新音乐作品分析教程彭志敏湖南文艺出版社大中专全新教材9787540434069 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

彭志敏 著

图书标签:

• 音乐教材
• 音乐分析
• 新音乐
• 彭志敏
• 湖南文艺出版社
• 高等教育
• 大中专
• 教材
• 音乐理论
• 9787540434069

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540434069

商品编码：29684850946

页数：827

图书基本信息 书名：   新音乐作品分析教程 丛书名：    作者/主编：   彭志敏 出版社：   湖南文艺出版社   ISBN号：   9787540434069 出版年份：   2004年10月      版次：   第1 版 总页数：   827页 开本：   16 图书定价：   55元 实际重量：   581g 新旧程度：   正版全新

编辑

《新音乐作品分析教程(下)》为现代作曲技法丛书之一。

作者简介

彭志敏，教授，武汉音乐学院副院长，中国·东方交响乐团团长。 彭志敏教授是享受国务院特殊津贴专家；湖北省有突出贡献的中青年专家；湖北省新世纪高层次人才工程入选人员。中国音乐家协会会员；中国音协理论委员会委员；中国青年音乐家协会副主席；《音乐创作》季刊编委，《音乐研究》季刊编委。湖北省文艺理论家协会副主席。湖北省音乐家协会理事。湖北省政协委员，武汉市政协常委。民进武汉市副主委。 彭志敏教授长年从事作曲与作曲技术理论教学和研究，特别致力于20世纪新音乐、新音乐创作及其方法论研究。已出版《音乐分析基础教程》等著作6部(含合著)，发表学术论文90余篇，所创作的探索性新音乐作品《山民印象》、《风景系列》、《八山旋读》等，已进入同行的研究视野。

目录

绪论
章 勋伯格的《钢琴小品六首》Op.19——关于调性的“模糊、游移、隐退、淡化”和“自由无调性
[本章要点]
节 与勋伯格及其创作有关的一般情况
第二节 关于勋伯格的钢琴独奏曲
第三节 关于《钢琴小品六首》Op．19的说明性分析
[本章小结]关于“自由无调性”和“全部十二音
[练习]
附1.1：勋伯格《钢琴小品六首》Op.19

第二章 勋伯格的《钢琴组曲》Op.25——关于“十二音现象”和“十二音体系”
[本章要点]
节 从“自由无调性”到“古典十二音”的一般情况
第二节 概念与方法
第三节 作品分析
[本章小结]十二音及其序列之歌
[练习]

第三章 亨德米特的复调钢琴曲集《调性游戏》——关于“泛音音阶”与“音序调性”
[本章要点]
节 与亨德米特及其创作有关的一般情况
第二节 亨德米特的调性新观念——“音序
第三节 《调性游戏》的一般情况和简要分析
第四节 《调性游戏》的几个特点
[本章小结]亨德米特的泛音音阶和音序调性及其音乐验证
[练习]

第四章 梅西安《二十次朝觐耶稣》第六乐章——关于主题结构的“象征性”与音高发展的“角色化”
[本章要点]
节 与梅西安及其创作有关的一般情况
第二节 梅西安新音乐创作中的宗教题材和数字象征
第三节 《二十次朝觐耶稣》的一般情况
第四节 《二十次朝觐耶稣》第六乐章分析
[本章小结]关于梅西安的宗教音乐会作品及其象征性主题设计与角色化发展
[练习]

