音乐基础 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 北京理工大学出版社

ISBN：9787568246538

商品编码：29722957605

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐基础 音乐 书籍
作者：	彭荣，帅凯晖主编
定价：	49.0
出版社：	北京理工大学出版社
出版日期：	2017-08-01
ISBN：	9787568246538
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版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书由乐理篇、视唱篇、歌唱篇和欣赏篇4个部分构成，共16个章节。乐理篇以介绍音乐基础理论为主，共8个章节；视唱篇主要以视唱训练为主，从简谱到五线谱逐级深入，力求帮助学生循序渐进地提高视唱能力；歌唱篇着重介绍了科学的发声方法和歌唱技巧；欣赏篇主要从音乐欣赏的基

音乐的色彩与结构：一部探索声学原理与历史演变的著作 本书聚焦于音乐的内在逻辑、历史脉络的变迁，以及声音的物理本质，旨在为读者提供一个全面而深入的理解框架，涵盖从古代调式到现代电子音乐制作的广阔领域。 --- 第一部分：声音的物理与感知基础（The Physics and Perception of Sound） 本部分将从最基础的物理学原理出发，解构“音乐”这一现象的物质基础。我们不探讨乐理中的“音级”或“和弦”，而是深入研究声音本身的产生、传播与接收机制。 第一章：振动、波与频率——声音的DNA 本章首先定义了声音的本质：周期性的机械振动在介质中传播形成的波。我们将详细阐述声波的三个核心属性： 频率 (Frequency)： 如何通过赫兹（Hz）来量化音高（Pitch）。我们将引入傅里叶分析（Fourier Analysis）的基本概念，解释任何复杂波形（如乐器演奏声）都可以分解为一系列正弦波的叠加，这是理解音色复杂性的关键。 振幅 (Amplitude)： 衡量声音的强度，即响度（Loudness）。我们讨论分贝（dB）的对数尺度特性，以及人耳对不同频率声音响度感知的非线性差异（如等响度曲线）。 波形 (Waveform)： 描述声音的“色彩”——音色（Timbre）。通过示波器观察，我们将对比笛声、弦乐和人声等不同声源产生的复杂周期波形，理解泛音列（Harmonic Series）在塑造音色中的决定性作用。 第二章：听觉的生理学与心理声学 声音一旦产生，必须通过复杂的生物系统进行解析。本章侧重于人耳的结构（外耳、中耳、内耳）如何将空气振动转化为神经电信号，以及大脑如何对这些信号进行解释和建构。 调音与听域： 人耳能听到的频率范围（约20Hz至20,000Hz）的生理极限，以及“掩蔽效应”（Masking Effect）——当强音存在时，弱音如何被听不见的现象，这在混音设计中至关重要。 音高的知觉： 探讨人脑如何处理基频和泛音信息来确定听觉上的音高，区分纯音与复杂音色。 空间听觉： 声音如何通过双耳时间差（ITD）和强度差（ILD）定位声源。这一知识是理解音乐厅声学设计和立体声录音技术的基础。 --- 第二部分：声音的组织与结构演变（Evolution of Sonic Organization） 本部分将从人类对声音进行结构化处理的历史角度出发，探讨不同文化和时代是如何建立起一套体系来组织声音的，而非关注特定的调式或和弦进行。 第三章：古代记谱法的起源与媒介的限制 本章追溯早期的声音记录尝试，这些尝试往往受限于当时的记录媒介（如岩画、口头传承或早期的符号系统）。 早期符号的局限性： 分析如古希腊的“尼姆”（Neumes）或早期中世纪的记谱法，它们记录的更多是旋律的走向（上行或下行）和大致的节奏概念，而非精确的音高和时值。 记谱法与性能实践的相互塑造： 探讨书面记录的精确度如何反过来推动了演奏技巧和音乐复杂性的发展。