演员自我修养(第2部)

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K.C.斯坦尼斯拉夫斯基 著,王辛夷,许世欣,吴允兵 译
图书标签:
  • 演员训练
  • 表演技巧
  • 戏剧
  • 电影
  • 表演艺术
  • 职业发展
  • 自我提升
  • 舞台表演
  • 角色分析
  • 表演心理学
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出版社: 广西师范大学出版社
ISBN:9787549522576
版次:1
商品编码:11163750
包装:平装
开本:16开
出版时间:2013-01-01
用纸:胶版纸
页数:476

具体描述

编辑推荐

  《演员自我修养(第2部)》中所建立的斯坦尼斯拉夫斯基表演体系影响深远。除去对戏剧表演的影响,它还深深地渗透到各个行业,堪称人们修身养性处理世事的指导性宝典。如果说人生是一出戏,那么我们每个人都是演员。如何演好自己的角色,请读《演员自我修养》。

内容简介

  《演员自我修养(第2部)》是俄苏杰出的戏剧艺术家K.C.斯坦尼斯拉夫斯基最重要的作品之一,为日记体形式,主要探讨体现创作过程中的自我修养,其中所涉及的各个方面都是经过深思熟虑的,在历史上被证明了的,通过了试验,被演员职业检验过的东西,是斯坦尼斯拉夫斯基表演体系的精华所在。不管是国内的北京人艺还是好莱坞的艺术家,都以学习本书为荣。此次翻译的版本是莫斯科艺术出版社1989年出版的版本,完全忠实于原著,全面贴切地反映了作者的意图。

作者简介

  K.C.斯坦尼斯拉夫斯基(1863-1938),是俄罗斯、苏联杰出的戏剧艺术家,世界著名的戏剧和电影理论家、教育家。他自幼酷爱戏剧,曾组建剧团,担任导演与演员,积累了大量实践经验。他创立了世界著名的斯坦尼斯拉夫斯基戏剧表演体系,为戏剧表演和演员培养开创了一条道路,至今在世界上仍有巨大的影响。《演员自我修养》第一部和第二部是斯坦尼斯拉夫斯基最重要的著作之一,也是斯氏体系精华所在。
  
  杨衍春,北京师范大学外文学院俄语系教授,主要研究方向俄语语言学、普通语言学。先后出版《自助俄语》、《基础俄语》、《博杜恩.德.库尔德内语言学理论研究》、《博杜恩.德.库尔德内普通语言学论文选集》,发表与专业有关的论文多篇。

目录

版本说明
新版序言
第一章 转到体现
第二章 形体训练
第三章 练声和吐字
第四章 言语及其规则
第五章 演员和角色的远景
第六章 速度节奏
第七章 逻辑与顺序
第八章 性格化
第九章 控制与修饰
第十章 舞台魅力
第十一章 道德与纪律
第十二章 外部舞台自我感觉
第十三章 总的舞台自我感觉
第十四章 体系原理
第十五章 如何运用体系
附录
训练与练习
练习与习作
戏剧学校教学计划及大纲

