傅申书画鉴定与艺术史十二讲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田洪颜晓军徐凯凯... 编

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出版社： 浙江大学

ISBN：9787308168922

商品编码：13342357783

开本：16

出版时间：2017-06-01

基本信息

• 商品名称：傅申书画鉴定与艺术史十二讲
• 作者：编者:田洪//颜晓军//徐凯凯
• 定价：168
• 出版社：浙江大学
• ISBN号：9787308168922

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-06-01
• 印刷时间：2017-06-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：438
• 字数：492千字

编辑推荐语

2015年由浙江大学艺术学系主办的“傅申书画鉴定与艺术史系列讲座”在浙江大学西溪校区举办，傅申教授在三四月间共做了七次讲座，田洪、颜晓军、徐凯凯编的《傅申书画鉴定与艺术史十二讲》在此七讲的基础上进行了系统的梳理，并纳入傅申教授在八大美院的其余五场重要讲座，结集出版。

内容提要

二〇一五年春天，国际**中国艺术史学者、书 画鉴定家、书画家、台湾大学艺术史研究所教授傅申 先生应浙江大学艺术学系邀请，受聘担任浙江大学客 座教授，并在浙江大学开启了为期四十五天的“中国 书画鉴定与艺术史”系列讲座。此后，傅先生受邀在 中国美术学院、南京艺术学院、天津美术学院、中央 美术学院、清华大学、故宫博物院、鲁迅美术学院、 吉林大学等全国各地院校和科研机构巡回演讲。是年 秋季，傅先生又折返四川省博物院、四川大学等地讲 学。期间，还漂洋过海，远赴美国加州、日本新潟等 地演讲，一年时间内，傅先生在海内外巡回演讲达三 十次之多，现场听众逾万人，反响强烈。
     为了让*多的中国书画爱好者从中受益，浙江大 学人文学院和浙江大学出版社将*重要的十二场演讲 录音，汇编整理。田洪、颜晓军、徐凯凯编的《傅申 书画鉴定与艺术史十二讲》一书，作为“浙江大学艺 术史丛书”名师系列出版发行。
    

目录

导言
我的学研机缘
**讲
书画鉴定通则散论并举例(上)
第二讲
书画鉴定通则散论并举例(下)
第三讲
怀素《自叙帖》之我见
第四讲
对日本所藏数件五代及宋人书画之私见
第五讲
黄庭坚《砥柱铭》墨迹卷的确认——附论书法鉴定问题
第六讲
董巨派名笔：《富春卷》与《剩山图》原貌
第七讲
董其昌、龚贤与前新安派
第八讲
书画船——中国文人的“流动画室”
第九讲
乾隆丙寅(1746)：乾隆在书画鉴藏史上的丰收年
第十讲
乾隆皇帝《御笔盘山图》与唐岱
第十一讲
《石渠宝笈》初编编者梁诗正及三编编者黄钺的研究
第十二讲
前所未有的大时代
后记

