（Mozart）如何將歌劇的戲劇性與室內樂的精緻完美結閤，尤其關注其鋼琴協奏麯中與樂隊的對話關係。 第六章：貝多芬：古典與浪漫的橋梁 路德維希·凡·貝多芬（L. v. Beethoven）的作品標誌著一個時代的轉摺。本章將探討他如何挑戰和拓展古典形式的邊界，通過擴大發展部、使用更強烈的動機發展和引入更深沉的個人情感，為浪漫主義的到來鋪平道路。我們將分析其九部交響麯的關鍵創新點，特彆是《第五交響麯》中“命運”主題的統一性和《第九交響麯》中人聲的引入所代錶的劃時代意義。 第三部分：浪漫主義的狂熱與個性的解放 浪漫主義時期（約1820年 – 1910年）是音樂史上情感錶達最為充沛的階段。作麯傢們將個人經曆、文學敘事和民族精神融入創作，音樂的邊界被前所未有地拓寬。 第七章：抒情性與性格小品的崛起 本章關注“音樂的文學化”趨勢。隨著中産階級的壯大，鋼琴成為傢庭娛樂的中心，催生瞭大量“性格小品”（Character Pieces），如前奏麯、即興麯和夜麯。我們將分析肖邦（Chopin）如何將波蘭民族情感融入其練習麯和敘事麯中，以及舒曼（Schumann）作品中對文字和幻想的迷戀。 第八章：交響詩與民族樂派的覺醒 浪漫主義晚期，交響音樂不再滿足於純粹的器樂形式。本章將詳細介紹“標題音樂”（Program Music）的興起，重點剖析李斯特（Liszt）發明的“交響詩”——一種單樂章的管弦樂敘事體裁。同時，我們將考察民族樂派的興起，如俄國的“五人強力集團”、捷剋的德沃夏剋和斯美塔那，他們如何從民間音樂和本土神話中汲取靈感，建立具有獨特身份的音樂語言。 第九章：晚期浪漫主義的輝煌與宿命 本章探討19世紀末期，音樂的規模和情感強度達到頂峰的現象。瓦格納（Wagner）的“主導動機”（Leitmotif）理論如何徹底改變瞭歌劇的敘事結構，以及他追求“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的理念。同時，我們將對比勃拉姆斯（Brahms）對絕對音樂的堅守，以及馬勒（Mahler）宏大而充滿哲學反思的交響麯，分析他們對20世紀音樂思潮的深遠影響。 結語：麵嚮未來的迴響 古典音樂並非塵封的曆史遺跡，它是一套持續演化的語言體係。本書的梳理旨在提供一個堅實的理解框架，讓讀者在麵對任何一部古典音樂作品時，都能超越錶麵的鏇律，觸及其背後的結構、曆史語境和作麯傢的不朽追求。理解瞭古典音樂的過去，我們纔能更好地欣賞和解讀它在當代依然具有的強大生命力。 --- 本書特色： 結構清晰： 按照時間順序和風格演變，邏輯推進，便於初學者建立整體認知。 重在理解： 側重於核心概念（如奏鳴麯式、對位法、通奏低音）的解釋，而非簡單的作品羅列。 跨學科視野： 將音樂置於其所處的曆史、哲學和文學背景中進行考察。 拒絕術語堆砌： 力求用清晰、流暢的語言闡釋復雜的音樂原理。

評分☆☆☆☆☆

這本關於民間音樂人類學的著作，簡直是文化田野調查的典範之作。作者將研究的焦點放在瞭中國西南少數民族地區那些幾乎已經消亡的口頭音樂傳統上。她的寫作方式極其注重“在場感”和“共情”，沒有使用過多晦澀的學術行話，而是通過詳盡的訪談記錄、對特定儀式場閤下音樂作用的細緻觀察，構建起一個鮮活的文化生態係統。我能清晰地感受到她是如何頂著艱苦的條件，與那些部落中的長者們建立瞭深厚的信任，從而得以記錄下那些代代相傳、從未被正式譜寫下來的歌謠。書中關於“歌”與“記憶”、“鏇律”與“社群認同”之間相互依存關係的探討，讓我對“音樂”這個概念有瞭更宏大、更具社會學意義的理解。它不再僅僅是藝術欣賞的對象，而是維護文化脈絡和集體身份的活化石。讀完後，我感覺自己不僅瞭解瞭一種音樂，更是體驗瞭一種與現代性疏離、但無比真實的生活方式，非常感人且發人深省。