前言/序言


舞台上的光影:《论演员表演的深度与广度》 书籍信息: 书名: 论演员表演的深度与广度 作者: 维克托·科尔察克(虚构) 页数: 680页 出版社: 黎明剧院出版社 出版年份: 2023年 --- 内容提要: 本书并非聚焦于特定流派的技法手册,而是一部深入剖析表演艺术本质、探索演员心智与角色灵魂交汇的理论与实践的集大成之作。维克托·科尔察克,这位在欧洲戏剧界享有盛誉的导演兼戏剧理论家,以其跨越半个世纪的舞台观察与教学经验为基础,构建了一套宏大而精微的表演哲学体系。全书共分为五大部分,层层递进,旨在引导演员超越机械的模仿,达到与角色精神层面的深度共振。 本书的核心论点在于:真正的表演艺术,是演员在高度的自我认知(深度)与对外部世界无限的共情能力(广度)之间建立的动态平衡。 缺乏深度的表演是空洞的姿态;缺乏广度的表演则是狭隘的自恋。 第一部分:自我的界限与解构——深度之源 这一部分着力于对演员“自我”的审视与重塑。科尔察克认为,舞台上的每一个动作、每一个眼神,都源于演员内在的生命体验。然而,这种体验并非简单的个人记忆的挪用,而是一个复杂的“去我化”与“重构”过程。 1. “透明的镜子”:演员的自省空间 作者详细阐述了如何进行有效的“内心景观扫描”。这包括对自身恐惧、欲望、禁忌的诚实面对。科尔察克引入了“情绪缓存区”的概念,讨论演员如何安全地储存和提取未被社会规范完全驯服的原始情感动力,而非在舞台上“演”出痛苦,而是让痛苦“发生”在角色身上。 2. 潜意识的剧场:梦境、直觉与角色的渗透 本书对非理性因素在表演中的作用进行了深入探讨。它分析了直觉判断的生理机制,并提出了“梦境排练法”——一种通过对角色情境进行非线性思维构建,从而绕过理性审查,使角色动机更具潜意识真实性的练习。 3. 身体作为语言的终极载体 科尔察克认为,身体不应仅仅是意图的传达工具,它本身就是意义的发生地。本章详述了如何通过精微的呼吸控制、重心转移和肌肉记忆,构建角色独有的“身体签名”,使其比语言本身更具说服力。这部分包含对不同历史时期、不同社会阶层角色身体姿态的详细类型学分析。 第二部分:世界的拓扑学——广度之域 如果说第一部分关注“我是谁”,那么第二部分则聚焦于“世界是什么样的”。表演的广度,即演员理解和接纳多样性人性的能力。 1. 历史的温度计:时代精神与角色呼吸 本书批判了将历史人物扁平化的倾向。科尔察克强调,演员必须深入历史文献、艺术品乃至日常用品中,去感受特定时代特有的“气味”——从光线的角度、食物的口感、对死亡的态度,到人际交往的礼仪。他提供了一套“时代情境模拟器”的构建方法,让演员在排练场中重现历史的微环境。 2. 社会的断层线:阶层、权力与语言的变异 这一章节深入探讨了社会结构对个体行为的塑造。作者通过对不同社会阶层(如十七世纪的宫廷贵族与二十世纪的产业工人)的语言韵律、肢体距离和眼神交流方式的对比分析,展示了社会权力关系如何无形地雕刻出角色的“皮肤”。书中特别分析了“权力话语”的潜台词如何影响演员对台词重心的选择。 3. 非人性化观察:动物、自然与共情边界 为了拓宽共情范围,科尔察克引导演员进行极端的移情训练。这包括细致观察动物的行为模式(而非拟人化模仿),以及研究极端自然现象(如风暴、地震)对生命体产生的能量影响,以此训练演员捕捉那些超越人类语言描述的、纯粹的生命状态。 第三部分:叙事的结构与解构 本部分将舞台艺术置于更宏大的叙事学框架下考察,讨论演员如何在既定的剧本框架内实现个人的即兴和创造。 1. 动机的层次:从需求到冲动 作者区分了显性动机(台词直接表达的愿望)和隐性动机(角色深层、往往自我欺骗的驱动力)。他提出“动机金字塔”理论,强调演员必须时刻清楚自己所处的层次,避免在表演中停留在肤浅的需求层面。 2. 时间的弹性:舞台上的快慢与停顿的密度 科尔察克认为,对时间的掌控是区分大师与普通演员的关键。他详细分析了“心理时间”与“舞台时间”的张力,并提供了一套基于“能量衰减率”来设计场景节奏的方法,尤其关注了停顿(Silence)的结构功能——停顿不是没有动作,而是动作最密集的地方。 3. 角色关系的网络图谱 角色不是孤立的个体,而是关系网络的节点。本章强调演员应在排练初期就构建出“关系图谱”,理解自己角色对其他角色的“情感引力”和“排斥力”,并根据排练伙伴的实时变化调整自身的反应弧线。 第四部分:技术集成与身心协调 这一部分回归到具体的排练技术,但其视角是整体性的,着眼于如何将前三部分的理论洞察转化为舞台上的具体行动,强调技术服务于精神。 1. 声音的共鸣室:从生理到哲思 声音训练不再仅仅是气息和音域的扩展,而是角色世界观的听觉体现。书中介绍了如何通过调整口腔、喉部乃至胸腔的“共鸣位置”,来反映角色的教育程度、健康状况以及对世界表达的紧迫感。 2. 视觉构图:舞台空间中的自我定位 演员的走位和站位被视为一种非语言的宣言。本章借鉴绘画和摄影的原理,指导演员如何利用舞台上的光影、景深和中心线,来“绘制”自己在关系图谱中的地位,并有效地引导观众的注意力。 3. 持续的投入:从“角色占据”到“角色退场” 科尔察克对“角色附身”的概念持谨慎态度。他更推崇“角色的临时租借”。本章详细介绍了如何在谢幕后迅速有效地“清洗”角色残留的情绪痕迹,保持演员自身的心理健康和创作的持续性。 第五部分:剧场与时代的责任 作为结语,本书将演员的个体修行提升到社会责任的层面。 1. 剧场作为伦理的实验场 探讨了当代社会焦虑、信息爆炸对演员心智带来的挑战,以及剧场如何作为社会良知的最后堡垒,去承载和拷问时代的核心问题。 2. 教学法的未来:培养“永不满足的探险家” 科尔察克总结了他对未来戏剧人才的期望:他们必须是终身的学习者,对既有的“正确答案”保持警惕,永远在舞台上探索未知的可能性。 结语: 《论演员表演的深度与广度》不是一本提供即时答案的指南,而是一张通往复杂人性迷宫的地图。它要求演员不仅要了解角色,更要了解自己,并有勇气将这两者置于时代的光束下进行拷问与熔炼。本书适合所有严肃对待表演艺术的从业者、导演以及戏剧教育工作者深入研读,它将拓宽你对“表演”二字的理解边界。