《丹青流光：中国古代绘画艺术的演变与审美变迁》 一部探寻中国绘画千年流转的深度史诗 内容提要： 本书旨在为读者构建一幅宏大而细腻的中国古代绘画发展图景。我们不将焦点局限于特定艺术家的个人成就或某一阶段的风格分析，而是着力于梳理自新石器时代陶器纹饰的萌芽，历经魏晋风骨的初立、隋唐气象的恢宏、五代两宋的格律确立、元代文人画的转向，直至明清学院派与民间艺术的交织，直至近现代艺术的转型。全书以“艺术史的脉络”为主线，深入剖析了不同历史时期社会结构、哲学思潮（如儒释道思想）、政治格局对绘画内容、题材选择、笔墨技法及审美取向产生的深刻影响。 本书共分十二讲，每一讲都选取一个关键的历史节点或核心议题进行深入探讨，力求在宏观历史框架下，展现中国绘画如何一步步确立其独特的精神内核与形式语言。 --- 第一讲：远古的图腾与文明的初啼——史前至商周的符号世界 本讲追溯中国绘画的源头，探讨彩陶纹饰中几何图案与动物形象的象征意义。重点分析良渚文化玉器上的神人兽面纹如何体现早期巫术与权力结构，以及商周青铜器饕餮纹、云雷纹所蕴含的神秘主义色彩与礼制精神。在此阶段，绘画与“图像”的界限模糊，是实用性、宗教性与装饰性的高度统一。我们将讨论彼时“画”尚未成为独立艺术门类前的形态。 第二讲：魏晋风骨的塑造——“人”与“精神”的觉醒 探讨东汉画像石、壁画中叙事手法的成熟，以及玄学思想对人物画的影响。重点分析顾恺之“传神写照”理论的出现，如何将人物的精神气质置于形体描摹之上。本讲剖析了“士人阶层”的崛起如何促使绘画主题从宗教说教转向对个体生命状态的关注，展现出一种超脱世俗的清高与内省之美。 第三讲：盛唐气象的辉煌——色彩、叙事与宫廷的典范 聚焦唐代绘画的多元化发展。一方面，探讨李思训、李昭道父子的“金碧山水”如何体现盛唐的富庶与雍容气度；另一方面，分析吴道子“吴带当风”的线条革新，如何奠定了后世人物画用笔的基础。同时，深入研究阎立本、韩幹等人的肖像、鞍马题材，揭示宫廷艺术在弘扬国家气度上的作用。 第四讲：五代宋初的规范——山水画的独立宣言与界限的划定 本讲细致考察五代十国时期，山水画如何从人物画的背景中脱离出来，确立为独立的画科。重点分析荆浩、关仝的北方山水“雄伟”风格，与江南董源、巨然“平和”风格的地域差异与审美取向。探讨“界笔”与“披麻皴”等技法语言的初步确立，为北宋的集大成奠定基础。 第五讲：北宋的“格律”与“情志”——文人审美观的萌芽 北宋是山水画技法与理论体系成熟的时期。本讲集中讨论范宽的“三远法”在空间处理上的极致表达，以及李成、郭熙等人如何将自然观察上升到哲学思辨的高度。特别关注宋徽宗的“院体”画，分析其对摹古与写实的双重追求，以及对后世宫廷画院的影响。 第六讲：南宋院体的转折——“意境”的内敛与院派的定型 分析靖康之变后，宋室南迁对艺术创作氛围的影响。院体画家如李唐、刘松年的创作如何体现一种南方的“清瘦”与“萧瑟”。重点解析马远“一角”和夏圭“半边”的构图法则，探讨这种“不全”的取景方式如何更有效地传达南宋文人的复杂心境。 第七讲：元代画学的重塑——文人画的崛起与理论的深化 本讲是全书的转折点。探讨元代士人阶层因政治失意而转向艺术自娱的过程。重点分析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将书法笔法全面融入山水画，确立了“以书入画”的文人画核心原则。深入解析赵孟頫“意在笔先”、“书画同源”的思想如何重塑了审美标准。 第八讲：明初的革新与“浙派”的余韵 探讨明初，特别是“院体”的恢复与文人画的并行发展。分析戴进、吴伟领导的“浙派”如何继承南宋院体的“雄强”，但在笔墨上更加奔放、粗犷，代表了一种对院体传统的强化表达。同时，考察早期文人画家如何开始对元代技法进行系统性的继承与辨析。 第九讲：吴门画派的鼎盛——雅俗共赏的融合与风格的成熟 聚焦于明代中后期以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”。分析沈周如何将元代笔墨的意趣与宋代山水的“理”相结合，形成温润清雅的风格。探讨文徵明在书法与绘画间打通的路径，以及唐寅、仇英在题材和技法上的多样化探索，展现了明代成熟文人画的精致化趋向。 第十讲：董其昌的理论建构与“南北宗”论的形成 本讲集中剖析明末董其昌的理论贡献。深入探讨其“南北宗”理论的内在逻辑，即区分以董、巨为代表的“士人内派”和以李、马为代表的“匠人外派”。分析董氏提倡的“以墨为主”和“平淡天真”的美学主张，如何规范了清代乃至近代文人画的评判标准。 第十一讲：清初的流派纷呈——“四王”的集大成与“新罗宋”的对抗 探讨清初画坛的复杂局面。一方面，“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何遵循董其昌的理论，通过系统性的“集大成”与“摹古”，将传统笔墨推向精微的巅峰，代表了正统的典范。另一方面，分析“四僧”（石涛、八大山人）等人的反叛精神，探讨他们如何以强烈的个人情感和大胆的笔墨实验，为画史注入了新的生命力。 第十二讲：清中后期的变革与民间艺术的渗透 分析清代中后期，随着商品经济发展，绘画领域出现的“士气”与“匠气”的拉锯。