中国美术史·大师原典系列 赵孟頫·鹊华秋色图、水村图 中信出版社

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店铺: 中信出版社官方旗舰店
出版社: 中信出版社
ISBN:9787508666976
商品编码:10859275078
品牌:中信出版(Citic Press)
包装:精装
丛书名: 中国美术史·大师原典
开本:16开
出版时间:2016-09-01
用纸:胶版纸

具体描述

内容简介

《鹊华秋色图》纸本设色,纵28.5厘米,横90.5厘米此幅向来被认定为是画史上文入画风式青绿山水设色。画中平川洲渚,红树芦荻,渔舟出没,房含隐现,绿荫丛中,两山突起,山势峻峭,遥遥相对。
《水村图》纸本墨笔,纵25厘米,横120.5厘米山用披麻皴画出,景物以平远的形式展开。渴笔较多,用笔松秀含蓄,“写”的意味较浓,体现了书法的审美趣味。画家借景抒情,表现了一种静穆的心态和对“平淡天真”的追求。

作者简介

赵孟頫(1254—1322),字子昂,号松雪,松雪道人,湖州(今浙江吴兴)人。楷书四大家(欧阳询、颜真卿、柳公权、赵孟頫)之一。他是个历代公认的大才子,写诗,写文章,写书法,画画,刻章,无所不能,甚至搞经济都是一等一的高手。书法和绘画成就*高,开创元代新画风,被称为“元人冠冕”。

内页插图

 

精彩书评

★这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。你爱这国家的什么?在无数可资援引的历史记中,眼下,请年轻人翻开这套画集。
——陈丹青(作家、画家、木心美术馆馆长)

★中国古代的文化成就,是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分,是基本国情,应成为常识,宜家喻户晓。
——孙机(国家文物鉴定委员会副主任委员)

★千百年来,这些杰作征服了无数观众,已成为过去,由于历史条件的限制,这些杰作往往深藏不露,普通读者难以一睹全貌,更无缘亲近赏鉴。本丛书愿大师原典的灼灼华彩,成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。
——张子康(中国美术馆副馆长)

好的,以下是根据您的要求撰写的一份图书简介,内容将聚焦于中国艺术史领域,但绝不涉及《中国美术史·大师原典系列 赵孟頫·鹊华秋色图、水村图》一书的具体内容。 --- 卷帙浩繁的中华艺术长河:一部探索早期山水画演变与文人精神的书写 本书旨在以宏大的视角,系统梳理中国古代绘画艺术,特别是山水画自萌芽至成熟阶段的演进脉络。我们摒弃了单纯的图像罗列,转而深入探究艺术风格背后的时代精神、哲学思想以及士人群体的审美取向。全书分为上下两卷,共计七章,力求勾勒出一幅清晰而富有深度的早期中国山水画发展图景。 上卷:笔墨的雏形与唐代的恢宏气象 第一章 探源溯流:先秦至魏晋的绘画滥觞。本章首先追溯了早期图像的起源,从岩画遗存到青铜器铭文上的装饰性纹样,展示了早期人类对自然界和精神世界的初步认知如何物化为视觉符号。重点分析了人物画在魏晋时期的主导地位,特别是顾恺之“传神论”对后世造型观念的深远影响。我们关注的不是技法本身,而是如何在尚无成熟山水画体系的时代,画家们如何通过对人物场景的描绘,间接反映了对宇宙秩序和人与自然关系的早期哲学思考。 第二章 隋唐之际:山水题材的崛起与初步成熟。隋代画家在继承前代衣钵的同时,开始显露出对自然景物独立描绘的兴趣。本章核心聚焦于唐代山水画的勃兴。我们详细考察了李思训、李昭道父子的“金碧山水”,剖析其如何以高度装饰化、程式化的手法,构建了一个富丽堂皇的理想化山水世界。这不仅是一种画风,更是盛唐气象在视觉艺术上的投射,体现了宫廷审美对宏大叙事的偏爱。 第三章 笔墨的探索与文人画的萌芽——王维的革新。本章将视角转向了唐代中期,着重分析王维在山水画领域所开创的“水墨为上”的观念。王维的贡献在于,他首次将禅宗的“空寂”境界与绘画创作紧密结合,强调“诗中有画,画中有诗”。我们通过对文献记载和现存部分摹本的细致比对,解析其如何通过笔墨的枯湿浓淡、墨色的晕染变化,来实现对自然光影、氛围的捕捉,为后世文人画的抒情写意精神奠定了理论和实践基础。 下卷:五代十国的地域性探索与北宋的格局构建 第四章 五代十国:地域风格的多元竞争。五代时期是山水画题材爆发式发展的重要阶段。本章分别探讨了荆浩、关仝在北方山势雄伟、气象万千的描绘,他们对“斧劈皴”等表现手法的大胆运用,使得山水的体量感和力量感达到了前所未有的高度。同时,我们不忽略南方如董源、巨然等画家,他们以“披麻皴”描绘江南的温润秀美,形成了南雄北秀的对照格局。这一时期的画家们不再满足于描绘理想化的自然,而是开始对特定地域的自然面貌进行深入的观察和个体化的表达。 第五章 北宋的集大成:院体与文人并行的格局。北宋初期,山水画的发展达到了一个高峰。本章分为两大部分:一是皇家画院在徽宗时期的精微写实,探讨他们如何通过严谨的写生与“尺寸千里”的构图法,将对自然的描摹推向极致。二是“北宋四家”(范宽、李成、郭熙等)的贡献。其中,郭熙的《早春图》及其理论《林泉高致》是本章的重中之重。我们深入分析了郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”的审美四境,揭示了宋代文人士大夫对山水画从单纯的欣赏转向一种生活哲学和精神寄托的转变。 第六章 意境的深化与笔墨语言的成熟。本章聚焦于宋代中晚期,探讨画家们如何进一步将自我情感融入山水。我们审视了如燕文贵、文同等人的探索,他们更加注重笔墨自身语言的表现力,而非仅仅是形体的刻画。这标志着艺术的主体性开始超越客体的描绘,为元代山水画的全面转向埋下了伏笔。 第七章 结语:风格流变的社会文化意涵。本章对全书进行总结,梳理出从唐代程式化的装饰性表达,到宋代写实与写意并举,再到地域个性化凸显的演变过程。我们强调,这些风格的更迭,绝非孤立的艺术运动,而是紧密联系着当时的政治结构、哲学思潮(如理学的影响)以及士大夫阶层身份认同的变迁。本书力求向读者展示,每一笔皴擦点染之间,都蕴含着一个时代的文化心跳。 本书的撰写严格遵循学术规范,大量引用了历代画论、题跋以及出土文献的记载,力求还原历史现场,并以严谨的考证态度,为读者提供一个扎实而富有洞察力的古代山水画研究框架。我们希望,通过对这些早期杰作及其理论的梳理,能够帮助读者更深刻地理解中国传统视觉艺术的内在逻辑与不朽魅力。

