正版全新合唱训练学钱大维上海音乐学院出版社9787806924181 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钱大维 著

图书标签:

• 合唱
• 音乐教材
• 声乐
• 音乐教育
• 钱大维
• 上海音乐学院出版社
• 9787806924181
• 合唱训练
• 音乐理论
• 专业教材

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924181

商品编码：29859841652

页数：282

图书基本信息
书名：	合唱训练学
丛书名：
作者/主编：	钱大维
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806924181
出版年份：	2009年4月

版次：	第1版
总页数：	282页
开本：	16
图书定价：	35元
实际重量：	458 g
新旧程度：	正版全新

编辑

《合唱训练学》由上海音乐学院出版社出版。

作者简介

钱大维，副教授，硕士生导师。曾任上海师范大学音乐学院院长。现任全国高师合唱指挥协会副会长、上海音乐家协会合唱委员会主任。曾获得全国合唱比赛金奖，并多次赴国外演出及讲学。2004年曾以访问学者身份赴澳大利亚南昆士兰大学进修一年。其长期从事合唱与指挥的教学工作．对合唱理论颇具研究并发表论文数篇。

目录

导言
第*章 合唱的基础训练
第*节 气息的基本训练
一 呼吸的要求
二 气息的练习
第二节 起声的基本训练
一 起声的原理
二 激起和舒起
三 起声的练习
第三节 共鸣的基本训练
一 共鸣器官的调节
二 共鸣的练习
三 拓展音域的练习
第四节 影响发声和共鸣的诸多因素
一 人的情绪和状态的因素
二 技术因素影响共鸣
三 音乐因素影响共鸣
第五节 音乐作品的气息、起声和共鸣的分析

第二章 合唱基本演唱方式的训练
第*节 各种音乐表现形态的练习
一 连音的练习
二 断音的练习
三 半连音的练习
四 保持音的练习
五 重音和切分音的练习
六 各种形式综合练习
第二节 作品的音乐表现形态之分析
第三节 合唱训练的基本要求与准备
一 训练场地的要求
二 演唱姿势的要求
三 相互倾听的要求
四 关于轻声演唱的要求
五 关于合唱练声
六 排练的基本程序和要求
七 关于指挥的准备工作

第三章 音量平衡的训练
第*节 音量的观念
第二节 同声合唱的音量平衡训练
一 同声部内的音量平衡训练
二 女声合唱的音量平衡训练
三 男声合唱的音量平衡训练
四 童声合唱的音量平衡训练
第三节 混声合唱的音量平衡练习
一 混声合唱各声部之间的音量关系
二 混声合唱的音量平衡练习
第四节 音量与合唱的各种因素的相互关系
第五节 音量变化的练习
一 渐强渐弱
二 各种渐强渐弱的练习
三 音量强与弱的对比练习
第六节 音量的整体布局

第四章 音色平衡的训练
第*节 音色
一 原色
二 合唱队各声部的原色练习
第二节 影响音色的诸多因素
……
第五章　合唱的音准训练
第六章　合唱的咬字与吐字
第七章　合唱作品的综合分析
后记

合唱作品必须通过音响来完成它的全过程。而音响则是由合唱团均群体演唱来共同制造。因此，在集体中，声乐方面的共性要求显得尤为突出。而这些共性要求需经过一定的训练才能获得。同时，每个成员更要发挥在集体中的主动性和积极性，没有这种积极性而形成的演唱是没有生气的。而这种主动性和积’极性也是需要训练和培养的。此外；还要训练各成员的敏捷性、准确性、灵活性和集体适应性。各成员只有在熟练地掌握这些技巧后，才能产生合唱作品艺术再现时的效果。而合唱的训练艺术往往是通过指挥个人的实践及观摩他人训练的方式来获得的。

