声乐学基础石惟正人民音乐出版社正版教材考研大书教材9787103024751 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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石惟正 著

图书标签:

• 声乐学
• 音乐教材
• 考研
• 人民音乐出版社
• 教材
• 基础理论
• 音乐理论
• 艺术类
• 高等教育
• 9787103024751

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103024751

商品编码：29684847524

页数：357

图书基本信息
书名：	声乐学基础
丛书名：	声乐艺术教育丛书
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103024751
出版年份：	2002年7月

版次：	第1版
总页数：	357页
开本：	1/32
图书定价：	24.65元
实际重量：	340 g
新旧程度：	正版全新

 

《声乐艺术教育丛书·文库:声乐学基础》是声乐教育学会所搞的极有意义的理论建设工程——声乐文库中一本基础理论书，不仅仅是一种技能、一种音乐种类，而是把声乐作为一门学问来研究。这门学问上的基本概念、基础知识、基础理论是开始作这门学问并把这门学问引向纵深和创造的入门基石或阶梯。 

总序 

作者自序 
导论 
一、音乐与声乐 
二、声乐和声乐学 
三、声乐范围的界定以及种类的划分 
四、声乐学研究的条件和方法 
篇声乐声理论 
章人体乐器的结构与功能 
一、对人体乐器的概括认识 
二、人体乐器音源振动体的结构与机能 
三、人体乐器发声的主要动力——呼吸器官的结构与机能 
四、人体乐器共鸣器官的结构与机能 
五、人体乐器的领导与指挥 
第二章人体乐器的调节与使用——歌唱基本方法 
一、人体乐器的分类与人声演唱的及要素 
二、歌唱审美以及各种唱法的区别与统一 
三、歌唱的中心区域——喉、咽形态和声门状态 
四、歌唱的身体姿态与表情 
五、口腔状态与喉、咽形态的矛盾和统一语言和发声的协调与合作 
六、歌唱的身体姿态与表情 
七、在中枢神经的支配下，歌唱的“六态”统一 
第二篇声乐心理论 
章心理学的概念在声乐艺术上的体现 
一、声乐对人的作用——从感知到认同和欣赏 
二、记忆在声乐艺术中的作用 
三、注意力的集中与合理分配 
四、声乐艺术中的想象和情感 
五、声乐艺术中的思维 
第二章声乐活动中心的心理控制和调整 
一、声乐学习的心理控制和调整 
二、声乐表演的控制和调整 
三、声乐观众（听众）的控制和调整 
四、声乐理论研究的心理调整 
第三篇声乐艺术表现论 
章声乐艺术表现的基本规律 
一、声乐艺术表现的及要素 
二、感情线和歌声线 
三、歌唱中的语言和声音 
四、目的音及其在表现上的意义 
五、感情的呈现方式 
六、表演中的交流 
第二章声乐艺术表现中的创造性 
一、二度创作及其与一度创作的关系 
二、二度创作的原则和范围 
三、二度创作的手法 
四、二度创作水平的提高 
第四篇声乐教育论 
章声乐教育的内涵及规律 
一、声乐教育的定义 
二、狭义声乐教育的特点 
三、狭义声乐教育的原则 
四、声乐教学的主体 
五、声乐教学的内容、形式及教材 
六、声乐教育的客体以及主、客体的合作 
第二章声乐教学的过程及方法 
一、对客体的选择及教学的预备期 
二、基本的教学方法 
三、声乐教学的阶段特点 
四、教学手法举例 
五、防止和走出不良定型 
后记

《声乐艺术教育丛书·文库:声乐学基础》包括导论和四篇八章，导论中给出很多重要的基本概念、定义，论述了声乐的界定和分类以及声乐学的研究范围、条件和方法。导论之后的每一篇含两章，每章含四节至七节不等。四个篇分别从生理、心理、艺术表现、教育四个角度去分析、论述、揭示声乐的本质和规律。每一篇中所含的两章中的前一章一般是说客观规律，后一章是研究怎样发挥人的主观能动性去顺应和驾驭这些规律。