用户评价

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这本书的装帧设计,虽然谈不上有多么华丽的装饰,但却透着一股低调而坚实的力量感,很符合它所收录主题的庄重气质。我最欣赏的是其对细节的处理,比如装订线的强度和书脊的弯折处理,即便是多次翻阅,也不会出现松动或损坏的迹象,看得出出版社在工艺上是下了血本的。这是一种对艺术品本身的尊重,确保了收藏价值和阅读体验能够持久。相较于市面上很多追求速度和廉价感的画册,这本在材料的选择上明显更注重长远的品质。光影的捕捉也做得非常到位,即便是最暗的墨痕,也能在光线下显现出微妙的层次感,这对于研究古代水墨画的笔法变化来说至关重要,能有效避免因光线不佳而错失重要的艺术信息。

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这部画册的装帧设计实在是没得挑,纸张的手感温润如玉,印刷的色彩还原度高得惊人,即便是最细微的笔触变化和墨色的浓淡干湿,都仿佛能触摸到古人作画时的呼吸。拿到手里沉甸甸的,光是翻阅的过程就是一种享受。我尤其欣赏它在版式布局上的用心,留白恰到好处,既突出了原作的宏大气势,又不失细节的精致入微。作为一名长期关注古代书画的爱好者,我深知高品质的影印本对于理解和欣赏传统艺术的价值,这本画册无疑达到了极高的水准。它让我得以在线下实体空间中,近距离感受那些原本只在博物馆高悬的珍品所蕴含的时代精神和艺术感染力,而非仅仅是隔着屏幕观看数字图像,这种物质性的存在感,是任何电子设备都无法替代的。每一页都像是一扇通往彼时的窗户,让人屏息凝神,细细品味那份跨越千年的艺术对话。

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这本书的价值远超其标价,尤其是在对古代艺术家的精神世界进行呈现方面。它没有落入对“神童”或“天才”的简单赞美,而是着重探讨了艺术家如何在动荡的时代背景下,通过笔墨来寄托情怀,构建属于自己的精神家园。我从那些作品中读到了一种超越技法的坚韧与淡泊,这在当今这个浮躁的时代尤为珍贵。它像一面镜子,映照出文人士大夫阶层在特定历史节点上的集体心态。阅读文字部分时,我常常停下来,反复摩挲图像,试图在作品的疏密布局中寻找那种“避世”与“入世”之间的微妙平衡点,这种沉浸式的体验是单纯的学术论文所难以提供的。

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翻阅这本画册的过程中,我感觉自己像是一个误入历史长廊的访客,被那些充满哲思的画面深深吸引住了。它不仅仅是作品的简单收录,更像是一次精心策划的学术漫步。我特别留意了其中关于元代文人画发展脉络的梳理,那些对于“士气”与“趣味”的论述,简直是醍醐灌顶。文字部分的考据扎实,引用了大量一手资料,使得对画作背景的理解不再停留在表面的风格描述上,而是深入到了创作心境和社会语境之中。这种深度的解读,让原本抽象的“意境”变得具体可感,对于初学者来说是极佳的入门向导,而对于资深藏家而言,也能从中汲取到新的思考角度。它成功地架起了艺术作品与读者之间的桥梁,使我们能够更全面地理解艺术家的创作动机与时代背景的复杂交织。

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这是一部充满仪式感的出版物,从拆开外包装到正式摊开阅读,每一步都透露着一种对传统的敬畏。它的开本尺寸拿捏得恰到好处,既能展现长卷的恢弘气势,又方便在书桌上进行细致的品鉴。我特别喜欢它在章节之间的过渡设计,不是生硬的罗列,而是用一些富有诗意的短语或引文进行衔接,使得整个阅读流程如同一首流动的乐章,节奏感很强。这种精心设计的阅读体验,使得学习和欣赏古代艺术的过程不再是枯燥的知识灌输,而更像是一场感官与思想的深度对话,让人愿意一页页地翻下去,探索更多隐藏在笔墨背后的深层含义。

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中信员工包装不用心,书都压坏了,痛心!

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终于见到全画了

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