音乐作品分析应用教程第三版高佳佳高等教育出版社9787040372205 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高佳佳，赵冬梅 著

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040372205

商品编码：29859842657

出版时间：2013-04-30

页数：521

图书基本信息
书名：	音乐作品分析应用教程
丛书名：	全国艺术院校公共必修课适用
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040372205
出版年份：	2013年5月

版次：	第3版
总页数：	521页
开本：	1/16
图书定价：	59.00元
实际重量：	1.2Kg
新旧程度：	正版全新

本教程以不同曲式结构为章节进行论述，用辩证法质量互变原理，将曲式结构类型以统一的、动态发展的角度进行总体概括：从一部到多部、从单式到复式、从单章到套曲等不断延伸，从而形成并列曲式、再现曲式、循环曲式、变奏曲式、奏鸣曲式以及套曲曲式的六类组合原则。这一分类有利于学生对曲式结构原则特征的辨析和理解，也有利于他们举一反三，灵活多样地分析以相同原则分析大量不同内容的音乐作品。

 章音乐的基本表现手段 

节概述 
第二节旋律及其他音乐表现手段 
第二章音乐发展的基本手法 
节概述 
第二节主题材料发展手法 
第三节音乐分析中的几个基本概念 
第三章音乐语言的陈述结构 
节概述 
第二节音乐陈述结构的类型及区分原则 
第三节音乐陈述的基础结构 
第四节音乐陈述的衍生结构 
第四章曲式结构及一部曲式 
节曲式与曲式功能 
第二节曲式结构的分类 
第三节一部曲式 
第五章并列曲式 
节概述 
第二节并列单二部曲式 

 本教程以不同曲式结构为章节进行论述，用辩证法质量互变原理，将曲式结构类型以统一的、动态发展的角度进行总体概括：从一部到多部、从单式到复式、从单章到套曲等不断延伸，从而形成并列曲式、再现曲式、循环曲式、变奏曲式、奏鸣曲式以及套曲曲式的六类组合原则。这一分类有利于学生对曲式结构原则特征的辨析和理解，也有利于他们举一反三，灵活多样地分析以相同原则分析大量不同内容的音乐作品。 