《西方音乐史纲要：从古希腊到二十世纪》 作者： 约翰·H·梅耶斯 出版社： 环球艺术出版社 ISBN： 978-7-5302-1188-9 --- 内容简介： 本书是一部宏大而精深的西方音乐史著作，旨在为音乐学、历史学以及对西方文明发展脉络感兴趣的读者提供一份全面而深入的导览。它不仅梳理了西方音乐自起源以来跨越两千多年的演变轨迹，更着重探讨了音乐在不同历史时期、社会结构和哲学思潮中的地位、功能及其艺术表现形式的深刻变革。 第一部分：古代与中世纪的奠基（约公元前600年 – 1400年） 本部分追溯了西方音乐的源头。我们将从古希腊的音乐理论（毕达哥拉斯音阶、音乐的伦理学意义）入手，探讨其对西方音乐思想的根本性影响。随后，视线转向基督教兴起后的中世纪早期，重点解析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、记谱法的诞生（纽姆符号到五线谱的演变），以及教会音乐在确立西方音乐“规范”中的核心作用。 章节深入剖析了复调音乐的黎明：从奥尔加农（Organum）到巴黎圣母院乐派（Notre Dame School，以列奥宁和佩罗坦为代表）的二声部、三声部乃至四声部写作技术的突破。同时，本书也未忽视世俗音乐的力量，对游吟诗人（Troubadour/Trouvère）和中世纪的世俗歌曲进行了细致的考察，揭示了宫廷文化对音乐风格多样化的推动作用。 第二部分：文艺复兴的和谐之光（约1400年 – 1600年） 文艺复兴，一场以人为本的思想觉醒，深刻地重塑了音乐的面貌。本书详尽分析了奥兰多·德·拉絮斯（Orlando di Lasso）、乔斯坎·德普雷（Josquin des Prez）等弗拉芒大师的贡献，他们将对位法艺术推向了成熟的高峰。 本部分特别关注音乐改革在宗教（如特里恩特会议的影响）和世俗领域的影响，特别是帕莱斯特里纳（Palestrina）在宗教音乐中追求的清晰与纯净的“虔诚之声”。在世俗领域，意大利牧歌（Madrigal）的兴起标志着文字与音乐表达达到前所未有的紧密结合。此外，对琉特琴音乐、早期键盘音乐以及英国“假面剧”（Masque）的探讨，勾勒出文艺复兴时期音乐实践的广阔图景。 第三部分：巴洛克时代的辉煌与激情（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最具戏剧性和装饰性的阶段。本书从歌剧的诞生——佛罗伦萨“卡梅拉塔”对古希腊悲剧的重构——开始叙述，阐述了“巴洛克风格”的特征：强烈的对比、情感的宣泄、以及数字低音（Basso Continuo）体系的建立。 重点章节集中于意大利歌剧（蒙特威尔第、普赛尔）的发展，以及器乐体裁的成熟：协奏曲（特别是维瓦尔第的活力）、奏鸣曲和组曲。本书对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）和乔治·弗里德里希·亨德尔（G.F. Händel）的分析达到了极高的深度。对巴赫《平均律键盘曲集》的对位技术和亨德尔《弥赛亚》的宏大合唱结构，进行了细致的音乐语言学解读，展示了巴洛克晚期音乐的逻辑严谨与情感深度。 第四部分：古典主义的秩序与典雅（约1750年 – 1820年） 在启蒙运动和理性主义的影响下，音乐风格转向追求清晰、平衡与结构的美学。本书详细阐述了奏鸣曲式如何成为古典主义器乐创作的核心框架，以及交响曲和弦乐四重奏如何确立了音乐的“宏大体裁”地位。 维也纳古典乐派——海顿、莫扎特和贝多芬的早期阶段——被视为这一时期的核心。本书分析了海顿如何将交响曲结构“定型”，莫扎特如何以其无与伦比的旋律天赋和歌剧中的人物刻画，将古典主义推向优雅的极致。同时，对奏鸣曲早期（Sonata Form）的结构要素进行了清晰的图示化分解，帮助读者理解其内在逻辑。 第五部分：浪漫主义的自我表达与民族化（约1820年 – 1900年） 浪漫主义是音乐史上个人情感、主观体验和想象力爆发的时代。本书分析了贝多芬晚期作品如何开启了这一新纪元，随后聚焦于舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐融为一体。 中篇深入探讨了肖邦和李斯特对钢琴音乐的革命性发展，他们将钢琴的音色潜能推向极限。在交响诗的领域，柏辽兹和李斯特如何使用“主导动机”来叙事。同时，本书也详尽描述了德奥晚期浪漫主义的磅礴（瓦格纳的“整体艺术作品”概念和李斯特的交响诗），以及民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那）如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，构建各自的音乐身份。 第六部分：世纪之交与二十世纪的多元探索（约1890年至今） 进入新世纪，音乐实践迎来了前所未有的分裂与实验。本部分从印象主义（德彪西、拉威尔）对传统调性的模糊处理开始，展示了色彩和氛围如何取代结构成为焦点。 紧接着，本书聚焦于20世纪最剧烈的变革——第二维也纳学派的出现。荀伯格如何从晚期浪漫主义的“自由无调性”走向十二音体系（Dodecaphony）的建构，以及贝尔格和韦伯恩的实践，标志着西方音乐理性构建的又一次高峰。 最后，本书覆盖了新古典主义（斯特拉文斯基）、序列音乐的进一步发展，以及战后在达姆施塔特夏季课程中兴起的电子音乐和偶然音乐（如约翰·凯奇）的激进思想。本书以对当代音乐思潮的概览作结，强调了20世纪音乐作为人类文化反思的复杂性与多样性。 本书特色： 跨学科视野： 紧密结合历史学、哲学和文学背景，揭示音乐决策背后的文化驱动力。 结构清晰： 以时间轴为骨架，辅以体裁和地理区域的深入剖析，逻辑严密，易于掌握。 强调音乐语言： 虽为通史，但对关键技术革新（如和声、对位、配器法）的分析深入且准确，适于专业学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，虽然遵循了教材的实用性原则，但细节之处还是透露出出版方的用心。比如，重点词汇的加粗处理，章节之间的过渡自然流畅，没有那种生硬的拼凑感。我对比了其他一些声乐教材，发现石老师这本书在处理“民族声乐与美声唱法的融合”这一议题时，展现出了罕见的兼容并蓄的态度。它没有固守某一种流派的教条，而是鼓励学习者在理解核心原理的基础上，根据自身条件和艺术追求进行灵活的调整。这种开放性的视角，对于当下快速发展的音乐环境来说尤为重要。我尤其喜欢作者在讨论发声位置时，用到的那些生动的比喻，比如将气流比作“稳定而有力的河流”，将喉部比作“敞开的门户”，这些形象化的描述，极大地帮助我克服了抽象概念带来的理解障碍。这本书不仅是知识的载体，更像是一本充满启发性的艺术哲学导论，它引导你去思考“为什么”要这样发声，而不仅仅是“如何”发声。

