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张恒国邹晨 编

图书标签:

• 中国画
• 绘画基础
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• 艺术
• 文化
• 绘画
• 素描
• 线条

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 清华大学

ISBN：9787302464815

商品编码：29780674370

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：中国画入门基础
• 作者：编者:张恒国//邹晨
• 定价：49.9
• 出版社：清华大学
• ISBN号：9787302464815

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：139
• 字数：180千字

内容提要

中国画简称“国画”，它是以中国特有的毛笔、 墨和中国画颜料为工具，在特制的宣纸上所表现的一 种绘画形式。中国画**艺术魅力，深受广大绘画爱 好者的喜爱。
     由张恒国、邹晨编著的《中国画入门基础(畅销 升级版)》从写意画法入手，采用步骤图的形式，详 尽地介绍了不同题材国画的绘画程序和表现技法，通 过典型范例，解析和应用中国画学习知识和特点。本 书内容丰富，结构安排合理，以简单实用为出发点， 通过大量精选的典型实例，系统讲解了中国画的表现 技法，阐述了中国画的绘画流程。
     《中国画入门：畅销升级版》从国画的特点和广 大国画爱好者的实际需要出发，将常见的花卉、花鸟 、蔬果、动物、山水等具有代表性的题材编绘出来， 阐述了国画的表现过程以及基本技法，内容丰富扎实 ，文字简洁生动，讲解精到透彻，表达深入浅出，图 文并茂，示教直观。
     《中国画入门：畅销升级版》具有图文并茂、内 容丰富、信息量大、结构清晰，实例丰富，针对较强 等特点，将引导初学者通过典型案例学习和理解中国 画的表现方法。《中国画入门：畅销升级版》可以作 为初学者和爱好者学习国画的教材，也可以作为** 中职、高职高专院校以及成人院校、业余美校国画类 相关专业的教材。
    

目录

第一章 中国画概述
1．中国画
2．中国画的艺术特点
3．中国画的分类
第二章 国画工具与用法
1．毛笔
2．墨汁
3．宣纸
4．颜料
5．其他工具
6．中国画的执笔方法
7．国画绘画姿势
8．笔锋的运用
9．写意画用线
10．用墨
11．中国画的色彩
第三章 竹子的画法
1．竹子的画法(一)
2．竹子的画法(二)
3．竹子的画法(三)
4．竹子的画法(四)
5．竹子的画法(五)
6．竹子的画法(六)
7．竹子的画法(七)
8．竹子的画法(八)
9．竹子的画法(九)
第四章 写意花卉
1．菊花的画法
2．水仙花的画法
3．牵牛花的画法
4．桃花的画法
5．鸢尾花的画法
6．秋菊的画法
7．牡丹的画法
8．紫藤花的画法
第五章 写意花鸟
1．鸟的画法(一)
2．鸟的画法(二)
3．其他鸟的画法
4．鹰的画法
5．花鸟的画法(一)
6．花鸟的画法(二)
7．花鸟的画法(三)
8．花鸟的画法(四)
9．花鸟的画法(五)
10．花鸟的画法(六)
11．花乌的画法(七)
12．花乌的画法(八)
13．花鸟的画法(九)
14．花鸟的画法(十)

