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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103052495

商品编码：29724194322

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	学竖笛：6 音乐 书籍
作者：	唐振宇
定价：	20.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：
ISBN：	9787103052495
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	大16开

内容简介

本套教程共分6册，编写思路与内容以《义务教 育音乐课程标准（2011）》为指导，根据儿童的智力 发展和生理条件，按照循序渐进的原则进行，将竖笛 演奏技巧与乐理知识有机结合，图文并茂。选曲适合 儿童特点，轻松活泼，内容丰富，能够让学生在掌握 竖笛演奏的同时开阔艺术视野。唐振宇主编的《学竖 笛（6）》是该丛书之一。

目录

一、吹奏准备 (一)竖笛介绍 (二)竖笛吹奏姿势 (三)竖笛吹奏嘴形与手指按孔部位 二、乐曲 1．厄尔嘎兹山 2．欢乐颂(三重奏) 3．斗牛士之歌选自歌剧《卡门》(三重奏) 4．七月的原 5．伦敦德里小调 6．童年 7．三月天(二重奏) 8．快乐的农夫(三重奏) 9．康康舞曲 10．奏鸣曲 11．春选自《四季》(三重奏) 12．优雅的小快板 13．中板 14．单簧管波尔卡舞曲 15．小星星变奏曲 16．土耳其进行曲 17．西西里舞曲 18．绿袖子变奏曲 19．良宵 20．娱乐者 附录 巴洛克式(英式)高音竖笛指法图