音乐作品分析的深度探索：一本前沿的理论与实践指南 （注：以下内容为针对“音乐作品分析应用教程第三版高佳佳高等教育出版社9787040372205”之外的，一本全新的、专注于音乐作品分析理论与实践的图书的详细简介，旨在提供一个全面且深入的、替代性的参考视角。） --- 导言：超越音符的聆听——当代音乐分析的范式转型 本教程旨在为学习者提供一套严谨而又富有启发性的音乐分析框架，它立足于二十世纪后半叶至二十一世纪初的音乐思潮，并致力于打破传统分析流派的壁垒。我们深知，面对纷繁复杂的当代音乐语言——无论是结构主义的精微、现象学的直觉，还是后结构主义的解构——单一的分析工具已然捉襟见肘。因此，本书的核心目标是培养读者一种多维度的、批判性的聆听能力，使其能够自如地驾驭不同的分析方法，并将其灵活应用于从巴洛克到电子音乐的广阔领域。 本书摒弃了单纯依赖“教科书式”的技法梳理，而是将分析视为一种与作品的深度对话。我们不仅关注“是什么”（What），更侧重于“如何成为”（How）以及“为何如此”（Why）。 --- 第一部分：分析思维的基石——理论视角的重塑 本部分致力于为读者打下坚实的理论基础，但其重点在于对传统概念的批判性继承和当代语境下的重构。 第一章：分析的本体论与方法论的冲突与融合 本章首先探讨音乐分析的哲学基础——分析究竟是在“发现”既有结构，还是在“构建”理解的意义？我们深入剖析了格式塔心理学在音乐感知中的应用，并对比了描述性分析（Descriptive Analysis）与解释性分析（Interpretive Analysis）之间的张力。特别地，我们引入了“不确定性”的概念，探讨在面对非功能性和声学模糊性的现代作品时，分析的边界应当如何划定。 第二章：宏观结构与时间性的重新定义 告别传统的“呈示部-发展部-再现部”的线性叙事，本章着眼于非线性时间结构的分析。通过研究斯托克豪森（Stockhausen）的“群”（Groups）概念、布列兹（Boulez）的“远景”（Viewpoint）理论以及拉蒙特·扬（La Monte Young）的延展时间，读者将学习如何运用拓扑学、分形几何的概念来描述音乐的形态。我们将详细分析重复音乐（Minimalism）中“过程即结构”的本质，以及如何通过微观的节奏和音色变化来揭示宏观的动态平衡。 第三章：和声、音高与音集理论的跨越 本章不再将和声视为仅与调性相关的概念。我们从音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）的严谨性出发，深入探讨了非调性体系，特别是十二音体系和序列主义（Serialism）的内部逻辑。然而，我们更进一步，探讨了泛调性（Pan-tonality）——如伊夫斯（Ives）和斯克里亚宾（Scriabin）作品中的多重调性叠加——的感知效果。此外，对音色领域（Timbral Field）的分析被提升到与音高同等重要的地位，引入了对频谱分析和声响空间（Sound Space）的讨论。 --- 第二部分：实践驱动——跨越风格边界的案例研究 本部分是本书的核心，通过精选的、具有代表性的作品，演示如何将理论工具转化为实际的分析操作。 第四章：古典与浪漫的“深层结构”挖掘 本章重访了贝多芬和勃拉姆斯的经典作品，但视角完全不同。我们运用列文森的“隐性结构”（Deep Structure）理论，尝试在表面上看似传统、功能明确的框架下，揭示作曲家潜在的动机生成过程。重点分析了变奏曲和奏鸣曲的“潜文本”，探讨主题的动力学转化如何服务于整体的叙事张力，而非简单的形式复现。 第五章：印象主义与现代主义的感知实验 德彪西、拉威尔以及早期斯特拉文斯基的作品被用作研究“色彩和声”与“节奏的模糊性”的绝佳样本。我们运用现象学的方法，重点分析声音的“质感”（Texture）是如何取代传统的功能和声，成为组织音乐体验的主要力量。特别关注非功能性的和弦串联（Chord-by-Chord analysis）如何创造出特定的空间感和氛围。 第六章：序列主义与概率分析 本章聚焦于勋伯格、韦伯恩和巴托克的某些特定作品，提供一套分析严密规则体系的流程。我们不仅要识别序列的排列和变形（Inversion, Retrograde），更要探讨这些“规则化”的结构在听感上是否真的实现了作曲家的意图。在此，我们将引入概率统计学的初步概念，评估听众识别作曲家预设结构的难易程度。 第七章：极简主义与过程音乐的“时间雕塑” 本阶段的分析重点从“事件”转向“状态”。通过对菲利普·格拉斯（Philip Glass）和史蒂夫·赖克（Steve Reich）作品的剖析，读者将学习如何使用相位移动（Phasing）的数学模型来精确描绘音乐的演变轨迹。分析的工具将更偏向于图表化，用视觉语言来捕捉节奏的细微漂移和叠加。 第八章：电子音乐与声场的空间重构 这是本书最具前沿性的章节。面对纯粹的声音合成、声音拼贴（Musique Concrète）以及计算机音乐，传统工具彻底失效。本章介绍声音景观学（Soundscape Analysis）和声学分析软件（如Spectral Analysis Tools）的应用，教导分析者如何将时间轴上的频率、幅度、包络等物理参数，转化为具有意义的音乐结构描述。分析对象将拓展至对环境音、噪音以及数字合成波形的“音乐化”解读。 --- 结语：分析作为创造的起点 本书的最终目标是培养出能够“看见”结构，同时“听见”意义的分析家。我们强调，分析绝非是为作品盖棺定论，而是一种主动的、富有想象力的再创造过程。掌握了这些多样的工具和思维方式，学习者将能够自信地面对未来任何新的音乐现象，将其置于历史与理论的语境下，从而深化对音乐艺术本质的理解。