音乐之旅的指引：一部深入探索的声乐艺术指南 书名： 探索声乐的奥秘：从基础到精深的艺术实践 作者： [此处可设想一位资深音乐教育家或表演艺术家的名字] 出版社： [此处可设想一家专注于音乐或艺术教育的权威出版社] ISBN： [此处可设想一个不与原书重复的ISBN] --- 内容概述：雕琢声音的技艺，通往音乐表达的殿堂 本书是一部全面而深入的声乐艺术学习手册，旨在为不同阶段的歌唱学习者——无论是初入声乐领域的爱好者，还是寻求技艺精进的专业学生——提供一套系统化、可操作性极强的训练路径和理论支撑。它不局限于某一种特定的声乐流派或民族音乐，而是立足于人类发声的普遍科学原理，融合了跨越历史和地域的优秀美声实践经验。 全书结构严谨，内容涵盖了从最基础的呼吸支撑到复杂的多声部演唱技巧，再到音乐作品的深度诠释等多个维度。我们相信，卓越的歌唱艺术建立在坚实的生理基础、精细的听觉训练以及深刻的情感理解之上。本书致力于将这些要素有机地结合起来，引导读者构建一个全面、平衡且富有生命力的声音系统。 第一部分：声乐的基石——生理、呼吸与共鸣的科学 本部分将深入剖析人声发声的生物力学机制，强调科学理解是高效训练的前提。 第一章：认识你的“乐器”——发声器官的精密构造 详细解读声带、腔体、肌肉群之间的协同作用。我们将解释声带振动的基础物理学原理，探讨不同声部在生理结构上的细微差异，以及如何通过自我感知来建立对自身发声状态的清晰认知。此章会提供一系列针对性的肌肉放松练习，确保声带在最佳的松弛状态下工作。 第二章：呼吸的艺术——气息的支撑与流动 呼吸是歌唱的生命线。本章摒弃传统上模糊的“深呼吸”概念，转而采用现代运动生理学的视角，详尽阐述了“支持”（Support）的实际操作。内容包括：肋骨与膈肌的联动机制、腹肌群在气息控制中的作用、如何实现稳定且持久的气流，以及如何在高音区和弱奏时保持气息的“驻扎”感。我们将引入专业的呼吸监测方法，帮助学习者量化自身的呼吸效率。 第三章：共鸣的放大与塑形——拓展声音的空间感 声音的穿透力和音色美感来源于共鸣腔体的有效利用。本章系统性地介绍了胸腔、喉腔、口腔、鼻腔及头腔（高点）的共鸣原理。重点讲解了“面罩感”的科学构建，即如何通过调整软腭和舌位，将声音的焦点准确地投射到面部前侧，从而获得明亮、聚焦且不费力的音色。此外，还探讨了不同声学环境对共鸣需求的影响。 第二部分：技巧的磨砺——音准、音域与流畅性的提升 技巧训练是连接理论与舞台表现的桥梁。本部分侧重于实际操作中的难点攻克和效率提升。 第四章：音高的精准控制——听觉训练与音准的校准 精准的音高不仅依赖于耳朵，更依赖于肌肉的精确记忆。本章整合了听觉训练（Ear Training）与发声练习，探讨如何快速识别和复制旋律。内容包括对纯音程、大调/小调音阶的精细化处理，以及如何在无伴奏演唱中保持音准的稳定性。重点分析了“超前听觉”（Pre-hearing）在提升音准准确性中的关键作用。 第五章：连贯性的挑战——换声区与音域的统一 解决换声区（Passaggio）的“断裂感”是所有声乐学习者必须面对的课题。本章提供了针对性的“连线”（Bridging）练习，旨在消除胸声与头声之间的界限，实现“一体化”的音域。我们将详细讲解如何通过调整喉位和元音的“圆化”来平滑过渡，确保从最低音到最高音的声音特质保持一致性与连贯性。 第六章：音色的多样性与元音的塑造 一个优秀的歌者必须能够根据作品风格和情感需求，灵活切换音色。本章探讨了如何通过调整口型、舌位和气流速度来创造出不同的“色彩”——从柔和的“弱声”（Messa di Voce）到饱满的“强音”（Pieno Voce）。此外，对国际通用元音（Vowel Modification）的细致分析，指导学习者如何在不牺牲清晰度的情况下，适应不同语言的发音要求。 第三部分：音乐的语言——风格、诠释与表演的升华 声音技巧的最终目的是为了准确、深刻地表达音乐的内涵。 第七章：语言的音乐性——歌唱中的清晰度与韵律 歌唱语言的清晰度是观众理解作品的前提。本章详细分析了如何处理不同语言（如意大利语、德语、法语和英语）的发音特点，使其既符合规范，又不破坏声音的连贯性。同时，探讨了歌词重音与音乐节拍的巧妙结合，确保语言的流动性与音乐的律动完美融合。 第八章：风格的辨识与历史背景 不同音乐时期对演唱风格有着截然不同的要求。本章将引导读者了解巴洛克、古典、浪漫主义及近现代作品在演唱处理上的核心差异。例如，探讨装饰音的处理原则、颤音（Vibrato）的使用规范，以及如何根据作曲家的时代背景来选择合适的速度与力度记号，避免“时代错位”的演唱方式。 第九章：情感的深度挖掘与舞台呈现 真正的艺术是情感的传递。本章从心理学角度解析了音乐与情感的内在联系。指导学习者如何从文本分析、和声走向中提炼出角色的内心冲突与动机。最后，本部分将讨论舞台心理调适，如何有效地克服舞台焦虑，将准备阶段的内化成果，转化为生动、自信且富有感染力的现场表演。 