第五章 考威尔探索发明时期的钢琴独奏作品——关于“音丛和弦”与“拨弦钢琴”
第六章 约翰·凯奇的预配钢琴作品——关于“音高结构”、“节奏结构”和“预配钢琴”
第七章 乔治·克拉姆的《大宇宙》卷——关于“扩声钢琴”和“演奏作曲法”
第八章 布列兹的《结构号》——关于“整体序列主义”及其预制与程序
第九章 里盖蒂的《钢琴练习曲》卷首——关于“新里盖蒂主义”及其“复合律动”与“时间新观念”
第十章 哈特克的钢琴套曲系列《向后现代致敬》——关于音乐“风格、语言和方法”的“综合、融合与整合”
第十一章 依萨伊《a小调无伴奏独奏小提琴奏鸣曲》Op.27 No.2——关于“世纪末情结”和“末日经主题”
第十二章 克然涅克《无伴奏獗大提琴组曲》Op.84乐章——关于“单一序列形式变奏”和“动机音型法”
第十三章 瓦雷兹的无伴奏长笛独奏《密度21.5》关于音高核心及其“空间发散”与组织逻辑
第十四章 贝里奥的双簧管独奏Sequenza VII——关于“单一媒体写作”和“音域音列控制”
第十五章 斯托克豪森的单簧管独奏《友谊》——关于“音型的音区变奏”与“新标准音乐”
第十六章 贝尔格的两首《闭上我的双眼》——关于“德奥艺术歌曲”和“元始序列歌曲”
第十七章 斯特拉文斯基《一个士兵的故事》——关于“新戏剧音乐”、“新室内音乐”和“新音乐风格”
第十八章 巴托克的《第三弦乐四重奏》——关于“秘密的标题性内容”和“隐秘的标题性音乐”
第十九章 萧斯塔科维奇的《第八弦乐四重奏》等——关于“音名动机”、“象征主题”或“特性集合”
第二十章 克拉姆的《四个月亮之夜》乐章——关于新室内乐中的人声和打击乐器以及音色的分离与单声室内乐
第二十一章 罗忠镕的《琴韵》——关于“材料拼贴”、“中国风格”和“十二音的五声化”
第二十二章 斯特拉文斯基Movements第四乐章——关于音高序列的“自然循环”与“移位循环”
第二十三章 潘达雷斯基《广岛殉难者的挽歌》——关于弦乐新音响
第二十四章 威伯恩的《帕萨卡里亚》Op.1——关于20世纪新音乐创作中一个值得注意的现象
第二十五章 勋伯格的《色彩》Op.16 NO.3——关于“音色旋律”和“微音高运动”
第二十六章 勋伯格的《乐队变奏曲》Op.3——关于十二音序列音乐的配器、织体和音色处理原则
第二十七章 威伯恩的《小交响曲》Op.21——关于“浓缩的音高”、“独奏的合奏”与“流动的音色”
第二十八章 贝尔格的歌剧《露露·间奏曲》——关于“序列派生”、“镜像对称”与“形式的内容依据”
第二十九章 贝尔格的《小提琴协奏曲》——关于“自由十二音”及其对风格和表现的适应性
第三十章 贝里奥《交响曲》第二乐章《啊!金》——关于新人声、新唱法以及语言、语义和语音的关系
主要参考著作

音乐史上的二十世纪，是一个大破大立、探索创新的世纪，也是一个离经叛道、五彩纷呈的世纪。其中，代表着二十世纪各时期音乐发展前沿的先锋队，也就是被泛称作“现代派”（the Modemism）或“先锋派”（the AVant Garde）的作曲家们，以及他们所创作的现代音乐（the Modemmusc）或新音乐（New mll—sic）作品，还有他们所发明的和新音乐创作密切相关的新兴作曲技术，更是在史册上留下了浓墨重彩的遗痕，给人们提出了众多有待思考和解决的问题。回眸既往，正像人们所看到的那样，二十世纪的新音乐家们大都在“为创新而疯狂地奋斗”；其间，“新的流派和新的运动以惊人的速度（大约每五年一次的周期）涌现出来”；种种听所未听的音响、见所未见的谱式、用所未用的方法、有所未有的现象和行为、闻所未闻的理论或口号等，在百年上下竞相沓来，层出不穷；形形色色的主义、纷繁复杂的体系、个性迥然的技术、离奇古怪的事件和创举等，在音乐生活中争奇斗艳，各领风骚。上述种种，一方面在无形而深刻地影响着人们的思想，改变着人们的观念，拓展着音乐的内涵和外延空间；另一方面，它们的超前式发展或跨越式挺进，又使新音乐与其受众间的距离在不断加大，使人们感到的问题愈来愈多，进而成为人们和它们相互贴近的客观障碍（乃至对立）。因此，对二十世纪的新音乐有所解释，且这种解释是技术的而不是描述的，是的而不是孤立的，是透视的而不是浅表的，是可供教学的而不是一般阅读的，就像我们在百年之前对待所引入的西方传统作曲技术那样，便成了继往开来的当务之急，也成了我们编写这套丛书的主要动因之一。

20世纪的新音乐作品及其分析，是一件复杂而的事情。对于20世纪新音乐及其作品的认识，对相应分析方法的掌握，都不可能一蹴而就、唾手而得；所涉及的问题和所要涉及的方面，也决不限于上述诸点。需要和任务都摆在人们的面前，困难和鸿沟也都不可避免。要跨越它们而实现目标的途径只有一条，那就是——脚踏实地并实事求是地参与新音乐作品分析的实践过程。

 

