正版全新日本民歌四首大提琴与钢琴桑桐上海音乐学院出版社9787806923399 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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桑桐 著

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• 大提琴
• 钢琴
• 日本民歌
• 桑桐
• 上海音乐学院出版社
• 乐谱
• 四手联弹
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• 古典音乐
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806923399

商品编码：29859857855

页数：21

图书基本信息 书名： 日本民歌四首：大提琴与钢琴（附大提琴分谱）   丛书名： 中国现代室内乐作品系列   作者/主编： 桑桐   出版社： 上海音乐学院出版社     ISBN号： 9787806923399   出版年份： 2007年11月        版次：   第1 版 总页数：   21页 开本：   16 图书定价：   34元 实际重量：   200g 新旧程度：   正版全新

桑桐，上海音乐学院教授，作曲家。曾任上海音乐学院院长、上海音乐家协会主席等职。他的作品有钢琴曲：《在那遥远的地方》（1947）、《内蒙古民歌董题小曲七首》（1953）；《序曲三首》、《春风竹笛》、《随想曲》等。小提琴与钢琴曲《夜景》（1947），足中国首自由无调性作品。声乐独唱曲：《林花酣了春红》（1943）、《天下黄河十八湾》、民歌改编曲Ⅸ嘎达梅林》等。大提琴与钢琴曲：《幻想曲》，入选“20世纪华人音乐经典”（1992），《日本组曲》等。论著有：《和声学专题六讲》，《和声的理论与应用》（上册1982、下册1988）。《和声学教程》（2001）、《桑桐和声论文集》（2002）。专著有《半音化的历史演进》（2004），获文化部第二届文化艺术科学成果奖（2006）。其他新作的音乐文论，均收录于《分析探讨纪念随感——桑桐音乐史集》中。上海音乐学院在纪念建校60周年时，为其颁发“金钟奖”。美国传记学会授予其“教育事业杰出贡献奖状”。中国音乐家协会向其颁发第三届“金钟奖”的“终身荣誉勋章”（2003）。其传略收入新版《新格罗夫音乐与音乐家辞典》。

