和声应用基础胡向阳西南师范大学出版社正版教材9787562145219 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡向阳，赵德义 著

图书标签:

• 和声学
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 胡向阳
• 西南师范大学出版社
• 音乐教学
• 音乐专业
• 9787562145219
• 和声应用

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562145219

商品编码：29859857603

页数：180

图书基本信息
书名：	和声应用基础
丛书名：	21世纪高等院校音乐教材
作者/主编：	胡向阳 赵德义
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562145219
出版年份：	2010年

版次：	第1版
总页数：	180页
开本：	1/16
图书定价：	20.00元
实际重量：	358g
新旧程度：	正版全新

《21世纪高等院校音乐教材·和声应用基础》由西南师范大学出版社出版。

章 和弦选择概论节 和弦选择的依据第二节 正三和弦的和声语汇第三节 和声节奏的安排第四节 和弦外音的处理 第二章 乐段和声的一般处理节 乐句和声处理的原则第二节 不同类型乐句的和声处理第三节 乐段和声处理的一般原则第四节 不同类型乐段的和声布局 第三章 中句、中段及再现段的和声处理节 和声对比的手法第二节 中句、中段的和声第三节 再现段的和声 第四章 前奏、尾声及间奏的和声处理节 前奏的和声处理第二节 尾声的和声处理第三节 间奏的和声处理 第五章 和声音型概述节 和声形态的动与静第二节 动态和声中的和声音型第三节 节奏性和声音型第四节 华彩性和声音型第五节 综合性和声音型第六节 和声音型中的声部进行 第六章 音乐织体中的和声音型节 音乐织体第二节 主调音乐织体的结构要素第三节 和声音型与旋律的对比关系第四节 和声音型的循环性第五节 和声音型的体裁性 第七章 和声音型的发展节 主导性与对比性和声音型第二节 和声音型发展中的节奏加密第三节 和声音型发展中的声部加厚第四节 和声音型发展中的音域拓宽第五节 和声音型发展中的特征综合 第八章 和声音型的创造节 音型创造与人物形象相联系第二节 音型创造与场面气氛相联系第三节 音型创造与画面景物相联系第四节 音型创造与事物特征相联系第五节 音型创造与心理变化相联系 第九章 四首声乐作品的和声分析节 摇篮曲第二节 同一首歌第三节 海上女民兵第四节 莲花 第十章 四首钢琴作品的和声分析节 清江河第二节 水草舞第三节 小夜曲第四节 《月光奏鸣曲》乐章练习题及练习指南

《21世纪高等院校音乐教材·和声应用基础》将和声应用与实际作品的构成形式或构成过程结合起来，以表达和声结构与曲式结构的相应性，使和声节奏的处理更接近实际创作；将音乐织体写作作为训练形式，使学习者在和声写作中，注入情感，进入描绘艺术形象的领域，或激动，或凝思，或宁静，或热烈，或细微，或宏大等等，把这种写作方式看做是表达具有音乐生命意义的手段，为学习者掌握多声织体的写作技能铺设一条道路。因此，《21世纪高等院校音乐教材·和声应用基础》选择不同类型的旋律作为训练习题，要求学习者为之选配和弦，或做多样的织体变奏，或进行扩展性的音乐创编，使训练更接近实际，更实用，也使学习者在训练过程中，能写出一些准作品。