用户评价

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这本书的文字风格,让我联想到老一辈艺术家那种内敛而深刻的表达方式,它不追求华丽的辞藻,却字字珠玑,充满了重量感。我特别欣赏作者对于“艺术的克制”这一概念的阐释。在充斥着夸张和煽情的今天,如何恰到好处地收住“表演的冲动”,反而成了一种更高的修养。书中提到,最好的表演往往发生在角色“即将爆发”而又“强行忍住”的那个瞬间,那种潜藏在平静下的暗流,比直接的洪水更具冲击力。这对于我处理那些内心戏极为复杂的角色时,提供了全新的视角。我以前总是在琢磨如何“爆发”,现在我开始思考如何“蓄力”。此外,书中关于“集体意识与个体创造力”之间的辩证关系也写得非常精彩。它强调了团队合作的重要性,指出一个伟大的演员,必须是一个优秀的“倾听者”,能够敏锐地捕捉到其他演员气息的微妙变化,并与之共振。这提醒我们,舞台不是个人英雄主义的秀场,而是多重生命体的交织。读完这一部分,我感觉自己对剧场合作的理解又上了一个台阶,它让我更加敬畏每一个同台演出的伙伴。

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这本新版《演员自我修养》的出版,简直是为我们这些浸淫在舞台灯光与幕后烟尘中的人带来了一股久违的清流。我迫不及待地翻开它,期待着能从中学到一些关于如何更深刻地理解角色内心世界的法门,毕竟,表演这门手艺,需要的不仅仅是技巧的堆砌,更是对人性的洞察。这本书的装帧设计就很考究,那种沉甸甸的质感,让人一上手就知道它不是那种浮夸的速成指南。我尤其欣赏其中对于“体验派”与“表现派”之间那种微妙平衡的探讨,作者似乎并不急于给出一个绝对的答案,而是引导读者自己去思考,在每一次排练、每一场演出中,如何找到那个最契合自己、也最能打动观众的那个“度”。书中穿插的那些历史上的大师案例,分析得入木三分,不像有些理论书籍那样干巴巴地罗列事实,而是像一位经验丰富的老导演在耳边低语,告诉你“当年XXX是如何在那个至暗时刻,找到了角色的灵魂火花”。对于那些常年徘徊在角色边缘,总觉得差那么一点点火候的演员来说,这本书无疑是一盏指路明灯,它提醒我们,真正的表演,是从生活中汲取,又超越生活,最终回归到对“真”的极致追求。我几乎是逐字逐句地啃,生怕错过任何一个细微的提示,那种仿佛醍醐灌顶的感觉,比任何一次成功的谢幕都要来得踏实。