结语：持续精进的修行之道 本书的最后，强调声乐学习是一个永无止境的“修行”过程。它不仅是技巧的堆砌，更是对自身听觉、感知和内心世界的不断拓展。我们鼓励学习者保持批判性思维，持续记录与反思自己的练习成果，并将书本知识融入每一次真实的演唱实践中。 --- 本书特色： 1. 理论与实践紧密结合： 每项技巧练习都配有清晰的理论解释和操作指导。 2. 跨学科视角： 引入运动科学、声学原理和心理学概念，提供现代化的声乐学习框架。 3. 全面性： 内容覆盖呼吸、发声、技巧、美声、不同风格处理等所有核心领域。 4. 强调个性化： 鼓励学习者理解自身特点，而非盲目模仿单一范本。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前尝试过好几本相关的学习资料，很多都因为过于学术化或者过于简化而让我感到无从下手，直到遇到这本。这本书的厉害之处在于它找到了一个完美的平衡点：既保持了学术的严谨性，又具备了极高的可操作性。它没有回避复杂的技术难题，但处理这些难题的方式非常“人性化”。比如，当涉及到一些对初学者来说难度较大的技巧时，书中会主动提供替代方案或者“曲线救国”的练习路径，这极大地保护了学习者的积极性，避免了因为一时的挫败感而选择放弃。而且，书中似乎还隐约透露出上海音乐学院深厚的学术传统和实践积淀，那种对专业标准近乎苛刻的追求，通过文字渗透出来，让人油然而生敬畏之心，也更愿意投入精力去追随作者的引导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源（虽然这里评价的是实体书本身，但其内容暗示的实践性）的完整性给我留下了深刻的印象。每一章节的学习都不是孤立的，而是相互勾连，形成了一个严密的知识网络。当你掌握了基础的共鸣训练后，你会发现接下来的视唱练耳章节似乎也变得更容易理解了，这说明作者在设计课程时是做了全局考量的。更令人称道的是，书中对不同风格作品（古典、近现代、民族合唱等）的处理方式提供了细致的指导，而不是一概而论。这种“因材施教”般的导向，让我确信，无论我的最终目标是仅仅改善业余爱好者的合唱技巧，还是将来想走更专业的道路，这本书都能提供持续的支持和指导，它不是一本“一次性”读物，而是可以伴随我整个音乐学习生涯的参考书。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，仿佛是和一位经验极其丰富的合唱指挥进行了一次深入的“私教课”。作者的文字里透露出深厚的舞台经验和对人声潜能的深刻洞察。他不仅仅是教你“怎么唱”，更重要的是教你“为什么这么唱”，以及在团队合作中“如何思考”。特别是关于不同声部之间的平衡与融合，以及如何处理复杂的和声织体，书中的分析深入浅出，直击要害。很多市面上其他教材只是罗列了技巧，但这本书却强调了合唱艺术的“精神内核”——即集体创造力的培养。我能感受到作者希望读者能够超越个体声音的展现，真正理解“合唱”这一艺术形式的精髓所在。这种对艺术整体性的追求，让这本书的价值远远超出了技术手册的范畴，更像是一部关于合唱哲学的入门指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容结构组织得非常有逻辑性，完全是按照一个循序渐进的学习路径来设计的，从基础的声乐原理讲起，逐步过渡到复杂的合唱技巧和排练实践，让人感觉每一步的学习都是在稳扎稳打地向上攀登，而不是那种东一榔头西一棒子的碎片化知识堆砌。作者在解释理论概念时，总是能找到非常贴切且生动的比喻，把抽象的音乐术语用大家都能理解的方式表达出来，这一点对于我们这些半路出家或者基础相对薄弱的爱好者来说，简直是福音。我特别欣赏其中关于呼吸控制和共鸣腔体训练的部分，讲解得极其细致，配上了详细的图示和练习范例，让我终于明白了之前那些似懂非懂的“感觉”究竟是怎么回事。读完某个章节，马上就能在实际练习中找到对应的着力点，这种即学即用的效果，是衡量一本专业教材是否优秀的黄金标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量真的没得说，拿到手就感觉物超所值。纸张的厚度适中，拿在手里有分量，不是那种一翻就烂的廉价纸张。内页的排版也做得非常用心，字体的选择清晰易读，即便是长时间阅读也不会觉得眼睛很累。尤其是一些乐谱的呈现方式，线条流畅，五线谱上的音符和符号都清晰明了，这对学习者来说太重要了，毕竟我们是靠眼睛来“听”音乐的，任何模糊不清的地方都可能导致理解偏差。装订工艺看起来也很结实，可以经受反复翻阅和长期保存的考验，这点对于工具书来说是基本要求，但做得好的并不多见。封面设计简洁大气，没有过多花哨的装饰，一看就知道是正规的专业出版物，给人一种值得信赖的感觉。总的来说，从拿到书到翻开书的整个过程，都充满了愉悦的体验，这为接下来的学习打下了非常好的物质基础。