好的，这是一本关于音乐分析领域的全新图书简介，内容详实，不涉及您提供的特定书籍信息。 --- 《二十世纪以来西方音乐风格的演变与审美转向：从印象主义到后极简主义》 （本书聚焦于音乐史的重大转折点，深度剖析跨越百年的音乐语言重构与听觉观念革新） 图书概述 本书是一部系统梳理和深入解析二十世纪以来西方音乐在风格、技术、理论和审美取向上发生剧烈变革的学术专著。它旨在为音乐学、作曲技术理论、音乐史以及高等音乐教育领域的师生和研究者提供一个清晰、严谨且富有洞察力的分析框架，用以理解这一时期音乐创作的复杂性和多样性。 全书以时间线索和核心思潮为脉络，从德彪西、拉威尔所开创的印象主义，迈向勋伯格及其追随者们对调性体系的颠覆——十二音体系的诞生与发展，随后探讨新古典主义的回溯、斯特拉文斯基音乐的演变，以及序列主义在达姆施塔特学派中达到的巅峰。在此基础上，本书详细阐述了音乐思维在二战后转向的几个关键领域：具体音乐（Musique Concrète）和电子音乐对声音本体的探索、梅西安的节奏与色彩理论、利盖蒂对微观结构的迷幻式处理，以及后来的随机音乐（Aleatoric Music）对作曲家控制权的重新定义。 本书的独特之处在于，它不仅关注“是什么”（即作品的风格特征），更致力于探究“为什么”（即背后的哲学、社会和技术动因），以及“如何分析”（即适用的分析工具和方法论）。 核心章节与内容深度解析 第一部分：调性体系的瓦解与重构（约1900-1930） 印象主义的声响实验： 深入分析德彪西和拉威尔如何通过全音音阶、五声音阶、和弦的非功能性使用以及音色配器的精妙处理，构建起一种“暗示性”而非“建构性”的音乐美学。重点剖析《牧神午后前奏曲》和《圆舞曲》中的和声色彩学。 表现主义的内在危机： 考察勋伯格、贝尔格和韦伯恩在自由无调性阶段的心理驱动力。本书探讨了“情感的赤裸化”如何迫使作曲家放弃传统的调性语法，并详细比较了他们转向十二音技法的前后差异。 新古典主义的回归与反思： 以斯特拉文斯基的创作生涯为核心，对比分析其早期（如《普尔钦奈拉》）和中期（如《俄耳甫斯》）作品中对巴洛克和古典形式的借用与解构。探讨新古典主义如何成为一种“现代的古典主义”——一种在承认现代语言的基础上对历史秩序的审慎借鉴。 第二部分：序列主义的理性扩张与技术巅峰（约1945-1960） 序列技法的全面化： 不仅仅局限于音高，本书将焦点扩展到序列化在节奏、力度、音色等所有音乐元素上的应用。深入解析早期序列主义大师如布列兹（Boulez）的结构主义思想，特别是其对“组织时间”的执着。 达姆施塔特学派的影响： 考察战后欧洲音乐界对德国序列主义的接受与批判。详细分析这一时期所举办的达姆施塔特夏季课程对国际作曲界产生的巨大影响，以及由此引发的对技术纯粹性的追求。 梅西安的“节奏、色彩与神性”： 重点阐述梅西安基于印度节奏和格里高利圣咏的独特系统。分析其“有限移置换轮法”的数学基础，以及通过色彩联觉（Synesthesia）指导和声与配器的具体方法，如在《诸圣降生交响曲》中的体现。 第三部分：声音的解放与听觉的拓展（约1950年代至今） 电子媒介的革命： 区分具体音乐（强调录制声音的拼贴与变形）和纯电子音乐（强调振荡器产生的声音）。分析香农（Schaeffer）的声音景观理论，以及斯托克豪森（Stockhausen）在科隆电子音乐工作室的里程碑式成就，探讨声音本身如何成为主要的结构材料。 概率与不确定性： 深入研究约翰·凯奇（John Cage）的哲学基础——禅宗思想与偶然性（Chance Operations）。本书详述了如何运用《易经》或其他随机过程来生成乐谱，并分析了作品中“寂静”和“环境声”的意义，挑战了传统音乐的“意图性”概念。 极简主义与回归感性（Minimalism and Post-Minimalism）： 聚焦于拉蒙特·扬（La Monte Young）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）等人的“过程音乐”。剖析他们如何通过复调过程（Phasing）、材料的重复和微小的、渐进的变异来构建听觉的“心流”体验，标志着从高度复杂的序列主义向一种更直接、更感性的美学回归。 分析方法论：工具箱的构建 本书不仅提供历史叙事，更嵌入了针对不同风格的实用分析工具： 1. 和声图示法： 适用于印象主义和新古典主义的和声色彩分析。 2. 序列矩阵与排列分析： 针对十二音音乐和序列主义的结构还原。 3. 拓扑学视角下的宏观结构： 用于解析依赖于过程而非传统动机发展的极简主义作品。 4. 声音景观与频谱分析： 适用于电子音乐和微观结构作品的听觉解码。 适读人群 本书适合高等音乐学院作曲、音乐学、音乐理论专业本科生及研究生使用，尤其适合从事二十世纪音乐研究的学者。同时，对于对现代音乐抱有浓厚兴趣，渴望超越基础欣赏层面，进入作品深层结构探索的音乐爱好者而言，本书亦是一部不可多得的参考指南。它将引导读者以更具批判性、更细致入微的视角，重新聆听过去一个世纪的音乐遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计挺有意思的，封面采用了比较简约的黑白灰配色，配上一些抽象的线条元素，初看之下颇有些现代艺术作品的味道。拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，摸起来光滑细腻，内页的印刷清晰度很高，即便是那些复杂的乐谱图示，也能看得一清二楚，这对于我们这些需要长时间盯着乐谱学习的人来说，绝对是个加分项。侧面看，书脊的装订也很牢固，感觉可以经受得住反复翻阅的考验，毕竟这种专业教程，肯定是要经常拿出来对照学习的。不过，我个人觉得，如果能在封面上增加一些关于“新音乐”这个主题更具冲击力的视觉元素，也许能更好地吸引那些初次接触这个领域的读者，让它在众多教材中显得更加引人注目一些。整体来说，从物理层面上讲，这是一本非常用心的出版物，看得出出版社在硬件制作上是下了功夫的，让人有种物有所值的初步印象。