目录

1　樱花
2　远岛船歌
3　鼓舞
4　变奏曲

乐海拾珠：西方古典音乐大师的独奏与协奏作品精选 引言：音乐的永恒魅力 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，跨越语言和文化的界限，触动着每一个聆听者的灵魂深处。本精选集汇集了西方古典音乐史上诸多重量级作曲家留下的、为独奏乐器或小型乐队而作的杰出作品。这些曲目不仅展示了作曲家们高超的技艺和深邃的音乐思想，也代表了特定历史时期音乐风格的最高成就。从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义时期的激情洋溢，再到近现代的探索与革新，每一首作品都是一扇通往不同时代精神世界的窗口。 第一部分：巴洛克的回响——精妙的结构与织体 本部分聚焦于巴洛克时期（约1600-1750年）的键盘与弦乐作品，这一时期的音乐以其清晰的结构、严谨的对位法以及对装饰音的精妙运用而著称。 1. 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）：赋格与创意曲的典范 《平均律键盘曲集》（选段重述）： 深入探讨巴赫对大小调体系的奠基性贡献。重点分析几首标志性的前奏曲与赋格，阐释其如何通过单一主题的模仿与发展，构建出宏大而又逻辑严密的音乐建筑。例如，对一首C大调赋格的分析，将剖析其呈示部、展开部及再现部的结构布局，并指出其“情感的逻辑性”。 无伴奏大提琴组曲（精选选段）： 虽然原版主要针对大提琴，但本选集中收录的为适应现代演奏习惯所作的改编版本（例如，为小提琴或中提琴设计），侧重于展现其复调思维如何融入单旋律线条之中，通过节奏与音高的巧妙安排，模拟出多声部的效果。重点解析第一乐章（前奏曲）的自由与即兴色彩，以及其中蕴含的隐秘和声走向。 2. 乔治·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）：歌剧咏叹调的器乐化身 本部分收录了亨德尔几部著名协奏曲或奏鸣曲中的慢板乐章改编。这些乐章通常具有歌唱性极强的旋律线，仿佛是为“无形的歌者”所作。分析将着重于亨德尔如何运用持续低音（Basso Continuo）的织体，烘托出旋律线上的戏剧性张力。研究其对“抒情性”的追求，如何在固定的节奏框架内实现丰富的情感流动。 第二部分：古典主义的清晰与平衡——奏鸣曲式的光辉 古典主义时期（约1730-1820年）强调清晰、对称与逻辑。奏鸣曲式成为这一时期器乐创作的核心结构。 1. 沃夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）：协奏曲的对话艺术 精选收录了莫扎特晚期钢琴协奏曲中富有创新性的慢板乐章。这些选段展示了钢琴与管弦乐队之间如何实现平等且精妙的对话，而非简单的炫技。重点分析其主题呈示的优雅与发展部的心理深度，探讨莫扎特如何通过细腻的和声色彩变化，营造出既光彩夺目又不失内省的艺术境界。特别关注其对旋律线条的“平衡感”的把握。 2. 路德维希·范·贝多芬（L.V. Beethoven）：力量与哲思的融合 收录贝多芬早期至中期的奏鸣曲选段（如“帕蒂塔”或“悲怆”中的部分），侧重于其如何将古典形式注入革命性的情感力量。对位分析将着眼于贝多芬如何打破传统限制，通过大幅度的动态对比（如pianissimo到fortissimo的突变）和富有张力的节奏动机，预示了浪漫主义的到来。对分解和弦的运用，分析其如何构建起坚实的、具有建筑美感的和声基础。 第三部分：浪漫主义的激情与叙事——个性的解放 进入19世纪，作曲家们将个人情感、文学意象和异国情调融入音乐，作品更具叙事性和主观色彩。 1. 弗雷德里克·肖邦（F. Chopin）：键盘诗人的细腻笔触 重点分析肖邦的夜曲与叙事曲片段。这些作品是为钢琴这一乐器量身定做的“独白”。研究其在速度（Tempo Rubato）上的自由处理如何服务于情感的起伏，以及其对丰富和声色彩（如异位和弦、半音阶的广泛运用）的探索。夜曲的选段将侧重于其旋律线条的“咏叹调”特质，以及伴奏声部中描绘的月夜氛围。 2. 罗伯特·舒曼（R. Schumann）：内在精神世界的投射 选取舒曼钢琴作品中具有“幻想曲”特质的片段。分析其音乐如何映射出复杂的内心冲突与矛盾，例如“狂欢节”或“幻想曲”中的角色扮演手法。重点考察舒曼如何运用音色变化和节奏的突然中断来模拟文学叙事中的“对话”或“场景切换”。 3. 约翰内斯·勃拉姆斯（J. Brahms）：古典形式中的浪漫情怀 收录勃拉姆斯后期如间奏曲或狂想曲中的沉思性段落。勃拉姆斯的伟大之处在于他能够在一个看似严谨的古典结构（如三部曲式）内，灌注极其深沉、内敛的浪漫主义情感。分析其如何在不显山露水的织体中，通过精密的声部进行与丰富的低音线，营造出一种历经世事后的“厚重感”和怀旧色彩。 第四部分：20世纪的探索与前沿——技法的革新 20世纪的音乐家挑战了传统的调性体系，寻求新的音响和表达方式。 1. 克洛德·德彪西（Claude Debussy）：印象派的色彩与光影 选取德彪西为钢琴或小型室内乐团所作的选段，探讨其如何运用全音阶、五声音阶以及不协和和弦来“描绘”而非“叙述”。分析其在织体上对模糊性和流动的追求，以及如何通过踏板的运用和微妙的音区划分，创造出“水面波光粼粼”般的听觉效果。 2. 德米特里·肖斯塔科维奇（D. Shostakovich）：严峻时代的讽刺与抗争 收录肖斯塔科维奇某些奏鸣曲或前奏曲中的片段。这些作品往往披着一层古典或新古典主义的外衣，内在却蕴含着对时代环境的深刻批判与挣扎。分析其标志性的“怪诞”节奏和尖锐的对比，以及如何通过“尖刻”的对位手法，表达出压抑下的反抗精神。 结语：风格的对话 本精选集并非简单的曲目罗列，而是旨在引导听众或演奏者体验西方音乐史中不同风格的“对话”。从巴赫的理性之美到肖邦的感性抒发，再到德彪西的色彩实验，每一部作品都以其独特的语言，贡献了人类艺术宝库中不可或缺的一份遗产。通过深入研习这些经典作品的结构、和声与表现手法，我们得以更全面地理解音乐艺术的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