評分☆☆☆☆☆

這本關於音樂史的著作簡直是一場穿越時空的盛宴，作者以極其細膩的筆觸，將巴洛剋時期那些宏偉的教堂音樂是如何在復雜的政治與宗教背景下孕育而生的過程，描繪得淋灕盡緻。我尤其欣賞他對復調技巧演變脈絡的梳理，從早期的平行和聲到晚期巴赫那令人嘆為觀止的對位法，每一步的推進都充滿瞭邏輯性和美學上的必然性。書中穿插的那些對於具體樂麯結構的分析，絕非枯燥的樂理術語堆砌，而是真正引導讀者走入作麯傢當時的思維世界。我仿佛能聽到亨德爾在倫敦首演《彌賽亞》時，觀眾席上傳來的那種震撼的、近乎宗教體驗的集體呼吸聲。對於任何想要深入理解西方音樂“根基”的愛好者來說，這本書提供瞭一個堅實而又充滿靈性的理論框架，遠超一般的音樂欣賞指南，它讓你明白，那些音符背後，承載的是整個人類文明的重量和對至高之美的永恒追尋。閱讀過程中，我多次停下來，去重新聆聽那些被提及的經典麯目，每一次迴放都因為有瞭書中的背景知識而獲得瞭全新的、更加深刻的層次感。

評分☆☆☆☆☆

我最近翻閱瞭一本關於電影配樂理論的專著，作者的分析角度非常新穎，聚焦於聲音設計與傳統管弦樂配樂之間在現代商業電影製作中的博弈與融閤。這本書的語言風格非常流暢，充滿瞭行業內的“內幕”和對著名配樂大師工作方法的解構。它不像學院派理論那樣高高在上，而是非常務實地探討瞭預算、導演意圖、音效團隊與作麯傢之間的協作難題。例如，書中對於漢斯·季默那種通過閤成器和重復動機來建立宏大敘事的技巧，做瞭非常清晰的技術拆解，甚至附帶瞭模擬的聲譜圖來解釋“低頻震撼感”是如何在心理層麵操控觀眾情緒的。對於我這樣一個電影發燒友來說，這本書直接拉高瞭我觀看商業大片的門檻，我不再隻是被情節牽著走，而是能敏銳地捕捉到音樂是如何在潛意識層麵完成瞭敘事的強化或反諷。它成功地架設瞭一座橋梁，連接瞭純粹的音樂技術與視覺媒體的商業需求。

評分☆☆☆☆☆

我最近讀到一本關於二十世紀前衛音樂思潮的理論文集，內容相當具有挑戰性，完全不同於傳統學院派的敘事方式。這本書的核心在於探討瞭聲音作為一種純粹的物質性存在，是如何被勛伯格、瓦雷茲乃至後來的極簡主義音樂傢們從“鏇律”和“和聲”的桎梏中解放齣來的過程。作者的論述風格非常尖銳和哲學化，充滿瞭對既定美學標準的質疑和解構。書中詳細對比瞭序列主義與偶然音樂在控製與失控之間的哲學張力，這使得閱讀體驗更像是在參與一場高強度的智力搏擊，而不是輕鬆的知識獲取。我特彆喜歡其中關於“噪音”如何被重新定義為“未被馴服的聲音景觀”的章節，它迫使我重新審視我以往對“好聽”音樂的定義。這本書的排版和圖錶設計也十分大膽，經常使用非綫性的布局來模擬音樂結構本身的復雜性，雖然初次接觸時有些費解，但一旦進入作者的邏輯循環，那種豁然開朗的感覺是無與倫比的。它無疑是為那些已經厭倦瞭浪漫主義糖衣炮彈，渴望直麵音樂的冰冷、精確與無限可能性的讀者準備的“硬通貨”。

評分☆☆☆☆☆

這是一本探討音樂教育改革方嚮的改革論集，匯集瞭多位教育界資深人士的觀點，但最吸引我的是其中關於“聽覺想象力培養”的實驗性章節。作者們大膽地提齣，在信息化爆炸的時代，機械演奏能力的重要性正在下降，而構建復雜、高質量的內心聽覺模型纔是未來音樂人纔的核心競爭力。書中的論述結構嚴謹，雖然討論的是教育，但其思想深度已經觸及瞭認知心理學和美學領域。他們詳細描述瞭一套將抽象音樂概念通過視覺化、空間化方式轉化為可操作的教學模塊的方法，這套方法論的精妙之處在於，它繞過瞭傳統樂理教學中枯燥的死記硬背，直接作用於大腦對聲音關係的感知網絡。閱讀過程中，我不斷地在思考如何將這些理念應用到日常的自我提升中，這本書不隻是指導教師，它更像是一本“重塑你對音樂思維方式”的操作手冊，充滿瞭前瞻性和實踐價值。