音乐欣赏学导论柳良四川文艺出版社9787541132223 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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柳良 著

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• 柳良
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出版社： 四川文艺出版社

ISBN：9787541132223

商品编码：29684848208

出版时间：2011-07-31

页数：201

图书基本信息
书名：	音乐欣赏学导论
作者/主编：	柳良
出版社：	四川文艺出版社
ISBN号：	9787541132223
出版年份：	2011年8月

版次：	第1版
总页数：	201页
开本：	1/16
图书定价：	25.00元
实际重量：	300 g
新旧程度：	正版全新

柳良，男，1968年生，现任四川音乐学院音乐教育系副系主任，从事音乐教育工作20余年，对建立音乐欣赏学这一学科领域有着开阔的视野和丰富的经验。作者曾经在我社出版过《音乐之旅》一书  《音乐欣赏学导论》以概述性和引导性的“导论”形式进行写作，目的在于首先为音乐欣赏的学科化进程打开一个突破口，做先期的学科框架论证，为后续的研究工作做引导性准备。鉴于这一思路，《音乐欣赏学导论》准备从以下几个方面先行构建音乐欣赏学的某种框架体系：结合美学探讨音乐欣赏的本质，结合史学描述音乐欣赏活动的历史，结合心理学分析欣赏行为的生理、心理基础，结合社会学考察欣赏中的听众和欣赏具有的社会功能，结合传播学了解欣赏所需的媒介和环境，结合教育学讨论实施欣赏教学所面临的问题，再从音乐欣赏本身出发研究欣赏的方式方法等。通过这样与多学科的交叉做分类梳理和性的总结，可以对音乐欣赏进行有建构意义的学科认识，帮助我们初步勾画音乐欣赏学的学科轮廓。

引言章 音乐欣赏的本质节 音乐欣赏是音乐审美体验中的创造第二节 音乐欣赏是主、客体在审美中交融的整体第三节 音乐欣赏是感性与理性综合的认识过程 第二章 音乐欣赏的历史概观节 中国音乐欣赏的历史概观第二节 欧洲音乐欣赏的历史概观 第三章 音乐欣赏的生理基础节 音乐欣赏的听觉生理第二节 音乐音的听觉生理特征第三节 音乐听觉的脑神经反应机制 第四章 音乐欣赏的心理基础节 音乐欣赏中的感情色彩第二节 音乐欣赏中的知觉意义第三节 音乐欣赏中的想象力第四节 音乐欣赏中的其他心理活动 第五章 音乐欣赏的方式节 主动性与被动性的欣赏方式第二节 单向性与多向性的欣赏方式第三节 普及性与性的欣赏方式第四节 与多种音乐类型相关的欣赏方式 第六章 音乐欣赏的听众节 音乐欣赏的听众理论第二节 音乐欣赏的听众类型 第七章 音乐欣赏的环境节 音乐厅与歌剧院的欣赏环境第二节 教学中的欣赏环境第三节 其他的欣赏环境 第八章 音乐欣赏的媒介节 现场欣赏媒介第二节 存储设备欣赏媒介第三节 其他的欣赏媒介 第九章 音乐欣赏的社会功能节 音乐欣赏的审美功能第二节 音乐欣赏的教化功能第三节 音乐欣赏的启智功能 第十章 音乐欣赏的教学节 培养倾听与多听的欣赏习惯第二节 对音乐形式感知能力的培养第三节 对音乐文化知识的掌握第四节 对聆听曲目的选择第五节 教学技术的运用第六节 对教学效果的评价后记 附录[附录一] 中文音乐欣赏图书选目(1980-2010)[附录二] 中文期刊中音乐欣赏文章选目(1980-2010)[附录三] 届全国音乐欣赏教学学术研讨会论文目录[附录四] 研究生的音乐欣赏论文选目[附录五] 全国音乐教育论文评选中获奖的音乐欣赏论文目录

没有人会怀疑音乐欣赏不可或缺的重要性。然而，究竟什么是音乐欣赏？它的历史是怎样的？它开启人类心灵的内在原因是什么？它需要哪些条件来营造引人入胜的欣赏氛围？它对当下国民素质的提高又有什么重要意义。《音乐欣赏学导论》从“音乐欣赏学”这一新的学科概念出发，试图对音乐欣赏活动做化的梳理，以提升对人类音乐聆听与鉴赏行为的深度认识。 