中国画入门基础 引言 中国画，作为世界艺术宝库中的一颗璀璨明珠，以其独特的笔墨韵味、写意精神和深厚的文化底蕴，吸引着无数艺术爱好者。想要真正领略中国画的魅力，掌握其精髓，系统学习是必不可少的。本书《中国画入门基础》正是为零基础的初学者量身打造的一本指南，它将带领您一步步走进中国画的艺术世界，从最基本的水墨技巧到中国画的审美理念，再到实际的创作实践，为您打下坚实的基础。 第一章：中国画的认识与准备 在正式动笔之前，了解中国画的基本概念和创作所需的工具材料至关重要。本章将为您扫清入门的盲区。 1.1 什么是中国画？ 概念辨析： 区别于西方绘画，中国画强调“以形写神”，注重意境的表达。它并非简单地描摹客观物象，而是通过笔墨的浓淡干湿、线条的刚柔曲直，来传达创作者的主观情感和对事物的理解。 发展脉络简述： 简要回顾中国画从古代到近现代的发展历程，让您对其历史地位和艺术传承有一个初步的认识。例如，从史前岩画的萌芽，到唐宋山水的成熟，元代文人画的兴起，明清花鸟画的繁荣，以及近现代艺术家的探索创新。 主要画种简介： 介绍中国画的主要类别，如山水画、花鸟画、人物画，以及它们的各自特点和表现手法。例如，山水画如何通过层峦叠嶂、烟云变幻来营造意境；花鸟画如何捕捉物体的神态和生命力；人物画又如何通过形体、神情来刻画人物性格。 1.2 必备工具与材料 文房四宝的奥秘： 笔（毛笔）： 详细介绍毛笔的种类（如狼毫、羊毫、兼毫），不同毛笔的特性（软硬、弹性），以及如何根据绘画对象选择合适的笔。例如，画山石需要硬毫，画花鸟羽毛需要软毫。 墨（墨块与墨汁）： 介绍传统墨块的研磨方法，以及现代墨汁的使用便利性。讲解墨色的浓淡干湿如何变化，以及如何利用“焦、浓、重、淡、清”五墨法来丰富画面层次。 纸（宣纸）： 重点介绍宣纸的种类（生宣、熟宣、半生熟宣），它们的吸水性和晕染效果的差异，以及选择哪种宣纸适合初学者练习。例如，初学者可以从熟宣开始，因为它不易洇墨，更容易控制。 砚（砚台）： 介绍砚台的作用，以及如何选择和保养砚台，强调“墨色均匀”的重要性。 其他辅助工具： 调色碟/笔洗： 用于调和墨色或清洗毛笔。 镇纸： 用于固定宣纸。 毡布/报纸： 垫在宣纸下方，吸收多余水分，保护桌面。 尺/笔架： 方便画画时的工具摆放。 1.3 基础执笔与运笔 正确执笔姿势： 演示五指执笔法（按、压、勾、格、抵），讲解正确的执笔高度和角度，强调“悬腕”、“提腕”的重要性，以保证笔墨的灵活运用。 基本用笔方法： 点： 介绍点的种类（圆点、扁点、长点），以及如何控制笔的压力和角度来形成不同的点。 线： 介绍线条的基本形态（粗细、方圆、曲直、刚柔），讲解如何运用不同的笔锋（中锋、侧锋）来表现线条的质感和力量。例如，中锋用笔圆润有力，侧锋用笔苍劲雄厚。 皴法简介（入门）： 简要介绍中国画中用来表现山石纹理的皴法，如披麻皴、斧劈皴等，但强调初学者应先掌握基本点线，为后续学习皴法打下基础。 第二章：水墨技法的探索 水墨是中国画的灵魂，掌握好水墨的运用，才能真正表现出中国画的韵味。本章将带领您深入探索水墨的奥秘。 2.1 墨色的变化与控制 “焦、浓、重、淡、清”五墨法： 详细讲解这五种墨色的特点，以及它们在画面中的应用。例如，焦墨可以表现枯笔，浓墨可以表现深邃，淡墨可以用来渲染远景。 干湿墨的运用： 讲解如何在笔中含水量不同时，通过不同的运笔速度和力度来控制墨色的干湿程度，以及它们产生的不同艺术效果。例如，湿墨晕染柔和，干墨勾勒利落。 