戏剧影视：形体表演基础（第2版）/表演专业“十二五”规划教材（附DVD光盘1张） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨扬 著

图书标签:

• 戏剧
• 影视表演
• 形体表演
• 表演基础
• 表演教材
• 专业教材
• 高等教育
• 艺术类
• 舞台表演
• 表演技巧

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565710728

版次：2

商品编码：11541269

包装：平装

丛书名： 表演专业“十二五”规划教材

开本：16开

出版时间：2014-09-01

用纸：胶版纸

页数：192

正文语种：中文

附件：DVD光盘

附件数量：1

内容简介

　　《戏剧影视：形体表演基础（第2版）/表演专业“十二五”规划教材》讲解了古典芭蕾舞、现代舞、毯子功等形体基本功的训练，中国古典舞身韵、器械道具运用等舞台技能的训练，中国民间舞、古典礼仪等代表性动作技能的训练。对于形体训练的讲解图文并茂，还有示范动作的完整视频。《戏剧影视：形体表演基础（第2版）/表演专业“十二五”规划教材》填补戏剧影视表演专业形体课程教材的空白，既可作为高校相关专业的教材，也可作为广大表演艺术、舞蹈艺术爱好者的参考用书。《戏剧影视：形体表演基础（第2版）/表演专业“十二五”规划教材》作者在十几年表演专业形体课的教学实践中，根据戏剧影视表演的实际需要，不断创新，摸索和总结出更适合培养演员形体表演能力的训练方法。第1版出版后，得到专家和师生的广泛好评，被几十家高校指定为相关课程的教材。修订后的第2版，讲解更加简洁，图片更加生动，是表演专业形体课程不可多得的教材。

作者简介

　　杨扬，中国传媒大学戏剧影视学院副教授，戏剧戏曲学硕士生导师，YY（杨扬）戏剧工作室创始人、总监，优秀青年戏剧导演，中国戏剧家协会会员，北京戏剧家协会会员，北京电影家协会会员。曾多次获得国家级戏剧奖项。获奖作品有《我脑海中的橡皮擦》《最后只好停下来》《两只鸡的低叹生活》《豪猪式恋爱》等。曾发表《电影表演创作中的身体语言》《中国古装电影中的古代礼仪》等多篇学术论文。

内页插图

目录

前言
第一编 形体表演基础教学理论
第一章 有关形体表演基础教学
第二章 戏剧影视形体表演课程教学大纲
第一节 戏剧影视形体表演基础课程教学大纲
第二节 戏剧影视形体表演创作课程教学大纲

第二编 形体基训
第三章 古典芭蕾舞基训
第一节 把杆部分（视频观看）
第二节 中间部分（视频观看）
第三节 跳跃部分（视频观看）
附 芭蕾动作术语
第四章 现代舞基训
第一节 单一训练
第二节 组合训练（视频观看）
第五章 毯子功训练
第一节 身体素质训练
第二节 武功技巧基本动作训练
第三节 滚动技巧
第四节 软翻技巧
第五节 手翻技巧
第六节 空翻技巧
第七节 其他技巧

第三编 舞台表演动作技能训练
第六章 中国古典舞身韵训练
第一节 基本手型
第二节 基本手位
第三节 基本手位造型
第四节 基本站姿与步法
第五节 基本动势
第六节 典型动作
第七节 组合训练（视频观看）
第七章 器械道具运用训练
第一节 袖法训练
第二节 水袖组合（视频观看）
第三节 武术器械训练
……
第四编 代表性动作技能训练