音乐理论与实践的深度探索：西方音乐史的宏伟画卷与键盘乐器演奏的精湛技艺 书籍名称：音乐的语汇：从巴赫到德彪西的演进与键盘艺术的精通 引言：探寻音乐语言的演变与演奏的真谛 本书旨在为严肃的音乐学习者、演奏者以及对西方音乐文化怀有深厚兴趣的读者，构建一座连接古典音乐史脉络与键盘乐器实践技艺的坚实桥梁。我们摒弃对单一、狭隘技术手册的依赖，转而采用一种宏观而细致的视角，深入剖析西方音乐自巴洛克时期至印象主义发展过程中所形成的关键理论体系、风格特征及其背后的文化驱动力。同时，本书提供了一套系统化、渐进式的键盘演奏训练方法，强调对音乐文本的深入理解如何指导技术上的精准实现，以及如何通过技术训练来更好地诠释作曲家的意图。 第一部分：西方音乐史的结构性分析——风格的更迭与理论的重塑（约600字） 本部分聚焦于西方音乐从巴洛克鼎盛期至20世纪初期的主要风格流派，并非简单地罗列人名和作品，而是着重分析结构性变革： 第一章：巴洛克精神的构建：对位法与数字低音的逻辑 本章详细解析了巴赫、亨德尔等大师作品中对位法的复杂织体是如何建立在严谨的数学逻辑和神学观念之上的。重点探讨了“通奏低音”作为一种即兴创作和和声基础的运作机制，以及复调音乐思维如何渗透到赋格、组曲乃至早期协奏曲的结构之中。我们考察了调性系统的早期成熟阶段，分析了纯律向十二平均律过渡的理论意义及其对和声色彩的影响。 第二章：古典主义的清晰与平衡：奏鸣曲式的典范 古典主义时期被视为音乐形式的“理性化”阶段。本章深入剖析了奏鸣曲式——呈示部、展开部和再现部的内在张力与功能分配。通过对海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的分析，阐明了旋律的清晰性、主题的对比性以及乐章内部的戏剧性冲突是如何通过特定的结构布局实现的。对“主题发展”这一核心概念的解析，将超越简单的动机变化，直达结构内部的有机生长。 第三章：浪漫主义的张力与解放：情感的扩充与和声的深化 进入浪漫主义，音乐语言开始向个体经验和主观情感倾斜。本章探讨了和声语言的剧烈扩张，分析了半音化进行、远关系转调如何被用于营造强烈的心理暗示和色彩变化（例如舒伯特晚期作品或瓦格纳的“朦胧和声”）。同时，我们审视了交响诗和室内乐作品中“标题音乐”的兴起，以及文学叙事对音乐形式自由化的推动作用。 第四章：从民族主义到印象主义的过渡：声音的革新 本章关注19世纪后期至20世纪初的多元化趋势。民族乐派如何将民间元素融入严肃音乐体系？更关键的是，德彪西和拉威尔所代表的印象主义，如何通过全音阶、五声音阶和复杂的平行和声，挑战了传统的调性功能，将听觉体验导向光影和氛围的捕捉，预示了20世纪音乐的全新方向。 第二部分：键盘艺术的精湛技艺：从指法到诠释的统一（约700字） 本部分将理论认知转化为实际的演奏能力，强调技术服务于音乐理解，而非孤立存在。 第五章：基础指法与触键的物理学 本章摒弃传统机械式的指法练习，转而从人体工程学和物理声学角度分析“触键”。详细讨论了不同键盘乐器（钢琴、羽管键乐器）对演奏者重量分配、指尖压力和手臂放松度的不同要求。内容包括：如何建立“重量传导”而非“肌肉蛮力”的支撑系统；针对不同音色需求（如清晰的巴洛克织体与饱满的浪漫主义和弦）所应采用的特定触键深度和速度曲线。 第六章：复调织体中的独立性训练 鉴于复调音乐在键盘文献中的核心地位，本章专门设计了针对性的训练方案。这不仅仅是技术上的“平均分配”，而是训练大脑对多条旋律线的同时认知与动态控制。具体方法包括： 1. 声部分离练习（Voicing Separation）： 利用节奏变化和力度对比，强制性地凸显某个特定声部，直至手指能够“记住”该声部的独立运动轨迹。 2. 节奏的内化： 如何在保持主要旋律稳定的同时，让辅助声部（如低音声部或对位声部）保持其应有的律动感和驱动力。 3. 跨越与连贯性： 针对赋格中的长线条旋律，如何在跨越式连接中保持音色的一致性和呼吸的自然感。 第七章：力度与速度的精细控制：表达力的工具 力度（Dynamics）和速度（Tempo）是音乐情感表达最直接的载体。本章深入探讨如何超越“强”与“弱”的简单标记，实现微妙的渐强、渐弱和重音的准确放置。 动态弧线的设计： 分析一个乐句的“呼吸”和“张力积累”，如何在不同的和声背景下调整力度变化的速度和幅度。 速度的弹性（Tempo Rubato）： 在不破坏整体结构稳定的前提下，如何处理浪漫主义作品中对速度的微妙弹性处理，使其服务于旋律的歌唱性，而非随心所欲。 第八章：作品的结构性排练法 本章提供了一种将分析性理解转化为排练策略的系统方法。它指导读者：如何从宏观结构（如奏鸣曲式的段落划分）入手，确定关键的“枢纽点”和“冲突点”；然后将排练集中于这些点进行突破，而非从头到尾机械地重复。强调“音乐的逻辑”必须先于“手指的记忆”被建立起来。 结语：演奏者的视野 本书最终期望培养的是具有深厚历史洞察力和精湛技术能力的演奏者。