好的，这是一份关于其他音乐学习书籍的详细简介，避开了您提到的《学竖笛：6 音乐 书籍》的具体内容。 --- 《和声进行与曲式结构解析：古典音乐的逻辑与美学》 本书旨在为有一定音乐基础的学习者提供一个深入理解西方古典音乐核心要素的途径。它并非专注于某一特定乐器（如竖笛）的技巧训练，而是将视野投向音乐创作的宏观结构与内在逻辑，是理论学习者和演奏者提升音乐理解力的必备参考。 第一部分：基础和声的精炼与拓展 本部分对传统的功能和声体系进行了系统性的梳理与再构建。我们从最基础的三和弦与七和弦的构建原理出发，逐步深入到调式外和声的运用，例如那不勒斯六和弦、减七和弦的色彩变化及其在不同时期作曲家作品中的实际处理方式。 和声语汇的深化： 重点解析了代理和弦、转位和弦在创造流畅进行中的作用。不同于入门教材中对“什么是属和弦”的简单介绍，本书着重探讨“属和弦如何在不同的乐段和情绪转折点上服务于整体的音乐叙事”。我们分析了巴洛克时期巴赫对和声连接的严谨性，以及浪漫主义作曲家如肖邦和李斯特如何通过模糊调性中心来拓展和声的疆界。 低音线条的独立性： 深入探讨了低音声部（Bass Line）在和声进行中的决定性作用。许多初学者往往将注意力集中在上声部旋律，而忽略了低音线如何奠定稳定感或制造紧张感。书中通过大量的实例分析，展示了“步行低音”（Walking Bass）的写作规则，以及如何利用连续的低音进行来构建强大的结构支撑。 第二部分：曲式结构的层级分析 理解曲式，即是理解音乐的骨架。本书将曲式理论从简单的“呈示部-展开部-再现部”的线性认知，提升到多层次的结构分析。 单乐章体裁的剖析： 奏鸣曲式（Sonata Form）： 这无疑是古典主义音乐的基石。本书将奏鸣曲式视为一种“戏剧性的结构”，不仅仅是主题的出现与回归。我们细致地分析了呈示部中“冲突”（两个主题的对比）的建立、展开部中“斗争”（主题材料的分解与重组）的技巧，以及再现部中“和解”（调性回归与主题的统一）的实现。书中包含了对海顿、莫扎特和贝多芬早期、中期及晚期奏鸣曲式处理的对比研究。 回旋曲式（Rondo Form）： 探讨了回旋曲式中“A”主题的稳定性和“插部”（Episodes）的对比性功能，特别是七段回旋曲（ABACABA）中段落间的逻辑过渡。 变奏曲（Variation Form）： 分析了主题变奏的几种主要手法：节奏变奏、和声变奏、织体变奏以及对位变奏，并以莫扎特和勃拉姆斯的一些重要变奏作品为例证。 大型套曲结构的研究： 组曲（Suite）： 侧重于不同舞曲风格（如阿尔芒德、萨拉班德、吉格）在音高、速度和节拍上的内在统一性。 交响曲与协奏曲的宏观布局： 探讨了多乐章作品中，各乐章在速度、调性关系和情绪张力上的配比设计，例如第一乐章的激昂与第三乐章的诙谐之间的平衡关系。 第三部分：对位法与织体分析 本部分是本书区别于一般和声学教材的关键所在，它强调了旋律线之间的独立运动与交织。 严格对位基础： 引入了学生必须掌握的帕莱斯特里那风格的对位法，重点解析了第一、第二、第四种对位（纯粹的平行、反向与斜向运动，以及附点节奏的运用）。这不仅是技术训练，更是对声部平衡感的培养。 自由对位在管弦乐中的应用： 从巴赫的赋格曲（Fugue）出发，解析了呈头（Subject）、应答（Answer，分析移位与移调的差异）、入进（Stretto）和呈示部后的扩展。随后，我们将对位思维拓展到浪漫主义的管弦乐配器中，观察德彪西或马勒如何在宏大的织体中保持声部线的清晰度与独立性。 织体分析工具： 介绍如何使用“织体密度”、“声部数量”和“对位紧张度”等指标来量化分析音乐的质感变化，帮助学习者在阅读总谱时能快速把握作曲家的意图。 总结与展望： 本书强调理论的实践性，所有理论点都配有详尽的谱例分析，这些谱例横跨巴洛克晚期到20世纪初的欧洲核心曲目。通过学习本书，读者将能够更深入地“阅读”乐谱，理解音乐家在创作时所做的结构性选择，从而使演奏更加精准、解读更富洞察力。这套方法论旨在培养的是一位能够独立分析和欣赏复杂音乐作品的“结构思考者”。 --- 《世界民族音乐学导论：文化、仪式与声音的交汇》 本书是一本面向人类学、社会学及音乐学学生的综合性导论教材，聚焦于音乐作为一种文化现象，而非单一的艺术表达形式。它完全避开了西方传统记谱法或古典乐理的范畴，转而探索全球范围内，音乐在不同社会结构和仪式中的功能与意义。 