交响配器法第二卷上下张洪模人民音乐出版社正版课本教材9787103004012 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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瓦西连科，张洪模 著

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• 交响配器法
• 配器法
• 音乐教材
• 张洪模
• 人民音乐出版社
• 音乐理论
• 作曲
• 编曲
• 高等教育
• 9787103004012

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103004012

商品编码：29684811993

页数：742

图书基本信息
书名：	交响配器法（第二卷上下）
作者/主编：	瓦西连科  张洪模
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103004012
出版年份：	1963年

版次：	第1版
总页数：	742页
开本：	1/32
图书定价：	44.00元
实际重量：	640g
新旧程度：	正版全新

 作者:(苏)C.瓦西连科 译者:张洪模

 《上册》 原作者序 绪率 第*章变型乐器 第二章小型乐队中的乐器的结合 第三章管乐顺与弦乐器的同度结合 第四章旋律的配器 第五章和声·和声结构中的弦乐器与管乐器的结合 第六章复调音乐 《下册》 第七章管弦乐的音型化 第八章管弦乐的持续音 第九章管弦乐线体的转接、各应和对话 第十章配器中的支持与强调、、、、 

本书对弦乐组、木管组的各种配器手法，弦乐器与木管、圆号、小号、打击乐、钢琴等的结合，以及扩大的乐队编制、交响乐队为独唱、独奏伴奏的各种配器手法均作了详细的阐述，本书是从事作曲理论工作者的用书。 