这份乐谱的定价虽然略高于市场上一些普通版本，但考虑到其完整的出版体系和严格的审校流程，我认为它的价值是完全匹配的。在音乐学习的道路上，工具的质量直接影响学习的效果和心情。一把好的小提琴能让你爱上演奏，一套好的乐谱则能让你爱上学习。我非常赞赏上海音乐学院出版社在这种专业领域持续投入的决心。对于任何一位希望深入研究或专业演奏大提琴和钢琴二重奏曲目的音乐人来说，拥有这样一份权威、准确且美观的乐谱，是进行高质量排练和学术研究的必要前提。这已经超越了“购买乐谱”的行为，更像是一笔对自身音乐素养的长期投资，其带来的专业性和可靠性是无法用简单的价格来衡量的。

评分☆☆☆☆☆

这部乐谱的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感非常考究，拿在手里就能感受到出版社对细节的重视。封面设计简洁又不失古典韵味，字体排版也很舒服，即便是长期练习也不会觉得视觉疲劳。我特别欣赏这种将传统美学与现代出版工艺完美结合的用心。翻开内页，谱子的清晰度绝对是专业级的，即便是像我这种视力不太好的人，也能轻松分辨出每一个细微的指法标记和力度记号，这对于演奏者来说至关重要。很多时候，购买的乐谱因为印刷模糊，不得不自己重新抄写或标注，但这份乐谱完全没有这个问题，拿到手就可以直接投入到学习和排练中，极大地提高了效率。而且，装订方式也相当牢固，可以平摊在谱架上，不会轻易合拢，这在演奏时提供了极大的便利。总的来说，从触感、视觉到实用性，这份出版物在硬件层面已经做到了顶尖水平，体现了上海音乐学院出版社一贯的高标准。

评分☆☆☆☆☆

我这次购买主要是为了丰富我教学曲目库的储备。作为一名常年与学生打交道的教师，我深知一套好的教材或练习曲集对学生学习进度的影响。这份乐谱的出版信息显示了其学术背景，这让我对其中包含的音乐材料充满了信心。在初步翻阅时，我注意到其对和声进行的处理，似乎更加贴合现代演奏习惯，同时又保留了原始的民间音乐风貌，这是一个非常微妙且高难度的平衡。对于初学者来说，清晰的指法提示能帮助他们建立正确的演奏习惯；而对于进阶学生，则需要更深层次的音乐诠释空间。我相信这份乐谱在不同层次的学生身上都能找到适合他们的切入点。它不仅仅是一堆音符的集合，更像是一座连接传统与现代的音乐桥梁，非常值得我们这些教育工作者去深入挖掘和使用。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对日本民歌的了解并不算深入，这次纯粹是出于对“桑桐”这位演奏家或编配者名字的好奇心驱动而购买的。然而，光是这份乐谱的整体氛围感就非常引人入胜。它散发出一种宁静而又充满生命力的气息。我尝试着在脑海中想象大提琴的低吟与钢琴的晶莹触键交织在一起的场景，那种画面感非常强烈。好的乐谱，即使在不演奏的瞬间，也能通过其视觉结构与设计语言与听众进行沟通。这份乐谱似乎成功地做到了这一点，它让人感到一种对音乐本体的尊重。我非常期待在有空闲时，能找一位钢琴伙伴，一起揭开这四首曲目的神秘面纱，看看它们究竟是如何用西洋乐器来演绎东方的细腻情感的，这种文化融合的尝试本身就充满了实验性和吸引力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古典音乐有着深厚热爱的业余爱好者，我一直致力于寻找那些既有艺术价值又兼具演奏可行性的曲目。这次收到这本乐谱后，我立刻被它所呈现出的音乐世界深深吸引住了。虽然我尚未深入研究具体的曲目内容，但光是看到排版和标注的严谨程度，我就能预感到这套曲目绝非等闲之辈。从我过往的经验来看，优秀的版本往往能在不干扰原作精神的前提下，提供清晰、合理的演奏提示。这份乐谱的编排方式，从大提琴声部的呼吸点控制到钢琴伴奏声部的和声层次处理，似乎都经过了深思熟虑的打磨。我期待着尝试其中的某个选段，感受那种跨越地域和文化的音乐对话。这种精心编辑的版本，对于提升演奏者的音乐理解力和技巧深度，无疑具有潜移默化的积极作用，远非那些粗制滥造的影印版所能比拟。