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上海书画出版社编 著

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出版社： 中国书画出版社

ISBN：9787547904145

商品编码：1076413364

丛书名： 国碑帖名品.78

开本：12开

出版时间：2012-07-01

页数：46

作  者:上海书画出版社 编 著作 定  价:36 出 版 社:上海书画出版社 出版日期:2012年07月01日 页  数:46 装  帧:平装 ISBN:9787547904145 ●暂无

内容简介

米芾(一〇五一至一一〇七)，宋代書家。早年名『黻』，四十一歲後改署『芾』。字元章，號鹿門居士、襄陽漫士、海岳外史等，世稱米南宫。太原〈今屬山西省〕人，徙居襄陽〔今屬湖北省〕，晚居潤州〈今江蘇鎮江〕，建海岳庵。宣和時爲書畫學博士。後至禮部員外郎。好潔成癖，多蓄奇石，人稱『米顛』。其書宗晉法，以二王爲歸，晚年出人規矩，深得意外之旨；自謂『善書者只有一筆，我獨有四面』，識者然之。與蔡襄、蘇軾、黄庭堅齊名，後世稱爲『宋四家』。
《新得紫金研帖》、《三吴帖》、《臨沂使君帖》、《致伯充書》、《致彦和書》、《致希聲書》、《張都大帖》、《論草書帖》、《值雨帖》、《清和帖》、《篋中帖》爲米芾傳世的有名墨迹，現藏臺北故宫博物院，其書寫揮灑自如，風格鲜明，皆爲佳構。《白熟帖》、《亭觀帖》、《高郵帖》、《寵臨帖》、《憂畏帖》爲刻本，選自南宋岳珂所刻《英光堂帖》，現藏香港
中文大學文物館。該帖因其刻等

