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店铺： 弘苑图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540486433

商品编码：29820175647

出版时间：2018-06-01

探寻音乐的奥秘：现代音乐理论与和声实践 本书旨在为所有对音乐理论和和声学感兴趣的读者，提供一套系统、深入且实用的学习路径。它完全跳脱出单一乐器（如吉他）的教学范畴，专注于构建扎实的音乐底层逻辑，帮助学习者理解音乐的内在结构、运作规律及其在不同音乐风格中的应用。 --- 第一部分：音乐的基石——音高、节奏与调性系统 本部分将彻底解构音乐的最小构成元素，为后续复杂概念的理解打下坚实的基础。我们不会涉及任何具体的指法、和弦图或流行歌曲谱例，而是聚焦于音乐的“语法”。 第一章：听觉训练与音高感知 物理声学基础回顾： 简要探讨声波的频率、波形与泛音列对音色的影响，但重点放在这些物理现象如何转化为人耳的感知。 音程的精确辨识： 不依赖任何乐器，通过严谨的听觉训练方法，区分并唱准所有大小二度、三度、增减音程。引入“固定唱名法”与“首调唱名法”的本质差异，强调它们在不同音乐语境下的应用。 调式与音阶的抽象概念： 深入讲解大调、小调（自然、和声、旋律）的结构构成，并扩展至中古调式（多利安、弗里吉亚等）的音响特点，分析它们如何构建不同的“情绪色彩”。 第二章：时间维度与节奏的结构化 拍号与节拍的层级分析： 剖析简单拍号（2/4, 3/4, 4/4）与复拍号（6/8, 9/8）的内在逻辑，着重理解强弱划分、次强拍与弱拍的微妙平衡。 节奏型态的分解与重构： 探讨附点节奏、切分音（Syncopation）在不同历史时期音乐中的功能与表现力。引入节奏矩阵的概念，训练读者在没有固定速度的情况下，理解节奏的相对比例关系。 复节奏与复拍的听觉分离： 针对复合节奏的训练，学习如何同时感知两个或更多独立时间流动的叠加，这是理解现代室内乐和复杂打击乐织体的关键。 第三章：调性中心的建立与功能和声的雏形 导音与主音的驱动力： 深入探讨调性中心（Tonic）在听觉上的稳定性和吸引力。分析导音（Leading Tone）如何产生解决的倾向性。 级数系统（Scale Degrees）： 采用国际通用的级数系统来标记音高，使分析摆脱对特定调性的依赖。例如，无论在C大调还是F大调，Do、Re、Mi 永远代表 I 级、II 级、III 级。 音级关系与情绪暗示： 讨论特定音程组合（如小三度、增四度）在不同文化语境下产生的心理暗示，这是为和声学打下情感基础。 --- 第二部分：和声学的深度探索——和弦的构建、连接与色彩 本部分是本书的核心，它将带领读者从基础的三和弦出发，逐步进入功能和声的复杂殿堂，完全侧重于理论分析和逻辑推导，而非指法练习。 第四章：三和弦的构造与功能分析 三和弦的生成原理： 详细阐述三度叠加的逻辑，并严谨区分大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦的构成音级。 功能和声的三大支柱： 系统阐述主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）的定义、音响特征及其在终止式中的核心作用。 七和弦的引入与扩展： 详解属七和弦（V7）的强进行性，并引入大七和弦（Maj7）、小七和弦（m7）、半减七和弦（m7b5）的构造及其在功能组内的地位。 第五章：和弦的连接与转位艺术 和弦连接的规则与倾向性： 详细分析功能和弦之间的规范连接（如 I-IV, V-I, II-V）。重点讲解如何避免平行五度、八度等传统声部进行中的禁忌。 转位和弦的声部平衡： 探讨一次转位（六和弦）、二次转位（四六和弦）如何改变低音声部的线条，以及它们在终止式中的特定语法功能（如派生的终止式）。 序进（Progression）的逻辑链： 通过大量抽象的和弦进行实例（如：T-S-D-T），分析和声的“叙事性”，即如何通过和弦的运动来讲述一个“听觉故事”。 第六章：和声的色彩变化与非功能性音响 副属和弦的拓展（Secondary Dominants）： 深入分析如何使用暂时性属和弦（如 V/V, V/IV）来临时转向其他调性中心，从而丰富和声色彩而不改变整体调性。 导和弦与半终止： 详细解析导和弦（vii°或viiø7）的紧张感，以及它在半终止（V-vi）中创造出的未竟感。 和弦外音的运用： 严格区分和弦音与和弦外音。系统介绍经过音（Passing Tones）、邻音（Neighbor Tones）、倚留音（Suspensions）的写作与听觉效果，分析它们如何使线条流动起来。 --- 第三部分：超越传统——调性外探究与二十世纪思潮 本部分将带领学习者走出传统大小调体系，接触更广阔的音乐可能性，这些内容与具体的流行吉他弹奏技巧无关，而是纯粹的音乐结构分析。 第七章：调式与调性模糊的探索 平行调式与转调技巧： 探讨如何通过平行关系（如C大调到Eb大调）进行色彩鲜明的转调。分析不同调式之间的相互渗透。 全音音阶与八度音阶的应用： 分析全音音阶（Whole-Tone Scale）带来的无中心感，以及其在印象派音乐（如德彪西）中的特殊和声功能。 十二音体系的逻辑基础（非操作指南）： 概述勋伯格十二音体系的起源，重点讲解“音列”（Tone Row）的数学结构、逆行、倒影和逆行倒影的四种基本形态，理解其作为一种组织原则的意义。 第八章：节奏的解放与非传统音响 复调音乐的结构分析： 重点讲解巴赫赋格曲中的主题呈示、应答、插入段落的写作结构，分析对位法（Counterpoint）如何在高密度下保持清晰的线条感，完全侧重于两条或多条独立旋律线的相互作用。 非传统拍号与节奏的自由化： 探讨如5/4、7/8等不规则拍号在现代音乐中的使用，以及如何通过自由速度（Rubato）来暂时打破固定的时间框架。 总结与展望 本书提供的是一套理解音乐的“元语言”。掌握这些理论工具，学习者将能够超越对具体音符或和弦名称的依赖，转而从结构、功能和色彩的角度去聆听、分析和创作任何形式的音乐作品，无论其载体是钢琴、管弦乐队，还是任何一种现代乐器。本书的价值在于提供思维框架，而非技巧手册。