好的，这是一本关于古典音乐鉴赏基础的入门读物简介，旨在帮助初学者建立起对西方古典音乐的系统认知和欣赏能力。 --- 《音符的秘密：西方古典音乐入门指南》 导言：开启耳朵的奇妙旅程 在这本书中，我们将一同踏入一个由旋律、和声与节奏构筑的宏伟世界——西方古典音乐的殿堂。这不是一本枯燥的音乐理论教科书，而是一份精心准备的“听觉地图”，旨在消除初学者面对古典音乐时的神秘感与距离感。 我们深知，面对庞大的曲目库和复杂的术语，许多爱好者常常感到无从下手。本书的核心目标是“赋能听者”，教会你如何用自己的耳朵去理解、去感受，而非仅仅是被动地接收声音。我们将从最基础的元素入手，逐步揭示伟大作曲家们如何运用音乐的语言来表达人类最深刻的情感与最复杂的思想。 第一部分：音乐的骨架——基础要素解析 本部分是理解一切复杂音乐结构的基础。我们不会陷入高深的数学公式，而是通过生动的例子和形象的比喻，阐释音乐的“语法”。 一、 声音的物质基础：音高、音色与力度 音高与音阶： 探索十二平均律的奥秘，理解大调与小调在情感表达上的根本差异。我们将解析调性如何像“家的感觉”，为听众提供情感上的坐标系。 音色： 认识管弦乐队中每一种乐器的“个性”。小提琴的歌唱性、圆号的温暖厚重、木管乐器的灵动跳跃。通过描述，帮助读者在听到某个乐段时，能立刻在脑海中“看见”是哪种乐器在发声。 节奏与节拍： 区分什么是“律动”（Rhythm）和“拍子”（Meter）。学习如何听出三拍子的优雅、四拍子的稳健以及复杂复合拍子的律动变化，理解节奏如何驱动音乐的情绪张力。 二、 情感的粘合剂：和声的构建 和弦的基础： 从最简单的三和弦开始，理解和声的“稳定”与“冲突”。介绍什么是“协和”与“不协和”，以及它们在音乐叙事中的作用——稳定带来安宁，冲突引发悬念。 调性进行： 探讨从主和弦到属和弦再到下属和弦的经典循环，理解“倾向性”——音乐是如何被引导着从一个情感状态走向另一个状态的。 第二部分：建筑的蓝图——曲式结构与体裁入门 音乐作品并非随意堆砌音符，它们拥有严谨的结构，如同精密的建筑。了解这些结构，能让你在聆听时把握住音乐的脉络。 一、 核心曲式：理解音乐的篇章结构 主奏曲式（Sonata Form）： 重点剖析其呈示部、展开部与再现部的“对话”与“冲突解决”过程。理解为何这一曲式能完美承载交响乐和奏鸣曲的戏剧性。 复三部曲式与回旋曲式： 介绍A-B-A的对比与回归模式，以及A-B-A-C-A的回环往复，它们如何塑造轻松愉悦或庄严宏大的氛围。 二、 体裁的识别与区分 交响乐（Symphony）： 详解其多乐章结构（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-终曲），以及它作为“大型音乐叙事”的地位。 协奏曲（Concerto）： 聚焦独奏乐器与乐队之间的“竞技”与“合作”，学习识别精彩的华彩乐段（Cadenza）。 室内乐（Chamber Music）： 强调其亲密性、对话感，特别是弦乐四重奏的精妙平衡。 歌剧（Opera）： 概述歌唱体裁，区分咏叹调（Aria）的抒情独白和宣叙调（Recitative）的推动剧情的作用。 第三部分：大师的足迹——从巴洛克到浪漫主义的风格演变 本部分将带听众穿越历史长河，认识不同时代背景下音乐风格的显著特征，建立起对古典音乐史的基本坐标。 一、 巴洛克时期（约1600-1750）：秩序与虔诚 关键词： 对位法（Counterpoint）、装饰音、持续低音。 聚焦： 巴赫的精妙逻辑与亨德尔的宏大叙事。如何聆听赋格（Fugue）中主题的层层交织。 二、 古典主义时期（约1750-1820）：清晰与平衡 关键词： 旋律至上、结构清晰、结构对称。 聚焦： 海顿的幽默与莫扎特的优雅。理解古典主义如何将复杂情感置于完美的形式框架内。 三、 浪漫主义时期（约1820-1900）：情感的喷发与个性解放 关键词： 标题音乐、和声的极大扩展、个人英雄主义。 聚焦： 贝多芬如何开启新纪元；肖邦的诗意独白；瓦格纳的巨大管弦乐队织体。学习如何捕捉音乐中强烈的戏剧张力与奔放的激情。 第四部分：实战演练——如何进行有效聆听 理论学习的最终目的是更好地欣赏。本部分提供了一套可操作的“听歌流程”。 1. 第一次听：确定体裁与情感基调。 这是一部交响乐还是奏鸣曲？它听起来是悲伤、激动还是宁静？先建立宏观印象。 2. 第二次听：追踪主要旋律线（主题）。 关注是谁在唱？旋律的走向如何？它在哪里变奏或发展？ 3. 第三次听：关注织体与配器。 哪些乐器在合作？