第一章：民族音乐学的范畴与方法论 本章首先界定了民族音乐学（Ethnomusicology）的学科地位，明确它与西方艺术音乐学（Musicology）在研究对象、田野工作方法上的根本差异。我们强调“参与式观察”（Participant Observation）的重要性，并讨论了伦理困境，如文化挪用（Cultural Appropriation）与知识产权问题。 田野工作的准备： 详细介绍了音频录制、笔记记录、图像采集的技术要求与规范，以及如何建立与信息提供者（Informants）的信任关系。 第二章：音乐的社会功能与仪式背景 本部分是本书的核心，它将音乐置于具体的社会情境中进行考察。 仪式音乐： 探讨了生命周期仪式（如出生、成年、死亡）中音乐的作用。例如，分析了西非约鲁巴人（Yoruba）的鼓语（Talking Drums）在沟通和呼唤神灵中的角色，以及美拉尼西亚群岛中，用于驱邪或丰收的吟唱如何通过特定音高模式来象征宇宙秩序。 工作与劳动歌曲： 研究了音乐如何在集体劳动中调节节奏、分散疲劳。分析了印度恒河畔的船歌和美国南方种植园的劳动歌（Field Hollers）在节奏同步性与情感宣泄上的异同。 政治与身份表达： 探讨了音乐如何被用作抵抗、认同建构和国家构建的工具。案例包括巴尔干地区的史诗歌唱传统如何维护民族历史记忆，以及当代流行音乐（如雷鬼乐）在全球范围内的身份政治表达。 第三章：声音的生态学与乐器分类 本章从声音本身出发，探讨人类如何组织和感知声音环境。 全球乐器学（Organology）： 采用萨克斯-霍恩博斯特尔（Sachs-Hornbostel）分类法，对全球的五大类乐器（气鸣、膜鸣、体鸣、弦鸣、舌簧）进行系统性梳理，但重点放在对这些乐器在特定文化中“激活”方式的研究上，而非仅仅是物理结构。例如，探讨了爱尔兰的锡哨（Tin Whistle）与中国竹笛在制作材料和吹奏技法上反映的文化倾向差异。 非标准音高系统： 介绍了十二平均律之外的音高系统，包括五声音阶、七声音阶的微小音程变化（如四分音）。分析了中东的“马卡姆”（Maqam）系统和印度音乐的“拉格”（Raga）系统如何通过复杂的旋律框架来调动听众的即时情绪反应。 第四章：口头传统与音乐的演变 本章关注音乐知识在缺乏固定书写系统的情况下如何代际传承和自我革新。 即兴创作的规则： 分析了爵士乐、印度古典音乐和中东传统音乐中的即兴（Improvisation）并非“随意发挥”，而是严格遵循既定“框架”或“模式”的再创造过程。 音乐与文本： 探讨了史诗吟诵、歌谣创作中，文本（Lyrics）与旋律（Melody）之间的相互塑造关系，以及在口头传播过程中，由于记忆偏差、表演者风格差异导致的“合法变体”的产生。 第五章：全球化与当代民族音乐学的挑战 在跨文化交流日益频繁的今天，民族音乐学面临新的研究课题。本章讨论了： 世界音乐（World Music）产业的兴起： 音乐如何从文化“功能”转变为可消费的“产品”。 数字技术对田野工作的反哺： 探讨了新的数字存档技术如何改变了我们对“原始”或“纯粹”音乐的定义。 本书通过大量的案例研究（涵盖了从亚马逊雨林部落到日本能剧的丰富素材），旨在培养读者对“音乐”概念的去中心化视角，认识到音乐是人类社会活动中不可或缺的、多维度的文化表达。它要求学习者放下对传统记谱法的依赖，用人类学的眼光去倾听世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配图和练习曲目编排，散发着一股浓厚的欧洲传统音乐教育的韵味，非常严谨。它对音准的强调近乎苛刻，这一点我非常欣赏。它要求学习者不仅仅是吹出正确的音高，还要追求声音的“聚焦”和“穿透力”。书中提供的调音练习非常科学，引导你如何倾听自己发出的声音，并与内在的听觉标准进行比对。然而，我发现，这本书在“视唱练耳”的结合上做得相对薄弱。对于竖笛学习者来说，能准确地将看到的五线谱转化为听觉印象至关重要，但这本书的侧重点完全放在了指法和气息上，相关的听觉训练内容被压缩得太少了。它更像是一本“演奏技能手册”，而不是一本“综合音乐素养培养指南”。如果你已经具备一定的乐理基础，只是想精进竖笛的演奏技巧，这本书会是你的得力助手；但如果你是音乐白痴，希望通过这本书同时补齐视唱练耳的短板，可能需要搭配其他教材来使用，否则会感觉在某一方面有所欠缺。

