律动乐器 钢琴名作演奏探索1 南希·巴克斯 著 钢琴 艺术 音乐 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴
• 名曲
• 演奏
• 乐谱
• 艺术
• 音乐
• 古典音乐
• 教学
• 南希·巴克斯
• 上海音乐出版社

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309997

商品编码：29868453853

丛书名： 钢琴名作演奏探索1

 

目录

键盘乐器  巴洛克和古典主义时期  巴洛克时期羽管键琴  早期钢琴(弱-强)  浪漫主义时期和近现代时期  浪漫主义时期钢琴更加盛行  近现代的钢琴  早期乐器  风笛(巴洛克)(匿名)  18世纪的键盘课  初级课很难(古典)(丹尼尔·戈特洛布·蒂尔克)  巴洛克舞曲  回声舞曲(巴洛克)(菲利普·海患霍夫)  美国的音乐课  小快板(古典)(亚历山大·瑞恩纳格)  模仿  德国舞曲(巴洛克)(迈克尔·普雷托里乌斯)  贝拉·巴托克  中板(近现代)(贝拉·巴托克)  P9世纪的键盘课  小华尔兹，Op．82，**8(浪漫)(科尼利厄斯·古利特)  乡村舞曲  乡村舞曲(浪漫)(海因里希·沃尔福特)  钢琴浪漫曲  浪漫曲(浪漫)(海因里希·沃尔福特)  卡尔．车尔尼  小星星(古典)(卡尔·车尔尼)  匈牙利民间舞曲  民间舞曲(近现代)(贝拉·巴托克)  标题音乐  牧羊人风笛曲(近现代)(塔季扬娜·萨鲁崔斯卡亚)  宮廷舞曲  小步舞曲(巴洛克)(珍·尼古拉斯·杰弗里)  乔治·弗里德里希·亨德尔  歌调(巴洛克)(乔治·弗里德里希·宇德尔)  乌克兰民间舞曲  戈帕克(近现代)(匿名)  莫扎特家族  莫扎特的键盘课  F大调小步舞

 

 

内容简介

《钢琴名作演奏探索》套装版引自美国阿尔弗莱德公司，共分为六个级别，每级别分别包括“技巧”和“作品”分册。本套图书既是钢琴演奏技巧的讲解，又是钢琴经典作品的分析。浅显易懂，图文并茂。通过本套图书的学习，不仅可以获得演奏技巧的提高，更可以对“钢琴艺术”有更深的了解。

 