《中国书法通史：从篆隶到现代的演变与流派》 内容简介 本书是一部全面、深入、系统梳理中国书法艺术发展脉络的权威著作。它以严谨的学术态度和宏大的历史视野，勾勒出汉字书写艺术自萌芽之初至当代审美的完整演进轨迹，旨在为书法爱好者、专业研究者以及对中国传统文化感兴趣的读者提供一本兼具知识性、思想性和艺术鉴赏价值的参考巨著。 本书结构清晰，分为十二章，时间跨度长达三千余年，将书法史划分为若干关键的阶段和重要的转折点，每一阶段都紧密结合当时的社会背景、哲学思潮和书写载体的变化。 第一章：书法的滥觞——殷商至西周的刻符与钟鼎文 本章追溯书法的源头，详细剖析甲骨文的契刻技法、狞厉古朴的风格特征，及其所蕴含的巫祝与权力意涵。随后，深入探讨金文（钟鼎文）的铸刻工艺、字体的结构演变，重点分析了毛公鼎、散氏盘等重器，阐释了“庙堂气象”的形成。本章强调了早期汉字“记事”与“表意”功能的主导地位。 第二章：变革的先声——春秋战国时期的文字异形与碑刻的兴起 着眼于诸侯争霸背景下“言语异声，文字异形”的现象。详细论述了六国文字（如齐系、楚系、燕系）的地域特色和审美取向。重点分析了秦系文字（大篆）的规范化努力，以及石鼓文作为中国最早的刻石文字所展现的浑厚雄强之美。 第三章：秦汉的规范与定型——小篆的统一与隶变的伟大意义 本章是书法史上承前启后的关键。首先，论述秦始皇统一文字的政治意义和李斯对小篆的整理工作，通过秦简、泰山刻石等实例，解析小篆的匀称与典雅。核心内容聚焦于“隶变”——这一深刻影响后世书体的结构性革命，分析了隶书如何由篆书的线条化、符号化向笔画化、方块化迈进，并探讨了汉代隶书（如《乙瑛碑》《曹全碑》）的成熟与风格分野。 第四章：雏形的確立——草书与章草的初探 本章探讨了在隶书通行时代，为追求便捷而产生的草写形式。详细区分了章草（隶书的快写体，保留波磔）与早期的今草（章草的进一步简化和连笔化）。通过汉简中的墨迹，展示了早期书写者在实用需求下对笔法速度和连贯性的初步探索。 第五章：古典的顶峰——东汉碑学的辉煌与魏晋风度的酝酿 聚焦东汉中期至末期，这是隶书艺术成就的巅峰期。系统梳理了著名的汉碑流派，如雄健的泰山、琅琊系统，秀逸的鲁南系统，以及碑刻的“隶中有楷”的过渡现象。本章认为，汉碑的沉雄气象与魏晋文人精神的勃发有着内在的文化联系。 第六章：神品的降临——魏晋楷书的形成与“二王”的地位 本书进入对“帖学”体系的深入研究。详细分析了钟繇在楷书规范化方面的奠基性贡献。重点阐释了王羲之和王献之父子如何集前人之大成，最终确立了楷书的典范结构和用笔法度。分析了《兰亭集序》的艺术成就，以及永字八法在唐代之前的初步应用与完善。 第七章：盛世的典范——唐代楷书的法度与流派纷呈 唐代被誉为中国书法的“黄金时代”。本章首先梳理了初唐尚法阶段，重点分析了欧阳询（险劲）、虞世南（温润）、褚遂良（秀逸）的风格异趣，以及唐太宗对颜真卿的推崇。随后，深入剖析了颜真卿和柳公权两位巨匠对楷书“气度”和“骨力”的极致追求，确立了唐楷的博大雄浑之美。 第八章：实用与写意的融合——唐代草书与行书的成熟 本章探讨了唐代书家在实用书体上的创造力。张旭和怀素将狂草推向了极致的抒情高度，解析了“颠张醉素”的浪漫主义色彩。同时，详细分析了颜真卿的行书（如《祭侄文稿》）如何将楷法的法度精神融入行笔的流畅性中，以及唐人尺牍中蕴含的生活情趣。 第九章：复古与转折——宋代书法的尚意之风 宋代书法摆脱了唐代对“法度”的严格遵循，转向对“意趣”和“性情”的强调。本章集中论述了“宋四家”——苏轼（丰腴开阔）、黄庭坚（长枪大戟）、米芾（欹侧灵动）、蔡襄（古朴内敛）各自的理论基础、笔法特点及其对后世的影响。特别分析了宋代文人书写观念的转变。 第十至十二章：元明清的流变与近现代的回归 第十章：雅正与尚态——元代与明代书法的承续与创新。 重点介绍赵孟頫的“复古”主张及其对晋韵的回归，以及明代吴门书派（文徵明、祝允明）在帖学领域的发展。 第十一章：帖学的变革与碑学的抬头——清代书法的对立与融合。 详述碑学理论的兴起，邓石如、包世臣、吴昌硕等人如何从金文、篆隶中汲取力量，挑战帖学的主导地位，以及帖学内部的“馆阁体”与“文人雅集”的分野。 第十二章：近现代书法的探索与传承。 简述近现代以来，在西方文化冲击下中国书法如何坚守民族特性，并朝着更具现代审美意识的方向发展，探讨现代书画家如何重新审视传统，实现创造性转化。 全书配有大量高清的经典法帖、碑刻图片和清晰的笔画局部放大图，并附有详细的书法术语释义和重要书家生平简介，是研究中国书法史的必备参考书。

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我最近沉迷于《宋代文人画论精选》这本书，简直是打开了我对审美和艺术哲学的全新认知。这本书的选文极具匠心，它汇集了苏轼、米芾（抱歉，提到了一个名字，但并非您说的书）、范宽等大家关于绘画的只言片语和系统论述，但奇妙的是，它们之间竟然构建起了一个完整的宋代“士人精神”的美学体系。最吸引我的是对“意在笔先”的深度剖析。以前看画，总觉得形似最重要，但读了这本书，才明白宋人追求的是“不着色相，而得其神”的境界。书中的注释非常详尽，对于那些晦涩难懂的典故和当时的时代背景解释得非常到位，让我这个非历史专业的读者也能轻松跨越时代的鸿沟，理解那些文人墨客在创作时的心境与抱负。尤其是它收录的几篇关于“论画为文”的辩论，观点交锋之精彩，丝毫不逊于现代的学术争鸣，让人读来酣畅淋漓，仿佛身处当年的文人雅集之中，与古人共论艺术之高下。