例如，精确的五线谱系统如何为复调音乐的出现创造了条件。 第四章：音律系统的构建与物理限制 音律（Temperament）是人为地调整音高关系以适应特定乐器或音乐需求的产物。本书将分析不同音律背后的数学与哲学动机。 纯律（Just Intonation）的完美与缺陷： 纯律基于简单的整数比率，追求和谐的泛音关系，但其在转调时会产生不和谐的“狼五度”。我们将计算这些比率，并讨论其在特定历史阶段的应用限制。 十二平均律的妥协与统一： 深入解析十二平均律（Equal Temperament）的数学构造——每半音的频率比固定为 $sqrt[12]{2}$。讨论这种“不完美”的数学平衡如何解放了作曲家进行自由转调的能力，最终成为西方音乐的主流标准。 非西方音律体系的对比： 简要介绍印度“斯鲁蒂”（Shruti）系统或中东“玛卡姆”（Maqam）系统中的微小音程概念，以展示音高组织并非是单一的线性发展。 第五章：节奏的测量与感知——超越节拍器的机械性 节奏不仅仅是定时的重复，它涉及人对时间流逝的感知和身体的律动。 脉冲与重音： 探讨“节拍”（Beat）和“小节”（Measure）如何被大脑组织。分析重音（Accent）在打破或强化现有节奏结构中的作用。 复合节奏与复节奏： 介绍交叉节拍（Polyrhythm）和复节奏（Polymeter）的构造原理，即不同周期的律动同时进行时，如何在大脑中产生复杂的、动态的结构感，而非仅仅是混乱。 --- 第三部分：记录、复制与声音的工程学（Recording, Reproduction, and Acoustic Engineering） 本部分转向现代技术对音乐物理形态的重塑，关注声音如何被捕捉、存储和再现的工程学原理。 第六章：声学环境的设计与控制 音乐的最终体验高度依赖于声音在空间中的行为。本章是关于建筑声学和房间模式的深入探讨。 反射、吸收与扩散： 详细解释声音在室内传播时遇到的三种主要现象。分析不同材料（如多孔材料、硬质表面）对声音能量和频率响应的影响。 混响时间（Reverberation Time, RT60）： 定义和测量混响时间，以及它如何影响音乐的清晰度和丰满度。讨论理想音乐厅（如柏林爱乐乐团）声学特性的关键参数。 驻波与滤波效应： 分析在封闭空间中，特定频率（尤其是低频）因声波反射叠加而导致的能量集中或抵消现象（驻波），以及如何通过房间几何形状进行优化。 第七章：电声转换的原理与失真 从机械记录到电子信号，声音的物理形态发生了根本性的转变。本章关注麦克风、放大器和扬声器的工作原理。 换能器： 探讨动圈式、电容式和带式麦克风的工作机制，分析每种技术拾取声音的频率响应特性和瞬态反应的差异。 信号的动态范围与信噪比： 解释在电子系统中，如何量化记录和传输过程中的“纯净度”。讨论动态范围（Dynamic Range）的限制以及电子噪音（Noise Floor）对信号质量的影响。 扬声器技术： 分析低音单元（Woofer）、中音单元（Midrange）和高音单元（Tweeter）的分工，以及它们如何通过分频器（Crossover）协同工作，重现原始声波的复杂波形。 第八章：数字信号处理的数学基础 现代音乐制作完全依赖于数字技术。本章将揭示这些技术背后的数学操作。 采样与量化： 详细解释奈奎斯特-香农采样定理（Nyquist-Shannon Sampling Theorem）的意义——如何确定采样率（如44.1kHz或96kHz）以避免混叠失真。讨论量化比特数（Bit Depth）如何决定动态精度。 数字滤波： 介绍数字均衡器（EQ）和动态处理器（如压缩器）的工作方式，它们通过修改数字域中的频率响应和幅度关系，实现对声音的塑形。 --- 总结： 本书旨在提供一套严谨的、跨学科的分析工具，使读者能够从物理、生物感知和工程学的角度，解构和理解任何形式的声音组织——无论是古代的吟唱，还是复杂的现代电子音景。我们关注声音的“如何”，而非“是什么”。