鸿篇巨著：管弦乐队配器艺术的深度探索与实践 图书名称： 《管弦乐队配器艺术：从原理到实践》 作者群： 音乐学与作曲领域资深专家集体编著 出版社： 华夏音乐文化出版社 --- 卷一：管弦乐队的百年传承与基础构建 导言：配器——声音的建筑学 配器，绝非简单的乐器罗列，它是作曲家将内心音乐意象转化为可感知的听觉实体的高级艺术。本卷旨在为学习者奠定坚实的理论基石，深入剖析管弦乐队自巴洛克晚期发展至今的演变历程，理解不同历史时期配器风格的语境与特征。 第一章：乐队的起源与结构演化 本章追溯管弦乐队的诞生，重点解析17世纪至19世纪中期，乐队编制如何从“奏鸣曲大乐队”（Sonata da Chiesa/Camera）逐渐过渡到古典主义时期海顿、莫扎特时代的标准配置。探讨交响曲体裁对乐队规模与功能的影响。 早期乐队的音色组合： 小提琴族群的主导地位及其声部划分的规范化。 木管乐器的早期引入： 双簧管与巴松管在增强和声色彩中的作用。 铜管乐器的限制与突破： 圆号与自然长号在早期配器中的音域限制与解决策略。 第二章：管弦乐器的物理特性与音响学基础 精通配器，必须首先精通“材料”。本章以物理学和声学原理为基础，对乐队中每一种乐器进行细致的解剖分析，超越传统乐器法书籍的简单描述，着重于声音的产生机制、泛音列结构及其对听觉感知的实际影响。 弦乐组的微观分析： 弓法（揉弦、运弓速度、触弦点）如何决定音色的颗粒度、亮度与穿透力。探讨高位把位与特殊奏法（如Sul Ponticello, Flautando）的声学效果。 木管组的呼吸与音色： 探究不同口型、风速、按键系统对木管乐器（长笛、双簧管、单簧管、巴松）音色的微妙影响。特别关注双簧管族群（如英国管、双簧管）的独特音域与情感张力。 铜管组的共鸣与力量： 分析阀门系统（活塞与天然管）对音准和音色的影响。重点解析圆号的弱音与弱音器使用对音色的“柔化”效果，以及长号与大号在低音区的承托作用。 打击乐器的时序与质感： 不仅罗列乐器，更关注其在时间维度上的作用。区分有固定音高（定音鼓、马林巴）与无固定音高（钹、军鼓）打击乐在烘托气氛、强调节奏上的差异化应用。 第三章：声部配置与和声织体布局 本章聚焦于如何在二维平面（五线谱）上构建一个稳定、平衡且富有层次感的听觉空间。 基础和声的层级布局： 探讨古典主义配器中“低音-和声骨架-旋律线条”的经典模型，确保低音的稳定性和中声部的饱满度。 音域重叠与空间感： 如何通过精妙的音高安排，避免不同乐器组间的“打架”现象，创造出清晰可辨的层次，实现有效的“空间定位”。 对位思维在配器中的应用： 借鉴复调音乐原理，探讨如何通过对位技巧，即使在庞大的乐队编制中，也能保持各声部线条的独立性和清晰度。 --- 卷二：风格流派的色彩描摹与现代配器挑战 第四章：浪漫主义的扩张与“色彩大师”的遗产 浪漫主义时期，配器不再是为既定旋律服务的工具，而是表达极端情感、描绘宏大叙事的独立力量。本章深入研究贝多芬晚期、瓦格纳、马勒、理查·施特劳斯等巨匠如何突破传统边界。 瓦格纳的“音色和弦”： 分析其对固定乐器组的“放大”策略，以及为新乐器（如瓦格纳低音大号）的写作技巧。 马勒的“透明与喧嚣”： 探讨其如何利用极端对立的音响（如幽静的木管独白与全乐队的强奏）来表达内心的冲突与哲学思考。 里姆斯基-科萨科夫的“色彩绘图法”： 重点剖析《天方夜谭》等作品中对异域色彩和管弦乐团丰富和声的精妙运用。 第五章：印象主义与二十世纪的配器革命 德彪西和拉威尔将配器提升到了前所未有的“印象派”高度，关注光影、质感而非传统的主题发展。 德彪西的“薄雾”织体： 研究其如何使用弱音、分散和弦、以及木管乐器的高音区来营造模糊、流动的听觉效果，以及对传统大小调功能的解构。 拉威尔的“精密钟表匠”： 分析其对乐器法细致入微的控制，尤其在打击乐和弦乐拨奏（Pizzicato）的应用上，如何达到近乎完美的机械精度和透明度。 二十世纪的非传统音色探索： 考察斯特拉文斯基、勋伯格等如何引入新的演奏技法（如噪音、非常规演奏），以及如何将传统乐器融入新的十二音体系或自由无调性结构中。 第六章：当代配器的技术前沿与前瞻 面对电子音乐、微音组织与空间声学的发展，当代配器法面临新的挑战与机遇。 微音（Microtonality）与非常规音高： 如何在传统记谱法框架内，为演奏者指示非标准音高的演奏方法，以及如何为这些“非传统”音高构建可信赖的声部支撑。 空间与位置的配器考量： 探讨作曲家如何利用音乐厅的物理空间（如舞台布局、侧厅乐团的使用）来创造动态的声场效果，超越传统的左右声部划分。 新乐器的整合与电子技术接口： 分析现代作曲家如何将合成器、采样器、或电子音效处理融入传统的管弦乐织体中，实现音色上的无缝衔接或有意图的冲突与张力。 --- 结语：超越技法，抵达音乐的本质 本书的最终目的，是引导学习者将精湛的技法内化为直觉，最终回归到音乐表达的纯粹性。配器是为音乐服务的手段，而非最终目的。真正的配器大师，是能够选择“最恰当的沉默”与“最精准的爆发”的艺术家。 （本书涵盖数百个经典配器范例的详细分析，并配有大量的音响学图表和实际演奏建议，是所有严肃音乐学习者和专业配器师不可或缺的参考工具书。）