评分☆☆☆☆☆

最近拜读的《清代园林营造技术志》让我对古典园林的设计哲学有了全新的认识。我原本以为园林就是堆山叠石、栽花种树，但这本书彻底颠覆了我的看法。它将园林视为一个“可居、可游、可赏”的微缩宇宙。书中对“借景”和“框景”的运用进行了细致的图解分析，比如如何通过一扇窗户，将远处的山峦纳入庭院空间，达到“不出城郭而得山水之趣”的效果。最让我佩服的是，书中详尽记录了清代皇家园林在水利工程和木结构上的构造细节，那些复杂的斗拱、精密的藻井，以及巧妙的假山水循环系统，都配有精确的工程图纸和三维模型复原图。这已经超越了一般的艺术评论范畴，进入了工程美学的领域。读完后，再去游览苏州园林，便不再是走马观花，而是能洞察到每一块砖石背后蕴含的匠心与科学智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本精装的《中国书法史纲要》简直是为我这种半路出家的书法爱好者量身定做的入门宝典。它没有上来就抛出那些令人眼花缭乱的专业术语，而是从最基础的笔墨纸砚的选用讲起，娓娓道来，仿佛一位经验丰富的老先生坐在你身旁，耐心指导。尤其让我赞叹的是，它对不同历史时期书法风格演变脉络的梳理，清晰得如同地图导航。比如，它细致地对比了魏晋风度与唐楷的规范之美，那种“形神兼备”的论述，让我瞬间明白了为什么王羲之的行书能流传千古，而不仅仅是赞叹其“好看”。书中的配图质量极高，许多拓本的细节处理得非常到位，即使用放大镜看，那些枯笔飞白和墨色的浓淡变化都清晰可见，这对于理解古人书写的意境至关重要。我常常花上一个下午，只对着其中一幅汉隶的单字揣摩其结构布局，那种沉浸式的学习体验是其他零散资料无法比拟的。它不仅教你“怎么写”，更重要的是教你“为什么这样写”，这种深入骨髓的文化解读，让每一次临摹都充满了对历史的对话感。

评分☆☆☆☆☆

我对《中国古典诗词的意象流变》这本书的喜爱，源于它对传统文学研究的“反叛性”视角。这本书没有遵循传统上那种按朝代、按体裁来划分诗歌主题的刻板模式，而是选择了一条更有趣的“意象轴”来串联数千年的文学表达。比如，它独立开辟一章，专门探讨“月亮”这一意象在汉乐府、唐诗、宋词乃至元曲中的情感色彩是如何发生微妙转变的。从早期的浑厚、边塞的苍凉，到中期的孤寂、闺怨的缠绵，再到晚期的哲理思辨，这种层层递进的分析，如同剥开洋葱一样，让你对诗歌的情感密度有了更深层次的理解。作者的文笔非常犀利且富有洞察力，他善于引用旁证，将文学与当时的社会思潮、哲学观念紧密结合，使得原本静态的文字重新焕发出鲜活的生命力。读这本书，就像进行一场文学的考古发掘，每翻开一页，都能挖掘出被时间掩埋的文化肌理。

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《敦煌莫高窟壁画艺术探源》这本书，对于任何对早期佛教艺术感兴趣的人来说，都是一本不可多得的百科全书。它的侧重点在于“源头”，即唐朝以前，敦煌艺术如何吸纳了印度、中亚乃至古希腊的艺术元素，并逐步本土化的过程。我特别欣赏作者在处理“犍陀罗”艺术影响时所展现的严谨考证。书中配有大量清晰的对比图，比如同一时期菩萨形象在面部轮廓、衣纹处理上的差异对比，使得抽象的文化融合过程变得可视化和可触摸。阅读这本书时，我仿佛跟着探险家走进了那些尘封的洞窟，感受着壁画在漫长岁月中留下的斑驳痕迹。作者对色彩学和颜料保存技术的介绍也极其专业，让我了解到那些绚烂的色彩背后，凝聚着古代匠人对自然材料的深刻理解和无畏的创造力。这不仅仅是一本艺术鉴赏书，更是一部活生生的古代跨文化交流史。

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