评分☆☆☆☆☆

从考研复习的角度来看，这本书的实操性与理论深度达到了一个极佳的平衡点。它完全可以作为一本核心教材来使用，几乎涵盖了所有考试大纲要求的基础和进阶知识点。我个人习惯的做法是，先通读一遍，建立整体框架，然后再针对性地精读那些自己薄弱的部分，并大量做笔记和思维导图。这本书的优势在于，它的论述既有理论的严谨性，又非常贴近实际的演唱实践。例如，在讨论颤音的形成机制时，作者不仅解释了声带振动的物理原理，还给出了具体的肌肉训练步骤，这对于备考者来说简直是救命稻草。唯一让我感到略有不足的是，如果书中能够增加一些当代著名声乐教育家对这本书中某些观点的补充或者争议的介绍，那就更完美了，这样可以拓宽读者的视野，了解学术界对这些基础理论的不同声音。总而言之，这是一本能够陪伴你走过初级阶段、并能指导你进入专业深水区的优秀教材，是声乐学习者书架上不可或缺的一员。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常朴实，没有太多花哨的装饰，给人一种专业、严谨的感觉。内页的纸张质量也挺不错的，印刷清晰，字迹工整，阅读起来很舒服。我记得我拿到这本书的时候，主要是为了系统学习声乐的基础理论，这本书的目录结构非常清晰，从最基础的呼吸支持到共鸣的运用，再到发声技巧的解析，层层递进，逻辑性很强。特别是关于气息控制的那几个章节，作者的讲解非常到位，不是那种空泛的理论，而是结合了大量的实际操作指导，让初学者也能很快抓住要领。我印象最深的是，书中对不同声部特点的描述和训练方法，简直是为我量身定做的一样，让我对自己的声音有了更深刻的认识和掌控。而且，它还附带了一些练习范例，虽然没有配套的音频，但文字描述已经足够生动形象，让我可以在练习时随时对照参考，大大提高了学习效率。总的来说，这本书更像是一位耐心的声乐老师，在我学习的道路上提供了坚实的理论支撑和实践指导，是一本值得反复研读的宝典。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读体验并非一帆风顺，它更像是一场智力的挑战，尤其对于非音乐专业的读者来说，某些术语的理解需要反复查阅资料才能到位。但是，正是这种挑战性，才彰显了它的价值所在。我记得有一次，我对一个关于“次级共鸣腔体调节”的概念感到非常困惑，几乎要放弃的时候，我重新翻回前几章，结合作者之前铺垫的基础知识，最终豁然开朗。这种“柳暗花明又一村”的学习过程，比直接给出答案更能加深记忆和理解。书中有些篇章的论述非常严密，像在做逻辑推理题，需要高度集中注意力。我发现，这本书的价值在于它提供了一套完整的、自洽的知识体系，它不会把知识点零散地丢给你，而是将它们编织成一张密实的网。如果你只是想快速学会几首歌曲的演唱技巧，这本书可能显得过于厚重；但如果你是想建立一个扎实的、可以支撑未来多年学习和研究的理论基石，那么这本书简直是无可替代的选择。它要求你投入时间，但回报是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都超出了我的预期，它不仅仅是停留在基础知识的罗列，更深入地探讨了声乐艺术的历史演变和不同学派的风格特点。对于我这个准备考研的学生来说，光是理解这些理论背景就非常有帮助，因为它能让你在面对复杂的考试题目时，不仅能给出技术层面的回答，还能从更宏观的艺术史角度进行阐述。我特别欣赏作者在引用前人经验和提出自己见解时所展现出的那种平衡感，既尊重经典，又不拘泥于传统。书中对发声器官的解剖学描述部分，如果能配上详细的插图或者图表，可能会更加直观易懂，不过即便是纯文字的描述，也足够详尽，需要花时间去理解和消化。我对其中关于“情感表达与技术融合”的探讨特别感兴趣，作者提出了很多独到的见解，让我开始思考，如何才能真正做到“声情并茂”，而不是简单的技术堆砌。这本书无疑为我打开了一扇通往更高层次声乐学习的大门，它让我明白了，声乐学习远不止于“唱得响亮”，更在于“唱得有灵魂”。