评分☆☆☆☆☆

我是一个工作了很多年的乐手，主修低音提琴，这次买这本《音乐基础 音乐 书籍》是想系统性地回顾一下被我遗忘已久的高级对位法和曲式分析。我期望它能提供一些精妙的分析案例，或者至少是对于奏鸣曲式发展阶段的深刻见解。这本书的结构安排得相当不合理。它将“基础乐理”和“曲式分析”硬生生地塞进同一个Volume里，导致前半部分的内容极其冗长和基础，浪费了我大量的时间去翻阅那些我已经了如指掌的知识点，比如如何数拍子，如何写简单的二部曲式。而真正我需要的深入内容，比如对位法的“严格对位”和“自由对位”之间的过渡处理，却被一带而过，仅仅用寥寥数页进行了概述。这种内容分配的失衡，让这本书的定位非常模糊：它既不是一本优秀的初学者入门书（因为太厚重且部分概念讲解过于学术化），也不是一本专业的进阶参考书（因为深度明显不足）。它像是一个为所有人都准备的、但最终谁也无法完全满意的折中产物。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐基础 音乐 书籍》真是让人又爱又恨。说它爱吧，是因为它在理论知识的梳理上确实下了一番功夫，从最基础的音高、节奏概念讲起，循序渐进地引入了和声学的基本规则。我特别欣赏作者在讲解复杂乐理概念时，那种不厌其烦的耐心，比如对三和弦转位的解释，配上了大量的图示和听辨练习，即使是音乐科班出身的同学，也能从中找到新的理解角度。然而，它的缺点也同样明显。这本书的排版和装帧简直是一种折磨，纸张的质量差到让人怀疑是不是从上世纪八十年代的印刷厂直接拿出来的，内页的油墨时不时地会印花，阅读体验大打折扣。更别提那些为了所谓的“复古”而采用的字体，细若游丝，在图书馆昏暗的灯光下阅读简直是场视觉灾难。我希望未来的再版能重视一下阅读的物理感受，毕竟，学习音乐理论需要长时间的沉浸，舒适的阅读环境是基本要求。这本书的知识点是扎实的，但外在包装实在配不上它内在的价值，读完一章，常常需要揉揉眼睛，而不是为刚刚掌握的新知识感到兴奋。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源简直是灾难中的灾难。我指的是那些所谓的“听觉训练音频”。首先，这些音频的录制质量非常业余，像是用一个早期的家用录音设备完成的一样，动态范围极差，动态对比度几乎为零。很多需要区分的和声进行，在高品质的录音中本应是清晰可辨的，但在这些伴随教材提供的音频里，它们听起来就像是一团糊在一起的噪音，根本无法有效训练耳朵。我不得不放弃使用配套音频，转而自己去网上搜索高质量的巴赫或莫扎特的录音来辅助练习。更令人沮丧的是，教材中某些章节明确指出了需要听辨的特定例子，但下载链接长期失效，或者指向一个充满乱码文件的文件夹。对于一本旨在教授“听觉”与“实践”结合的音乐书籍来说，音频和听力训练部分是其灵魂所在，而这本书的作者和出版方显然在这方面投入的精力，远不如他们花在校对符号错误上的时间。这是一个巨大的，几乎是致命的缺陷。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐理论书给我的感觉是，它更像是一个严肃的学术论文集，而不是一本面向学习者的教材。作者的语言风格极其书面化，充斥着大量晦涩的德语或拉丁语词汇的直译，使得理解过程变得异常缓慢。比如，在讲解调性关系时，作者习惯性地使用一些极为正式的术语来描述简单的现象，使得初学者很容易在复杂的名词中迷失方向，对音乐产生一种距离感和敬畏感，而不是亲近感。我记得有一次，我花了近四十五分钟才真正弄明白一个关于“经过终止式”的定义，原因仅仅是作者用了一种极其迂回的方式来阐述其功能性。真正好的教材，应该致力于消除知识与学习者之间的障碍，用最清晰、最直接的语言构建桥梁。而这本书，似乎更热衷于展示作者深厚的学术功底，而不是教学能力。它更适合那些已经在领域内深耕多年、需要查阅特定术语精确定义的专家，而不是那些试图踏入音乐殿堂的年轻人。它缺少了那种鼓励人去实践、去创作的温度。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本厚厚的《音乐基础 音乐 书籍》时，我本以为能找到一些前沿的、能帮助我突破创作瓶颈的“秘籍”。毕竟市面上关于基础乐理的书籍汗牛充栋，总得有点独到之处才能脱颖而出。结果，这本书读下来，感觉就像是把一本标准音乐学院的教材用最枯燥的方式重新编排了一遍。它的内容严格遵循了古典音乐的框架，对十二平均律、功能和声的讲解无可挑剔，但当我试图寻找任何关于二十世纪音乐、爵士和声或者电子音乐制作中常用理论的探讨时，却发现那里空空如也。它仿佛停留在了一个非常固定的时间点上，对音乐发展至今的多元化趋势视而不见。对于一个希望将古典理论应用于现代编曲的读者来说，这本书的价值非常有限，它提供的是一个坚实的地基，但地基之上，你得自己去搭建所有现代的建筑。如果你只是想通过考试，这本书是完美的字典，但如果你想探索音乐的可能性，这本书提供的视角未免太过狭隘，甚至有些教条主义了。