评分☆☆☆☆☆

作为一本“教程”，它的配套资源和学习辅助设计也体现了其专业性。我注意到书中有不少地方留出了空白或标注了“请参考附盘/网络资源”，这暗示了它对多媒体学习的支持。对于新音乐这种高度依赖听觉经验的领域来说，光看谱子是远远不够的，必须多听、多比对。如果后续的音频资源能够与书中的分析点精准对应，那么这本书的价值将得到指数级的提升。此外，章节末尾的“思考题”和“拓展阅读建议”也设计得恰到好处，它们并非简单的知识复述，而是引导性的开放问题，旨在激发读者自己去探索和质疑已有的分析框架，这对于培养独立的研究能力至关重要，它鼓励的不是机械模仿，而是批判性思维的形成。

评分☆☆☆☆☆

这本书的目录结构编排得相当有逻辑性，它不像一些传统的音乐理论书籍那样堆砌概念，而是似乎试图构建一个从宏观到微观的递进学习路径。我注意到它似乎把分析的重点放在了二十世纪中后期乃至当代的一些重要的作曲技法和作品范例上，这对于我们理解战后音乐思潮的演变脉络至关重要。每一章节的标题都非常直白，直接点明了将要探讨的核心技术点，这对于我们这些在学习过程中经常需要快速定位知识点的学习者来说，效率极高。这种清晰的框架感，极大地降低了“新音乐”这种看似高深莫测的领域给初学者带来的畏难情绪。它仿佛在说：“别怕，我们一步一步来拆解这些复杂的结构。”这种引导式的编排，让学习的每一步都显得扎实而有目标，而不是让人在浩如烟海的理论中迷失方向。

评分☆☆☆☆☆

翻开内文，我立刻感受到了一种强烈的学术严谨性与教学实践的平衡。作者在阐述每一个分析方法时，不仅仅是抛出一个理论模型，而是紧接着会引用具体的、具有代表性的音乐片段进行演示和解析。这种“理论先行，实例佐证”的叙事方式，极大地增强了学习的代入感和可操作性。我特别欣赏其中一些对复杂对位或非传统音高组织进行可视化处理的图表，那些线条和符号的组织，帮助我快速捕捉到了原本需要花费大量时间在脑中进行抽象构建的音乐结构。而且，文章的行文风格非常平实、克制，没有太多华丽的辞藻，完全是以一种工程师解构机器的冷静态度来对待这些充满激情的作品，这反而让分析过程变得更加清晰可信，仿佛是拿着一把精密的尺子在丈量音乐的骨架。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，学习“新音乐”的挑战之一在于其分析工具的适应性。很多传统的分析工具在面对十二音体系、偶然性音乐或者微音高结构时会显得力不从心。这本书最让我感到欣慰的一点，是它似乎非常自觉地意识到了这一点，并尝试引入或构建一套更贴合现代作曲语汇的分析“工具箱”。阅读过程中，我能明显感觉到作者在试图打通传统分析方法的“边界”，并引入一些更具描述性的、适应性更强的概念来捕捉那些“非传统”的音乐现象。这种与时俱进的学术态度，使得这本书不仅仅是知识的搬运工，更像是一位经验丰富的向导，带着我们穿梭于二十世纪音乐的迷宫之中，指引我们找到理解前沿作品的有效路径，这对于任何希望深入研究当代音乐的学者或学生来说，都是一份宝贵的资源。