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这套书系(我指的是它作为整个系列的一部分)给我的感觉是,它像一本演员的“武功秘籍”,但它传授的不是花哨的招式,而是最根本的内功心法。它没有贩卖任何“速成”的幻觉,反而用近乎苛刻的笔触,描绘了优秀演员所需要付出的漫长而孤独的努力。我尤其关注到其中对“舞台直觉”的培养方法。作者认为,直觉并非玄学,而是长期以来对角色、对手、环境进行精确计算后,大脑自动做出的最优化反应。书中给出的训练方法,看似简单,实则考验执行力——比如要求演员在不带任何意图地重复某句台词上百次,直到其失去原有的意义,回归到纯粹的声音和呼吸的律动。这种近乎冥想式的训练,对我触动很大,它教会我如何去除表演中的“杂念”,让角色自然流淌出来。读完一遍后,我合上书,久久没有说话,感觉自己对“表演”这个词的理解,已经发生了质变,它不再是一个“扮演”的过程,而是一个“发现”的过程。这本书,值得每一位对表演怀有敬畏之心的从业者珍藏。

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说实话,我对这种“经典重读”的书籍总是抱持着一种审慎的态度,毕竟,在如今这个光怪陆离、节奏飞快的时代,沉下心来研读厚重的理论似乎成了一种奢侈。然而,当我翻开这本《演员自我修养(第2部)》时,我发现它有着一种超越时代的力量。它没有过多地去谈论当下那些层出不穷的“网红式表演”技巧,而是专注于挖掘那些永恒不变的表演基石——比如如何构建角色的生理反应,如何处理内心独白与外在行动之间的张力。书中对“情感记忆”的运用有着极其细致的拆解,它不是教你如何机械地去“回忆”某个痛苦的场景,而是教你如何在一个安全、可控的框架内,去唤醒那种情绪的“痕迹”。这对于很多容易在舞台上“失控”或者“过度表演”的年轻演员来说,是极其实用的盔甲。我最喜欢的是其中关于“舞台空间感”的章节,作者用非常形象的比喻,将空旷的舞台比作一个充满未知能量场的盒子,演员的每一个移动、每一个停顿,都必须服务于这个场的平衡与变化。读完这部分,我立刻想回去找个空排练厅,重新感受一下那种与对手、与观众之间无形的连接线是如何被编织起来的。这本书,与其说是一本理论教材,不如说是一份给灵魂提供养分的剧本。

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对于常年奔波于各个剧组,希望能在短暂的休息间隙提升自我的演员来说,这本《演员自我修养(第2部)》的价值是无法估量的。它的结构安排非常人性化,章节之间既有逻辑上的递进,又可以独立成篇,方便随时翻阅和吸收。我不是一个习惯于死磕理论的人,但这本书的每一个论点,都像是被切割得极其规整的表演“零件”,可以直接拿到实践中去测试效果。其中关于“排练中的心理建设”这一块,简直是为我量身定做的。我常常在排练初期感到迷茫,不知道如何从对剧本的初步理解过渡到角色的真实体验。书中提供了一套非常实用的“渐进式沉浸法”,它不要求演员一开始就“成为”角色,而是先从角色的“外壳”——比如走路的姿势、说话的习惯——开始模仿和解构,再由外及内地渗透。这种由表及里的方法,极大地缓解了初期进入角色的压力。更重要的是,它强调了“休息”的重要性,提醒演员,灵感的迸发往往来自于身体的放松和精神的游离,而非一味地死磕。这让我在高强度的工作之余,也能找到给自己“充电”的合理依据。

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哎呦!不错哦!哎呦!不错哦!

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挺好的,还没看呢,周星驰电影里的。哈哈

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很好,很快,书很好

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专业性比较强的书籍,正版,赞一个!

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好评好评好评

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褶皱的比第一部要好一点。不知道是买家的原因还是京东的原因,就一个袋子封起来,还可以晃动

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很好看的一本书,可以借鉴一下。

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