探讨以“扬州八怪”为代表的画家如何突破文人画的藩篱，引入民间趣味、世俗题材和鲜亮的色彩，如金农的漆画趣味、华喦的写生灵动。本讲也将简要勾勒出这一时期为近代画坛转型所埋下的伏笔，为理解中国画如何进入现当代做出铺垫。 --- 本书特色： 本书的写作风格力求深入浅出，避免生僻的术语堆砌，以清晰的历史逻辑和对时代精神的深刻洞察，串联起历代绘画的风格流变。它不是一本单纯的技法指南，而是通过对社会、哲学背景的梳理，引导读者理解中国古代画家的“心之所向”与他们如何用笔墨构建起一个独特的东方审美世界。阅读本书，即是完成一次穿越千年的艺术史之旅，领略丹青流光中蕴含的深厚文化底蕴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种古朴又不失现代感的排版，一下子就抓住了我的注意力。我是一个资深的书籍收藏爱好者，尤其偏爱那些讲述艺术史和鉴赏技巧的著作。拿到手时，首先翻阅的是目录，内容安排得井井有条，从基础的笔墨纸砚介绍，到各个朝代的艺术风格演变，再到具体的作品分析，脉络清晰，让人充满了探索的欲望。我特别欣赏作者在引言中展现出的那种谦逊而又深厚的学养，寥寥数语，便勾勒出了中国书画博大精深的轮廓。这本书的装帧质量也相当不错，纸张的质感很好，印刷清晰，即便是细节之处的线条也处理得非常到位，这对于鉴赏类书籍来说至关重要。我感觉它不仅仅是一本理论书籍，更像是一份精美的艺术品，很适合摆在书架上，随时翻阅品味。整体来看，从视觉体验到内容架构，这本书都给人一种非常专业和可靠的印象，让人对接下来的阅读充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的书画爱好者，我常常在面对一件作品时感到无从下手，不知道该从哪些角度去欣赏和判断其价值。这本书的出现，简直就像是为我打开了一扇新的大门。我最感兴趣的是其中关于“气韵生动”的阐述部分，作者没有用那些空泛的、高高在上的术语来搪塞，而是通过大量的实例和细腻的笔触，将这种难以言喻的艺术境界剖析得淋漓尽致。阅读过程中，我仿佛有了一位经验丰富的导师在身旁耐心指导，每每读到一个关键的鉴赏点，都会忍不住停下来，回想自己之前看过的那些画作，尝试用新的视角去重新审视它们。书中对于不同流派技法的对比分析也做得非常到位，比如如何区分元四家与明代吴门画派在用墨上的差异，这些干货知识对于提升我的鉴赏水平很有帮助。这本书的文字功底极其深厚，行文流畅自然，既有学术的严谨，又不失文学的美感，让人读起来酣畅淋漓，不知不觉就能沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它似乎是为不同层次的读者量身定制的。对于初学者来说，前几章的入门知识讲解得极其细致，像是手把手地教你认识工具、了解基本概念。而对于我这种已经有一定基础的人来说，后续章节中对古代名家风格的深入剖析和流派传承的梳理，则提供了更深层次的思考维度。我尤其赞赏作者在论述中展现出的那种批判性思维，并非一味地推崇传统，而是能以现代的眼光审视历史上的评价体系，提出了许多独到的见解。这使得这本书的内容避免了陈旧和教条化，充满了活力和思辨性。阅读过程中，我常常会停下来，对照着书中的描述去查阅一些相关的图册，这种理论与实践相结合的学习方式，极大地加深了我对书画艺术的理解。这本书的价值在于，它不仅仅是知识的传递，更是一种思维方式的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格非常引人入胜，它不像是一本枯燥的教科书，更像是一部娓娓道来的艺术史长卷。作者在介绍历史背景和艺术家的生平时，总能穿插一些生动有趣的小故事或轶闻，使得那些遥远的、似乎高不可攀的艺术大师们瞬间变得鲜活起来。这种“以人为本”的叙述方式，极大地降低了艺术史学习的门槛，让我这个原本有些畏惧理论的读者也能轻松地沉浸其中。我发现自己不仅在学习鉴赏技巧，更是在与古人的精神世界进行对话。书中对不同时代审美情趣变化的描摹尤其精彩，清晰地展示了社会思潮如何影响艺术表达，这种宏观的视角让我对中国艺术史的理解上升到了一个新的高度。每一次合上书本，我的脑海中都会留下许多画面和思考的火花，久久不能散去，这正是一本优秀艺术著作所应有的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识密度非常高，但编排得丝毫不显拥挤，充分体现了作者驾驭复杂材料的能力。我注意到，书中在讨论某些复杂概念时，经常会引用大量的古代文献佐证，使得论述具有了无可辩驳的权威性。然而，即便内容如此扎实，作者的文字却始终保持着一种清晰和克制的优雅，没有出现那种为了堆砌专业术语而显得晦涩难懂的情况。对我而言，这本书最大的实用价值在于它提供了一套系统性的自检和提升框架。它教会我如何构建自己的鉴赏体系，而不是盲目地跟从他人的评价。阅读完后，我感觉自己看待任何一件艺术品时，都有了一种更扎实、更自信的底气。这本书无疑是近期阅读到的最具深度和启发性的艺术读物，它将艺术史的宏大叙事与具体的鉴赏方法完美地融合在了一起，值得反复研读和珍藏。