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，不包含您提到的《律动乐器 钢琴名作演奏探索1 南希·巴克斯 著 钢琴 艺术 音乐 上海音乐出版社》的内容。 --- 探索声音的奇迹：管弦乐的色彩与结构 作者： 约翰·费尔南德斯 出版社： 环球艺术文库 出版年份： 2023年 内容简介 约翰·费尔南德斯的《探索声音的奇迹：管弦乐的色彩与结构》是一部深入剖析西方管弦乐队发展历程、乐器特性及其在交响音乐中独特组合艺术的权威著作。本书旨在为音乐爱好者、学生以及专业音乐家提供一个全面而系统的视角，去理解管弦乐队如何从巴洛克时期的早期雏形，逐步演变为贝多芬、马勒乃至现代作曲家手中无比丰富的音响实体。 本书结构严谨，分为三大核心部分：“乐器的解剖学”、“色彩的调配术”与“结构的时空构建”。 第一部分：乐器的解剖学——声音的源泉与特性 本部分聚焦于管弦乐队中的四大类乐器群：弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组。费尔南德斯摒弃了仅仅停留在基础乐器介绍的层面，而是深入探讨了每一种乐器在历史上关键性的技术变革（如小提琴琴码的加高、长笛的波姆系统、圆号的活塞发明等）如何直接影响了作曲家对音色的运用。 弦乐组的细腻之处： 作者详细阐述了小提琴、中提琴、大提琴与低音提琴之间音域的交叠与分离，重点分析了弓法变化（如断奏、连弓、分弓）如何营造出不同的情感张力。尤其值得一提的是，书中对“弱音器”（Mute）在不同时期作品中的应用进行了跨越时代的比较分析，揭示了其从单纯的柔化音量到成为独立音色元素的演变过程。 木管组的多变性： 费尔南德斯以其深厚的乐器学知识，描绘了双簧管、单簧管、巴松管及长笛家族的音色频谱。他着重讨论了单簧管在莫扎特和布拉姆斯作品中的核心地位，以及低音区木管乐器（如英国管和低音巴松）如何被用于渲染特定的田园或阴郁氛围。 铜管组的力量与光辉： 铜管乐器部分不仅仅是关于音量的描述。作者细致地考察了圆号、小号、长号和大号的音质差异。例如，书中探讨了法国号（圆号）的“弱音演奏法”（stopped horn）在浪漫主义早期是如何被发掘并用作制造异域或神秘色彩的工具，而非仅仅是和声的填充。 打击乐组的节奏与幻象： 打击乐的章节被视为“声音的炼金术”。作者不仅涵盖了定音鼓和铙钹等常规配置，更将目光投向了19世纪末期开始引入的包括钟琴（Glockenspiel）、钢片琴（Celesta）乃至各种“噪音制造器”的运用，分析它们如何打破了传统乐队的音响平衡，为印象派和现代主义音乐铺平了道路。 第二部分：色彩的调配术——配器法的艺术演变 这是全书的核心创新之处，费尔南德斯将配器视为一种复杂的“色彩学”。他认为，优秀的管弦乐配器如同印象派画家运用颜料，目标不是堆砌声音，而是通过精妙的叠加与对比，创造出层次分明的听觉画面。 从平衡到对比： 作者追溯了配器法的历史脉络。在古典主义时期，配器追求的是清晰、对称的音响平衡；而在浪漫主义晚期，配器则转向了“音色对撞”——如何让一组乐器（如铜管）的强音恰好能穿透另一组（如弦乐的弱奏），从而产生瞬间的戏剧性效果。 案例分析的深度挖掘： 本部分通过对多部标志性管弦乐作品的深入剖析来阐释理论。例如： 1. 贝多芬《英雄交响曲》： 分析其如何首次将长号引入交响曲，并如何利用木管组的四声部和声配置来塑造英雄主题的庄严感。 2. 德彪西《海》： 侧重于对“微观音色”的捕捉。书中详细描述了德彪西如何使用颤音、拨奏（Pizzicato）和极弱的木管乐器来模拟水波和光影效果，而非仅仅是描绘海洋的宏大。 3. 斯特拉文斯基《春之祭》： 探讨了如何通过极端高音区的巴松管、不和谐的铜管合奏以及有组织的、破碎的打击乐节奏，来构建一种原始的、非古典的美学体验。 费尔南德斯强调，配器并非简单的乐器选择，而是作曲家心智与时代精神的投射。他引入了“音色密度”的概念，用以量化某一乐段声音组织的紧密程度，为分析复杂配器提供了新的工具。 第三部分：结构的时空构建——管弦乐形式的革新 管弦乐作品的宏大结构，要求作曲家不仅要精通乐器本身，更要理解声音在时间维度上的布局。第三部分探讨了管弦乐曲式如何适应不断增长的乐器编制。 奏鸣曲式的扩展与自由： 传统奏鸣曲式在海顿和莫扎特手中已臻完美，但当乐队规模扩大至百人以上时，如何保持主题的辨识度和结构清晰度成为挑战。书中分析了勃拉姆斯如何通过复杂的对位技巧来维持结构严谨性，以及瓦格纳如何通过“主导动机”（Leitmotif）的配器变化来推进叙事。 交响诗与叙事性： 这一部分重点分析了自李斯特开创的交响诗体裁。交响诗要求音乐结构必须服从于外部的文学或绘画主题。作者通过分析理查·施特劳斯的作品，展示了如何运用精确的配器提示（如特定的乐器组合）来代表特定的人物或场景，从而在纯音乐的框架内实现高度的叙事性。 二十世纪的解构与重构： 最后，作者将视野投向了20世纪。从勋伯格对十二音体系的探索，到极简主义作曲家对乐器音色的重复与微小变异，本书展示了管弦乐结构如何从线性的叙事演变为立体的空间构造。 结语 《探索声音的奇迹》是一部融合了音乐史学、乐器学和作曲分析的综合性巨著。它不仅解释了“乐队里有什么”，更深刻地阐释了“作曲家为什么要这样安排它们”。通过本书，读者将能够以一种全新的、充满洞察力的耳朵去聆听任何一支管弦乐队的演奏，真正理解那些丰富、复杂、充满历史厚度的声音织锦。它是一把钥匙，开启了通往交响音乐宏伟殿堂的后门，让听众得以窥见其内部精密运作的机械美学。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余学习钢琴多年的人，我手里已经有不少技巧类的教材和大师访谈录，但真正能让我静下心来沉思作品内涵的读物却凤毛麟角。这本书的标题“演奏探索”几个字，抓住了我最渴望的部分——深入挖掘。我总觉得，很多教程总是停留在技术层面，比如音阶怎么跑得快，琶音怎么均匀，但真正的音乐，是情绪的流动和故事的叙述。我非常好奇作者南希·巴克斯是如何看待技术与情感之间的辩证关系的。她会不会提供一些突破性的练习方法，不是为了追求速度，而是为了获得更细腻的触键控制，从而表达出更深层次的音乐意象？我希望看到一些关于“聆听的艺术”的论述，毕竟，一个好的演奏者首先必须是一个苛刻而富有同情心的听众。这本书如果能引导我重新审视那些我以为已经掌握了的作品，发掘出被我忽略的细微之处，那它就不仅仅是一本工具书，而是一位良师益友的指引。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就充满了古典的韵味，那种墨绿与金色的搭配，一下子就让人联想到了音乐厅里精致的三角钢琴。虽然我还没来得及深入阅读，但光是翻阅目录，就能感受到作者在选曲上的独到眼光。她似乎不是简单地罗列那些耳熟能详的炫技曲目，而是更侧重于挖掘那些在钢琴艺术发展史上具有里程碑意义的作品，尤其是那些隐藏在宏大叙事背后的、充满人文关怀的室内乐作品或者奏鸣曲的某个乐章。我特别期待看到她对作品的结构分析，那种超越了音符本身，触及作曲家创作心路历程的解读，往往才是真正能提升演奏者理解深度的关键。我猜这本书里一定会有很多关于如何处理不同时期作曲家风格差异的实用建议，比如从巴洛克时期的严谨对位到浪漫主义时期的情感自由，这对于一个试图在指尖上重现历史声音的演奏者来说，是无价之宝。这本书的厚度也暗示了内容的详实，希望它不仅仅是一本“怎么弹”的指南，更是一本“为什么这么弹”的哲学思考录。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对很多“名作解读”的书都持保留态度，因为很多作者的“解读”往往流于主观臆断，缺乏坚实的音乐学基础。但是，南希·巴克斯这个名字，总能带来一丝信服感。我希望这本书能够展示出一种严谨的分析方法论。比如，在分析一首肖邦的夜曲时，她是如何平衡波兰民族情感的抒发与法式优雅的精致感之间的尺度的？这种平衡的把握，往往是衡量一位钢琴家境界高低的试金石。我期待书中出现一些具体的乐谱标记分析，比如她如何解读那些看似随意的速度记号（Tempo Rubato）的真正含义，是纯粹的情感放纵，还是隐藏在节奏自由下的内在逻辑结构？如果这本书能教会我如何建立起自己的分析框架，而不是简单地接受作者的结论，那么它对我的长期学习价值将是不可估量的。