评分☆☆☆☆☆

我个人对这本书作者的写作风格非常欣赏，它有一种恰到好处的平衡感。作者在阐述复杂理论时，语言精炼、逻辑严密，完全符合高等教育教材应有的严谨性，没有任何含糊不清或故作高深的表达。但同时，在需要解释一些概念时，又会适时地插入一些更生活化、更形象的比喻，使得原本枯燥的理论学习过程变得生动有趣，这一点对于我这种非科班出身但对音乐分析有浓厚兴趣的读者来说，简直是福音。它既能满足专业人士对深度的要求，也温柔地接纳了初学者的认知起点，使得学习曲线变得平滑而充满信心。这种高超的教学语言驾驭能力，是许多教材作者难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的整体结构安排非常赞赏，它不像某些教材那样堆砌知识点，而是遵循了一种非常符合学习者认知规律的逻辑脉络。开篇的引入部分没有直接深入晦涩的理论，而是先从一些大家耳熟能笑的经典曲目入手，用生动的例子将抽象的乐理概念具象化，这种“由浅入深”的叙事方式简直太友好。接着，作者巧妙地过渡到具体的分析方法，每一步骤的讲解都循序渐进，环环相扣，让人感觉每读完一章，自己的分析能力都有了实实在在的提升。特别是对比性分析的章节，作者似乎早就预料到读者可能会在哪里产生困惑，提前设置了“避雷点”和详尽的注释，这种对学习者心理的把握，展现了作者深厚的教学经验，而非仅仅是知识的搬运工。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧真的没得说，拿到手里质感就很棒。封面设计简洁大气，摸上去的触感也很舒服，能感觉到出版社在细节上还是下了功夫的。内页纸张的选用也挺考究，不像有些教材用纸薄得跟A4纸似的，拿在手里有分量，阅读起来眼睛也不会那么容易疲劳。而且书里的字体选择和行间距处理得非常到位，即便需要长时间盯着看复杂的乐谱和图表，也不会觉得压抑或者费力。很多理论书籍往往忽略了阅读体验，这本书在这方面做得非常出色，让人愿意沉下心来慢慢品读。尤其是那些涉及复杂和声分析的章节，清晰的版面布局使得原本抽象的概念更容易被视觉捕捉和理解。这种对细节的关注，很大程度上提升了学习的效率和乐趣，绝对是市面上许多同类教材望尘莫及的优点。

评分☆☆☆☆☆

这本书在案例选择上的独到眼光，可以说是其最大的亮点之一。它并没有完全局限于传统的德奥古典作品，而是大胆地引入了近现代乃至一些跨界风格的作品作为分析对象，极大地拓宽了读者的视野。我尤其欣赏作者对不同时期、不同流派作品的穿插讲解，这使得学习过程充满了新鲜感，避免了长时间面对同一风格可能带来的枯燥感。更难能可贵的是，作者在分析过程中，不仅关注了技术层面的对位、和声、曲式，还融入了对作品时代背景和作曲家创作意图的探讨，使得分析不再是冰冷的机械操作，而是充满了人文关怀和历史厚度。这种全方位的解读角度，真正培养了我们“听懂”音乐的能力，而不是仅仅“看懂”乐谱。

评分☆☆☆☆☆

从实践操作的角度来看，这本书的辅助材料和配套资源设计得极其贴心。它似乎深知光看文字是远远不够的，所以提供的所有示例片段都配有清晰的音频参考，这对于音乐分析至关重要。我试着跟着书上的指示，一边听音频一边对照书中的标记进行分析，那种豁然开朗的感觉非常棒。而且，书中为每个分析步骤提供的练习题设计得很有启发性，它们不像传统习题那样只是重复知识点，而是常常要求读者结合多个章节的知识点进行综合运用，有效锻炼了独立分析问题的能力。这种理论与实践紧密结合的编排方式，让这本书真正成为了一本“工具书”，而不是一本只能束之高阁的参考书。