评分☆☆☆☆☆

这本书，嗯，怎么说呢，如果我只是把它看作一本普通的乐器入门书籍，那它绝对是及格以上的。封面设计得很简洁，黑底白字，挺有格调的。翻开内页，排版布局很清晰，不像有些教材，密密麻麻的看得人头晕。初学者最怕什么？就是对指法图示看不懂，节奏符号记不住。《学竖笛：6 音乐 书籍》在这方面做得相当到位，每一个基本指法图都配有高清的实物照片，光影处理得很好，能清楚看到手指按孔的位置，这一点对于我这种手笨的来说，简直是救星。而且，它很注重基础的呼吸技巧，不像有些书直接上来就让你吹音阶，这本书花了好几页篇幅讲解如何“含气”、“送气”，甚至还配了些吹奏时的面部肌肉放松的小练习，这点非常专业，感觉像是请了位资深音乐老师在手把手教你。当然，曲目选择上，可能更偏向于古典基础训练，但胜在选的都是旋律性很强的短曲，每天练习半小时，一周下来指法就能很顺溜地配合起来。总而言之，作为一本严肃的初级教材，它的实用性和指导性是毋庸置疑的。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，一本好的音乐教材，不仅仅是知识的传递者，更应该是学习者情绪的稳定器。这本书在这方面做得相当出色，它传递出一种沉稳、不急不躁的教学态度。它的语言风格非常克制，没有过多花哨的激励性词汇，而是用非常精确的术语和清晰的逻辑来引导你。比如，在处理颤音（Trill）这一技术难点时，它没有简单地告诉你“多练习”，而是将颤音分解成了A音到B音的两个独立动作，然后分别练习这两个动作的流畅切换速度，最后再合起来，这种模块化的拆解法，效率极高。我用书上教的方法试着练习了几天，感觉手指的协调性有了明显的提升。不过，从读者的角度看，如果能在某些关键的练习之后，增加一些“常见错误及修正方法”的专栏会更好。因为自学过程中，很多时候我吹出来的声音不对劲，却不知道是气息太冲还是按孔没到位，只能靠自己反复摸索，如果能有明确的“误区诊断”，这本书的实用价值会再上一个台阶。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候，其实是冲着那个“6”去的，本以为它会是那种涵盖了非常深奥乐理知识的进阶读物，结果拿在手里发现，它更像是一本精心打磨的“慢炖汤”。打开后，我首先注意到的是它对乐理知识的讲解方式，非常巧妙地融入了竖笛的演奏实践中。比如，讲解到三拍子和四拍子时，它不是直接给你一个枯燥的定义，而是立刻提供一个对应的、适合初学者吹奏的小练习段落，让你在“做”中学，而不是在“背”中失。这种场景化的学习设计，极大地降低了学习的挫败感。然而，略感遗憾的是，对于一些更现代或跨界的音乐风格尝试，这本书就显得有些保守了。如果你期待能在这本书里找到如何用竖笛演奏爵士乐或者流行歌曲的技巧，那可能会失望。它完全是扎根于传统音乐教育的土壤，一丝不苟地教你如何吹响“C”大调，如何准确把握附点音符的时值。但这也许就是它的优点吧，它教会你的是如何打好地基，而不是如何快速盖起华而不实的顶层建筑。 整体阅读体验流畅，插图质量高，但风格略显古板。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，我得给它点个赞，很耐看。那种老派的、有点像图书馆藏书的质感，让我每次翻开它都有一种肃穆感。但内容上，我总觉得它在“进阶”和“趣味”之间走得有点摇摆不定。它前半部分非常扎实，从口型、气息到音阶的平稳过渡，都处理得细致入微，简直是教科书级别的示范。我特别喜欢它在讲解如何控制音色纯净度那里，用到了一个比喻——“像用一根细针穿过丝绸”，形象生动，让我一下子就理解了那种需要稳定气流的感觉。然而，到了后半部分，当我期待看到更多技巧的拓展，比如装饰音的快速练习，或者复杂的指法转换时，内容突然变得有些跳跃。似乎作者认为，达到某个程度后，学习者就应该自行去探索了。这种戛然而止的感觉，让我这个求知欲旺盛的读者略感意犹未尽。它提供了工具，但没有完全展示所有工具箱里的所有复杂器械的用法，留下了不少需要读者自我探索的空间。