评分☆☆☆☆☆

从出版社来看，上海音乐出版社的背景让人对这本书的专业性和权威性有很高的期待。这不仅仅是面向大众的科普读物，更像是为专业院校师生准备的深度参考资料。我特别关注那些涉及历史背景和乐器演变的部分。你知道，钢琴的音色和机械结构在不同时代是截然不同的，早期的古钢琴和后来的现代三角钢琴在触感和泛音结构上有巨大的差异。一个真正优秀的演奏探索，必须考虑到这些物质基础对音乐表达的制约与解放。我期望书中能有细致的图表或历史照片来佐证作者的观点，比如某位作曲家偏爱使用哪种型号的钢琴，这对理解其作品的和声色彩至关重要。如果这本书能清晰地梳理出从文献考据到舞台实践的完整链条，那么它就极大地提高了演奏的学术含量，让演奏不再是盲目的模仿，而是基于扎实知识的创造性重现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也给人一种沉静、专注的感觉，这与钢琴艺术需要长期静心打磨的特质非常契合。我尤其关注那些关于“诠释的困境”的讨论。在经典曲目被演奏了成千上万遍的今天，如何避免陷入陈词滥调和刻板印象，如何找到属于自己的声音，是每一位严肃的钢琴学习者必须面对的拷问。我猜测，这本书很可能会探讨“传统”与“创新”之间的张力。作者是否会挑战一些约定俗成的演奏习惯，提出一些令人耳目一新的观点？比如，对于那些已经被某些“神级”演奏家固定下来的处理方式，她会如何进行批判性继承或大胆超越？这种对既有权威的审视和重构，正是推动艺术不断向前的动力。这本书如果能激发我进行更深层次的自我批判和探索，那么它无疑是这个领域里的一股清流。