评分☆☆☆☆☆

天呐，这本书简直是为我这种零基础小白量身定做的！我之前买过几本号称“零基础入门”的教材，结果翻开全是密密麻麻的乐理知识和一些我完全看不懂的复杂和弦图，看得我头都大了，直接劝退。这本书的打开方式就很不一样，它没有一开始就堆砌理论，而是先从认识吉他这个“大家伙”开始，图文并茂地讲解了每一个部件的名称和作用，甚至连如何正确地抱琴、持拨片都写得极其细致，简直是手把手教学的架势。最让我惊喜的是，它很早就引入了简单的、听起来悦耳的练习曲目，而不是那些枯燥的音阶练习。我记得第一周就能弹奏出几个非常简单的旋律片段了，这极大地增强了我的信心。而且，这本书的排版非常清晰，字体大小适中，配图的清晰度也很高，即便是晚上在台灯下看也不会觉得吃力。它真的做到了让一个完全没接触过乐器的人，能够感受到“我真的在进步”的踏实感，而不是被理论淹没的挫败感。对于想靠自学摸索出第一步的朋友来说，这本书的引导性绝对是教科书级别的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的系统性构建非常扎实，不像有些教材是零散知识点的堆砌。它的学习曲线设计得非常平滑，像爬坡一样，一步一个脚印，让你感觉每一步都有明确的目标和成果。从最开始的“如何调音”（一个常常被忽略但极其关键的步骤）、正确的持琴姿势，到基础的单音练习，再到最简单的分解和弦和扫弦节奏，每一个模块都为下一个模块打下了坚实的基础。我特别喜欢它在“和弦转换”章节的处理方式。它没有简单地告诉你“多练”了事，而是设计了一系列特定的“和弦循环练习”，比如C到G、G到Am的连续切换，并且给出了建议的练习速度和目标时长。这种量化的练习要求，让我的练习不再是漫无目的的“瞎弹”，而是有明确的、可衡量的进步指标，极大地提升了练习效率。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书的初衷是想找一本能快速上手弹唱流行歌曲的“秘籍”，毕竟谁不想抱着吉他在朋友面前露一手呢？在这方面，这本书的表现绝对超出了我的预期。很多教程总是把和弦按法讲得云里雾里，非得让你记住那些复杂的字母组合。但这本书，它直接将最常用、最基础的和弦（比如C、G、Am、Em这种“黄金四和弦”）拆开来，用大图、慢动作的分解图告诉你手指应该放在哪个品格、哪个弦上，甚至还贴心地标注了按弦的力度要点，这一点对指尖疼痛的新手太重要了！更棒的是，它很快就进入了节奏型练习，并且所有的节奏型都直接搭配了当下流行的歌曲片段进行示范。我不用自己去费劲地把和弦和节奏型进行匹配，书里已经帮我做好了“预制菜”，我只需要跟着练习册上的指示，就能很快地弹唱出我熟悉的旋律片段，那种“哇，我好像真的在玩音乐了”的感觉，太值回票价了。

评分☆☆☆☆☆

作为一名比较注重“可读性”和“实用性”的读者，我必须赞扬这本书在乐谱呈现上的独到之处。市面上很多教材要么只有五线谱，对于习惯了数字简谱的国内初学者来说门槛太高；要么只有简谱，却忽视了弹奏时对音准和节奏的精准控制。这本书巧妙地采用了“上下对照”的排版方式，将五线谱和六线谱（简谱+指位图）并列呈现，这简直是为我这种需要从简谱过渡到专业阅读的学习者提供的完美桥梁。每当你对某个音符的位置感到疑惑时，可以立刻在上面找到对应的五线谱位置，帮助你建立起“音高”和“指位”的关联。此外，对于一些比较复杂的扫弦节奏，它不只是用数字标记，还会用图形化的方式展示扫弦的方向和力度变化，这比单纯的文字描述要直观有效得多。这种对细节的关注，体现了编者对自学者学习路径的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

如果让我用一个词来形容这本书的特点，那就是“无障碍”。它最大程度地降低了学习吉他的心理和技术门槛。我发现很多传统教材在讲解乐理时非常晦涩，动不动就扯到“调式”、“音程关系”这些高深的概念，让初学者望而却步。而这本书在讲解必要乐理知识时，总是紧密结合吉他指板上的实际位置来解释，而不是脱离乐器本身去谈抽象的理论。比如讲解什么是“根音”，它会直接用图示告诉你“在这个和弦里，这个品格上的音就是根音”。这种“具象化”的教学方法，让原本枯燥的理论立刻变得生动起来，甚至让我产生了一种“原来音乐是这么回事”的顿悟感。它真正做到了让吉他初学者，能够自信地拿起乐器，而不是在理论的迷宫里迷失方向。