墨的叠加与晕染： 练习如何将不同干湿程度的墨色进行叠加和晕染，以创造出丰富的墨层和层次感，避免画面“死白”或“死黑”。 2.2 水的运用与晕染 “破墨法”入门： 简单介绍“破墨法”的概念，即在已有的墨色上再施加墨色或水色，产生新的变化。例如，在湿墨上用浓墨“破”，产生浓墨中有笔触的效果。 “积墨法”入门： 简单介绍“积墨法”，即层层叠加墨色，直至画面深厚。强调积墨法的耐心与墨色变化的控制。 墨与水的配合： 强调水是中国画的“润滑剂”，如何恰到好处地运用水来控制墨的走向、晕染范围和节奏，是表现水墨韵味的关健。 2.3 基本笔墨练习 点画练习： 练习各种点，如梅花点、蟹爪点、兰叶点等，体会不同点画的形态和韵味。 线画练习： 练习各种线条，如圆转、方折、顿挫、飞白等，掌握线条的力度、弹性与节奏感。 墨块练习： 练习用大笔触画出墨块，体会墨块的厚重感和空间感，为以后画山石、树干等打基础。 第三章：中国画的审美理念与构图基础 掌握了基本技法，接下来需要理解中国画的审美追求，并学习如何进行画面构图。 3.1 中国画的意境之美 “以形写神”： 深入理解“以形写神”是中国画的核心，即不拘泥于形似，更注重传达物体的内在精神和生命力。 “气韵生动”： 阐述“气韵生动”是中国画的最高评价标准，它要求画面充满生命力和动感。 “虚实相生”： 解释画面中“虚”与“实”的关系，留白（虚）的重要性，以及如何利用虚实对比来营造画面意境。 “神似”而非“形似”： 强调中国画的写意性，是“似与不似之间”的艺术，不追求照片般的写实，而是通过简化、夸张、变形来表现事物本质。 3.2 构图的基本原则 “黄金分割”与“九宫格”： 介绍西方构图原理在中国的应用，以及如何在画面中寻找视觉中心。 “疏密有致”： 讲解画面中景物安排的合理性，避免拥挤或空洞，保持画面的节奏感。 “主次分明”： 如何突出主体，弱化陪体，使画面重点突出。 “虚实结合”： 如何通过留白、景深等手法，创造出画面的空间感和想象空间。 “平衡与打破平衡”： 探讨画面在视觉上的稳定感，以及如何在稳定中求变化。 “透视”的东方理解： 区别于西方严格的科学透视，介绍中国画在处理空间关系时，更注重“散点透视”或“移步换景”的手法，以表现广阔的空间和多变的视角。 3.3 经典构图范例分析 简单案例讲解： 通过分析一些简单的构图，如“远近法”、“开合法”、“聚散法”，帮助初学者理解构图的实际应用。 第四章：基本绘画对象的练习 掌握了技法和构图理念，就可以开始尝试描绘具体的绘画对象了。本章将从最简单的元素开始，循序渐进。 4.1 兰花的画法 为什么选择兰花？ 兰花是中国画中常见的题材，其形态简洁，线条柔美，是练习点、线、墨的绝佳对象。 兰叶的画法： 叶的结构与走向： 分析兰叶的生长姿态，叶脉的走向，以及如何用不同的笔触来表现叶片的质感。 提按顿挫的运用： 练习用提按顿挫来表现叶片的层次感和生命力。 墨色的变化： 练习用不同的墨色来画出不同朝代、不同状态的兰叶。 兰花的画法： 花的结构： 分析兰花的各个部分（花瓣、花蕊、花托）。 点睛之笔： 强调如何用简洁的笔墨来勾勒出兰花的优雅姿态。 组合练习： 练习将兰叶与花进行组合，学习如何安排花叶的疏密和动势。 4.2 竹子的画法 为什么选择竹子？ 竹子象征君子，其挺拔的姿态和坚韧的品格，是艺术表现的极佳素材。 竹竿的画法： 竹节的处理： 强调竹节的连接和错落感。 粗细变化： 练习用不同墨色和笔触来表现竹竿的粗细和质感。 运笔的连贯性： 练习用一气呵成的笔法画出竹竿的挺拔感。 竹叶的画法： “个”字形叶： 讲解如何用“个”字形来概括竹叶的基本形态。 “分”字形叶： 讲解如何用“分”字形来表现竹叶的蓬勃感。 墨色与疏密： 练习用不同墨色和疏密来表现竹叶的层次和风吹雨打的效果。 组合练习： 练习画出不同姿态的竹子，如风中竹、雨中竹、雪中竹。 4.3 山石的基本画法 山石的形态概括： 学习如何将复杂的三维山石简化为二维的平面图形。 皴法的初步尝试（简单皴法）： 披麻皴： 简单介绍披麻皴的画法，用于表现山石的平缓纹理。 斧劈皴： 简单介绍斧劈皴的画法，用于表现山石的硬朗和锐利。 墨法的运用： 练习用浓淡干湿的墨色来表现山石的明暗和体积感。 勾勒与皴染结合： 练习如何用线条勾勒出山石的轮廓，再用墨皴和渲染来丰富其细节。 4.4 花鸟画入门（简单花卉） 简单的花卉（如梅花、荷花）： 花瓣的画法： 学习用点、线、面的结合来表现花瓣的形态。 花蕊的描绘： 强调用简洁的笔墨点出花蕊的神韵。 叶与枝的搭配： 练习如何将花、叶、枝进行巧妙组合。 第五章：实践与进阶 通过前几章的学习，您已经掌握了中国画的基本理论和技法。本章将引导您进入更深入的实践，并为您指明进阶的方向。 5.1 临摹的重要性与方法 为什么需要临摹？ 强调临摹是学习传统绘画最有效的方式之一，可以通过模仿大师的作品，学习其笔法、构图和神韵。 如何有效临摹？ 由浅入深： 从临摹简单的作品开始，逐步过渡到复杂的作品。 多看多思： 不仅仅是动手画，还要去理解原作的精髓。 抓住重点： 每次临摹抓住作品的一个或几个关键点进行学习。 对比分析： 临摹后与原作进行对比，找出不足。 5.2 创作的初步尝试 从写生开始： 鼓励您走到户外，观察生活中的自然景物，尝试用学到的技法进行写生。 意念的表达： 尝试将自己的情感和思考融入画面，进行初步的创作。 小品创作： 从小幅作品开始，逐渐积累创作经验。 5.3 学习资源与进阶方向 推荐的书籍与画家： 介绍一些值得参考的中国画入门书籍和著名画家（如齐白石、徐悲鸿、傅抱石等），引导您深入学习。 参加培训班或工作坊： 建议您寻找专业的指导，获得更系统化的学习。 深入研究不同画种： 在掌握基础后，您可以根据自己的兴趣，选择深入学习山水、花鸟或人物画。 探索个人风格： 鼓励您在学习传统的基础上，逐渐形成自己的艺术风格。 结语 中国画是一门博大精深的艺术，它需要耐心、悟性和不断的实践。本书《中国画入门基础》为您提供了一个坚实的起点，但艺术的学习之路是无止境的。希望通过本书的学习，您能够热爱上中国画，并在这条充满魅力的艺术道路上，不断探索，不断进步，最终找到属于自己的艺术语言。愿您在笔墨的挥洒中，体验中国传统文化的深邃与东方审美的独特魅力。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为学习中国画需要很强的绘画功底，看到这本书的时候，我抱着试一试的心态，希望能找到一个适合初学者入门的指南。这本书在基础技法讲解上做得非常细致，从最基本的笔法、墨法开始，一步一步地引导读者。比如，书中详细地分解了“勾、皴、擦、染”这几种基本笔法，并且用清晰的图示和文字说明了每种笔法的应用场景和效果。我之前总觉得画山水画的皴法很复杂，但这本书将不同的皴法，如披麻皴、斧劈皴等，都做了详细的示范，让我对这些技巧有了初步的认识。而且，作者强调的“运笔”和“用墨”的技巧，以及如何控制笔的力度和墨的湿润度，都让我觉得非常实用。这本书并没有要求读者立刻画出惊世骇俗的作品，而是注重基础的扎实，让我明白绘画是一个循序渐进的过程，从掌握基本功开始，才能逐步提升。