评分☆☆☆☆☆

这是一本真正能让人“沉下心来”钻研的学术著作，装帧和纸质都体现出了出版社对教材质量的严格把控，让人爱惜有加。内容编排上，它展现了极高的体系性和逻辑性，知识点的推进层层递进，没有丝毫的跳跃感，非常适合系统学习。我个人认为，这本书最大的亮点在于它对“动态范围”和“音域分配”的精妙处理。很多时候，我们自己配器，容易犯“平均用力”的错误，导致整个音响平面化，缺乏张力。这本书通过大量配器范例的对比分析，清晰地展示了如何利用不同乐器的最佳工作区间，构建出富有立体感的声场。读完关于铜管组的章节，我对如何让小号在不盖过弦乐主旋律的情况下，依然保持其嘹亮特性有了全新的认识。它不仅是一本工具书，更是一部关于“听觉美学”的深度探讨，让人在学习配器技能的同时，也提升了对音乐整体结构和审美倾向的理解高度。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书简直是音乐学习路上的“神助攻”！初次翻开时，我就被它清晰的逻辑和深入浅出的讲解方式所吸引。作者对和声学、对位法等基础知识的梳理非常到位，即便是初学者也能很快找到方向。它不像有些教材那样枯燥乏味，而是充满了生动的例子和详实的图表，让人在阅读的过程中不仅学到了知识，还能感受到音乐本身的魅力。特别是对于我这种喜欢自己编曲的朋友来说，这本书提供的配器思路简直是打开了新世界的大门，让我对管弦乐队的构成有了更深刻的理解。那些复杂的织体、声部进行，在作者的笔下变得井井有条，让人茅塞顿开。我经常在写作自己的作品时，遇到“这个乐器适合哪个声部？”“这个和弦如何用不同的乐器组合来表现？”这样的困惑，而这本书总能给出最专业的解答。它不仅仅是一本教科书，更像是一位耐心又博学的导师，时刻在你身边指点迷津。我特别欣赏它在实际应用方面的讲解，理论与实践结合得非常紧密，让我在学习过程中就能着手尝试，而不是停留在纸上谈兵。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前也看过好几本相关的配器书籍，但大多要么过于偏重理论推导，让人昏昏欲睡；要么就是例子太老旧，脱离了当代音乐创作的实际需求。然而，这套教材的出现，极大地弥补了这种不足。它在讲解技术细节的同时，非常注重“听觉想象力”的培养。作者似乎很清楚，配器最终是要服务于听众的耳朵，因此，在讲解如何构建丰满的音响时，总是会引导读者去“想象”最终听到的效果，而不是只盯着五线谱上的记号看。我尤其喜欢它在探讨“层次感”和“平衡性”时所用的比喻，非常形象生动。比如，它将不同声部的音量关系比作一个舞台上的灯光布局，主旋律是主角，伴奏是背景光，而效果声部则是点缀的射灯，如何布光才能让主角最完美地呈现，这本书提供了详尽的指导。对于希望自己的作品听起来“更专业、更有画面感”的创作者来说，这本书无疑是宝藏。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书后，我最大的感受就是“厚重”——不仅仅是物理上的重量，更是知识的深度和广度。这本书在介绍传统配器法的同时，也涉及到了现代音乐的一些编配技巧，这对于想全面发展的学习者来说是极其宝贵的。比如，它对木管组、铜管组、弦乐组以及打击乐组的特性分析得极其细致，音色特点、演奏技巧、常用的织体，都有详尽的描述。我记得有一次我在为一个室内乐作品配器时，对法国号的运用把握不准，总觉得声音太“闷”或者太“亮”，翻阅到相关章节后，作者通过几个经典乐段的剖析，让我明白了如何在不同的动态和音区中，最有效地利用法国号的特点。这种“手把手”的教学方式，远比干巴巴的理论陈述要有效得多。更值得称赞的是，书中对不同时期、不同作曲家配器风格的对比分析，拓宽了我的视野，让我明白配器绝非简单的“把音符分配给乐器”，而是一种深刻的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的学习曲线是陡峭的，它要求读者具备一定的乐理基础才能更好地吸收。但是，一旦你跨过了最初的门槛，你会发现它为你构建了一个无比坚实和宏伟的配器知识体系。它不像一些速成手册，只教你“怎么做”，而是深入探究“为什么这么做才是最好的”。例如，在讲解弦乐的指法对音色的影响时，作者详细分析了不同弓法、不同位置揉弦对手感和听感产生的细微差异，这种对细节的极致追求，体现了作者深厚的专业素养和对音乐本体的热爱。阅读过程中，我经常需要停下来，拿出乐器对照着书中的描述去实践和验证，这种主动学习的过程效率极高。它鼓励读者去“质疑”既有的范式，并在理解原理的基础上，创造出属于自己的配器语言。对于那些不满足于“会用”乐器，而渴望“精通”配器艺术的严肃学习者来说，这本书的价值是无可替代的。