理解了贝多芬的结构逻辑，才能更好地驾驭其键盘上的力度冲突；掌握了巴赫的和声连接，才能更自然地演奏出复调线条。技术与理论，如同音乐作品中的和声与旋律，唯有在相互作用中，才能展现出完整的生命力。 --- 本书适用对象： 音乐学院本科生及研究生、钢琴演奏专业学生、有志于深入研究西方音乐史的自学者，以及希望提升演奏诠释深度的键盘爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这部教材的装帧设计实在令人眼前一亮，封面选用了非常沉稳的墨绿色，搭配烫金的书名，透着一种经典而又不失现代感的学术气息。纸张的质感也相当不错，拿在手里有足够的份量感，翻阅起来非常顺滑，油墨印刷清晰，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更值得称赞的是，内页的排版布局极为考究，图文比例搭配得当，重要的概念和公式都有专门的区块进行突出显示，使得复杂的乐理知识结构一目了然。尤其是那些和声的实例分析部分，作者似乎花了不少心思去设计这些例句，它们不仅严谨地遵循了理论规则，读起来在听觉上也是悦耳的，不像有些教材那样只是枯燥的堆砌音符。侧边栏还经常出现一些历史背景的小知识点，这让学习过程多了一份趣味性，仿佛在与一位经验丰富的音乐导师进行对话，而不是单纯地啃教材。这本书的整体视觉体验，完全符合一本高水平专业教材应有的水准，让人愿意把它放在书架上，时常拿出来翻阅，而不是束之高阁。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源和辅助材料的完备性，是其超越一般教材的亮点。我注意到书的扉页提到了一个在线资源链接，里面收录了书中所有例曲的MIDI或音频播放文件。这对于和声学这种高度依赖听觉的学科来说，简直是救命稻草。理论知识如果不能落实到实际的听感上，那终究是空中楼阁。我尝试播放了其中一个复杂的转位和弦进行示例，那清晰的声部进行和准确的色彩变化，让我瞬间理解了书面文字描述的精髓。此外，书后的习题设计也很有层次感，从简单的四部和声写作练习，到后半部分要求加入更复杂的经过音、借用和弦的限制性练习，难度梯度控制得非常平滑。这些练习并非为了难倒学生，而是为了引导学生主动去思考和声的合理性与音乐性之间的平衡点，体现了编者对教学实践的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触过一些基础乐理的学习者，我发现这本书的价值在于它对和声历史脉络的梳理上，展现出了一种深厚的学术功底。它不仅仅是一本“如何写”的和声指南，更像是一部小型的和声发展史。在讲解某些特定和弦的使用禁忌或惯例时，作者会穿插引用巴赫、莫扎特乃至晚期浪漫主义作曲家的实例进行对比分析。这种纵向的比较，让读者能清晰地分辨出不同时代和声语言的细微差别。例如，它对“半减七和弦”在不同时期处理手法差异的阐述，就比我之前看的任何资料都要精妙。这种“在历史的河流中理解规范”的视角，极大地拓宽了我的视野，使我对和声规则不再抱持一种僵硬的教条主义态度，而是能够更灵活地去欣赏和运用它们，理解它们是如何随着音乐的审美需求而演变的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在具体练习的难度设置和广度上，做到了极佳的平衡，非常适合课堂教学和自学同步进行。对于需要通过考试或考核的学生来说，其详尽的解析和大量的例题储备是巨大的福音。特别是那些关于“声部进行优化”的章节，作者似乎非常注重“线条感”的培养，而不只是停留在和弦的垂直叠加上。书中有一段关于如何处理平行五八度的技巧性讲解，它不是简单地给出一个“禁止”的结论，而是追溯了这种禁止的音乐美学根源，并给出了在特定情境下（比如快速进行中）可以被接受的例外情况。这种精细到骨子里的探讨，体现了编者对古典音乐写作的虔诚和敬畏。读完这部分内容，我感觉自己不仅仅学会了规则，更重要的是学会了如何像一位真正的作曲家那样，去“聆听”并“塑造”声部之间的关系，使之成为一个有生命力的整体。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书的章节安排时，我感到了一种逻辑上的强大推进力。它没有急于展示那些炫技的高级技巧，而是将基础的音级关系、和弦构建这些最核心的要素，拆解得极为细致入微，每一步都像是搭积木一样，确保前一块拼图稳固了，才开始连接下一块。我尤其欣赏作者处理“功能和声”这一概念的方式。不同于以往我接触的某些教材中，对“属七”和“主和弦”的讲解往往是并行的，这本书似乎更注重于“解决”的过程，即如何在不协和中寻求协和，如何通过导向性解决达到稳定。这种讲解思路，极大地帮助我理解了和声进行背后的“目的性”，而不是仅仅记住规则的“是什么”。对于初学者来说，这种循序渐进、强调内在驱动力的叙述方式，无疑是降低了入门门槛，避免了一开始就被大量规则淹没的挫败感。这种“为什么”先于“怎么做”的教学路径，培养的不仅仅是技术，更是音乐思维。