何时出现了力度（强弱）的突变？聆听乐器间的对话。 4. 带着问题去听： 试着寻找主奏曲式中的“冲突点”（展开部）和“解决点”（再现部）。 结语：你的古典音乐之路 掌握了这些基础工具，你便不再是一个旁观者，而是音乐对话的积极参与者。本书的目标不是让你记住所有的作曲家和作品编号，而是让你在面对任何一段古典音乐时，都能建立起自己的判断与欣赏角度。伟大的音乐是超越语言和时代的，而本书，正是为你打开那扇通往永恒艺术之门的一把钥匙。拿起你的耳机，去体验那些震撼人心的瞬间吧。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的后续的“自我检测”和“拓展阅读”部分做得极其敷衍。每一次章节结束后的提问，要么是机械性的知识点复述，要么干脆就是空洞的鼓励性语句，完全无法激发读者的进一步思考。真正的导论性书籍，应该能引导读者走出书本，去主动聆听、去主动批判性地思考。例如，它可以提供一些具有争议性的音乐片段，引导读者辩论某个作品的优劣，或者推荐一些可以交叉阅读的哲学或社会学著作来辅助理解音乐的社会功能。现在的内容，读完之后仿佛被关进了一个象牙塔，知识点学会了，但对真实音乐世界的探索欲却被消磨殆尽了。这本书的价值，似乎止步于“让你通过考试”，而非“让你爱上音乐”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材范围实在是太窄了，给我一种强烈的“地域偏见”感。虽然我们理解教材需要有侧重，但作为一部“导论”，它在涉及西方古典音乐的经典曲目时显得相对全面，但一旦涉及到其他文化背景下的音乐形态，描述就变得蜻蜓点水、敷衍了事。很多重要的、对现代音乐思潮产生深远影响的非主流流派或少数族裔音乐传统，几乎被完全忽略了。我非常希望作者能在全球化的今天，拓宽视野，提供一个更加多元、更具包容性的音乐景观图。学习音乐欣赏的意义，不单单是认识巴赫和莫扎特，更重要的是理解音乐作为人类情感表达的普适性和多样性。这本书在这方面做得远远不够，感觉像是一个停留在上世纪中叶的音乐视野里。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述方式，怎么说呢，有一种非常“学院派”的僵硬感。作者似乎沉浸在自己构建的理论体系中，对于如何引导一个从未接触过音乐欣赏的门外汉，显得力不从心。大量的术语堆砌，缺乏生动的案例来佐证观点。比如，在谈到某种和声进行时，作者用了长篇大论的文字去剖析其结构意义，却完全没有配上清晰的音频链接或推荐曲目，这使得我们只能在脑海中“想象”这些声音是如何运作的。对于初学者而言，音乐欣赏学习的是“听觉感受”和“知识理解”的双向互动，而这本书似乎只注重了后者，而且后者还写得过于晦涩。我希望作者能多借鉴一些面向大众的科普读物，用更亲和、更有画面感的语言去描绘那些抽象的音乐概念，让学习过程变得像是一场愉快的探索，而不是一场艰涩的考试准备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版简直是灾难，油墨印得深浅不一，有时候甚至能透过纸张看到下一页的内容，这阅读体验实在令人抓狂。我不得不说，作为一本介绍基础理论的教材，装帧质量低到令人发指的程度。封面设计也毫无新意，那种老旧的、仿佛上个世纪印刷厂的审美充斥着每一个角落。更别提纸张的质感了，粗糙得像是直接从回收站里捞出来的再生纸，翻页的时候生怕一不小心就把页角撕坏。我特别期待能有一套精装版本，至少能让人在书架上拿得出手，而不是像现在这样，每一次拿起来都像是在处理一件易碎品。希望能有出版社意识到，内容再好，外在的呈现也是学习体验中不可或缺的一部分，这种对细节的漠视，真的会劝退很多想认真学习的读者。我手里这本书，光是看着就觉得心累。

评分☆☆☆☆☆

我花了相当长的时间试图理解其中关于“音乐形式分析”的那几个章节，但每次读完都感觉自己像是在解一道无头无尾的数学题。作者似乎默认读者已经具备了扎实的乐理基础，直接跳跃到了高度抽象的分析框架，中间的过渡衔接非常突兀。举个例子，对奏鸣曲式结构的讲解，几乎是将定义生硬地罗列出来，没有提供哪怕一句关于“为什么作曲家要这样设计”的深层思考，或者说，没有探讨这些形式在不同历史时期是如何演变的。阅读体验中缺少了一种“历史的呼吸感”。一本好的导论，应该能让读者感受到音乐是如何随着时代和社会环境而自我革新的，而不是仅仅提供一个静止不变的分析模型。这本书更像是一本工具书的残缺草稿，而非一本引人入胜的导论。