评分☆☆☆☆☆

初次拿起这本书，我纯粹是出于对中国传统艺术的好奇，想对“中国画”这个概念有个大致的了解，并没有抱着要立刻上手绘画的宏大目标。这本书的装帧设计很简洁，纸张的触感也很舒服，这些细节都让我觉得很放松，仿佛准备开始一段宁静的文化探索之旅。我尤其喜欢书中的开篇部分，它没有直接跳到技法讲解，而是花了相当篇幅介绍中国画的历史渊源和哲学思想，比如“写意”的精髓，以及古人如何通过绘画来寄情言志，表达对自然的敬畏和对生命的感悟。我之前对这些内容知之甚少，读完后才意识到，中国画不仅仅是线条和色彩的堆砌，更是一种深邃的东方美学体系。书中提到的“气韵生动”和“笔墨情趣”，这些概念我以前只在模糊的印象里听过，现在通过作者的解读，感觉一下子清晰了很多，也让我对中国画产生了更深的敬意。这本书就像一位循循善诱的引路人，带领我走进了中国画的殿堂，让我觉得学习中国画并非遥不可及，而是可以从理解其文化内涵开始，慢慢品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方在于它对中国画色彩和构图的独到见解。我一直以为中国画的色彩会非常浓烈，但书中细致地讲解了水墨的晕染和淡彩的运用，如何通过墨色的浓淡干湿来表现物体的质感和空间层次。特别是关于“留白”的艺术，作者用了整整一个章节来阐释，让我明白了留白并非“空无”，而是“有”的一部分，是画面意境不可或缺的元素。它不仅能引导观者的视线，更能营造出一种悠远、深邃的氛围。在构图方面，书中也打破了我对西方绘画对称、饱满的固有认知，介绍了中国画的“散点透视”和“移步换景”等构图原则，让我了解到中国画如何通过灵活的空间处理来表现更广阔的景致和更丰富的情感。书中列举的许多经典画作作为范例，我都反复地去揣摩，试着去理解作者所说的“意境”和“气韵”。这种学习方式让我觉得很有收获，不仅学到了知识，也提升了自己的审美能力。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个喜欢研究中国传统文化的人来说，这本书提供了一个非常棒的切入点。它不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于中国画背后文化意蕴的解读。作者在书中穿插了许多关于中国画理论的探讨，比如“外师造化，中得心源”的哲学思想，以及如何通过观察自然来提炼绘画语言。我特别喜欢书中关于“诗画结合”的章节，它让我了解到中国画如何将诗词的意境融入画面，通过视觉化的语言来表达抽象的情感和哲理。书中还引用了大量的古代画论和名家逸事，让我对中国画的历史发展脉络有了更深的理解。读这本书的过程中，我仿佛能感受到古人那种“遗貌取神”的创作态度，以及他们对自然万物细腻的体察。这种精神层面的引导，比单纯的技法讲解更能激发我学习中国画的兴趣，让我觉得这是一门值得深入探索的艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容组织上非常清晰，让我这样一个零基础的读者也能轻松跟上。它的章节设置很有逻辑性，从浅入深，循序渐进。第一部分先介绍了中国画的工具和材料，比如宣纸、毛笔、墨、砚等，并且解释了不同种类工具的特性和选择建议。我之前对这些工具有很多疑问，比如宣纸有生宣熟宣之分，毛笔又有羊毫、狼毫等，这本书都一一做了科普，让我对这些基础知识有了全面的了解。接着，作者又详细地讲解了中国画的各种绘画技法，比如勾线、渲染、点睛等，并且都配有详细的图例和步骤说明，非常易于理解和模仿。我尤其喜欢书中关于“设色”的部分，它介绍了中国画中常用的几种矿物颜料和植物颜料，以及如何调配和运用，让我对中国画丰富的色彩表现力有了更深的认识。整体而言，这本书就像一位耐心细致的老师，一点点地引领我走进中国画的世界。