舞台之魂：现代戏剧的呼吸与塑造 一部深入探讨表演核心理念与实践的里程碑式著作 本书旨在为所有对舞台艺术抱有热忱、致力于探索人类情感与形体表达的探索者，提供一套系统、深入且极具启发性的理论与实践指南。它并非仅仅罗列技巧，而是试图揭示表演艺术得以成立的底层逻辑，探寻演员如何从“自我”出发，构建出一个可信、丰满且富有张力的舞台形象。 全书的结构围绕着表演哲学的构建、身体的解放与控制、声音的雕塑与情感的传递这三大核心支柱展开，力求在理论的深度与实践的可操作性之间达到完美的平衡。 第一部分：表演哲学的重构与溯源 本部分将引导读者跳出传统“模仿”的窠臼，深入理解现代戏剧的本质——即一种有意识的、结构化的“在场”艺术。 一、从“扮演”到“成为”：存在的舞台本体论 我们首先追溯从古希腊悲剧到斯坦尼斯拉夫斯基体系的演变历程，重点分析梅兰芳的“圆融”与布莱希特的“间离”效应在当代语境下的融合可能性。核心议题在于：演员在舞台上如何平衡“真实性”与“艺术性”之间的悖论？ 意识流与潜意识的交织： 探讨如伯格曼（Bergman）和彼得·布鲁克（Peter Brook）对演员内心世界的挖掘方式，强调“意图”（Intention）的纯粹性如何驱动外部行动。 情境的魔力： 详细分析“设定的情境”（Given Circumstances）如何超越简单的背景介绍，成为演员情感爆发的内在动力源。我们不仅研究“发生了什么”，更深入探究“为什么必须是现在发生”。 二、结构化即兴与文本的解构 表演并非一味地依赖灵感，而是需要精密的结构支撑。本章着重于如何运用即兴训练来激活演员的直觉反应，同时确保这种直觉服务于剧作的整体结构。 “无剧本”的剧本： 介绍如何通过一系列限定条件的即兴练习（如时间限制、空间限制、情感负荷限制），训练演员在突发情境下保持角色的逻辑连贯性。 语言的雕刻： 讨论如何将诗性语言、日常口语以及符号化的台词转化为具有重量感和内在节奏的表演元素，避免“念白式”的表达。 --- 第二部分：身体作为媒介的解放与训练 身体是演员最直接、最诚实的交流工具。本部分聚焦于如何将身体从日常习惯的束缚中解放出来，使其成为能够精准传达角色内心世界的精密乐器。 一、形体训练的解剖学与心理学关联 抛弃单纯的柔韧性或力量训练，本章强调身体训练必须与心理状态紧密耦合。 张力与放松的动态平衡： 深入探讨如何通过呼吸控制技术（结合梅耶荷德的生物力学理论），实现身体在“高度警觉”与“完全松弛”之间的快速切换。这对于处理高强度戏剧冲突至关重要。 空间感知与舞台几何学： 训练演员对舞台空间的精确利用。分析不同舞台形式（镜框式、中心式、黑匣子）对演员调度和观众感知的影响。探讨“舞台焦点”（Stage Focus）的吸引与转移机制。 二、姿态、动作与角色的构建 一个角色的“姿态”是其社会地位、心理创伤和内在欲望的视觉体现。 动作的“前因后果”分析： 详细阐述如何设计角色的标志性动作，并确保每个动作都有清晰的心理动机，而非仅仅是舞台装饰。例如，一个习惯性整理衣领的动作，其背后可能隐藏着对失控局面的焦虑。 节奏与时间感： 探讨角色如何感知时间。是急性子的，还是慢性子的？这种内在的时间感如何影响其说话的语速、移动的频率乃至对突发事件的反应时间？ --- 第三部分：声音的深度挖掘与情感的共鸣 声音是连接演员内心世界与观众想象力的桥梁。本部分将声音训练提升到音乐性和叙事性的高度。 一、气息的掌控与声音的物质性 声音的根基在于气息，但我们追求的不是简单的“气息长”，而是气息中蕴含的“情感物质”。 共鸣腔的调校： 运用物理学原理分析不同情绪（如恐惧、狂喜、压抑）如何改变人体的共鸣位置，从而自然地改变音色和音量，使声音具备可塑性。 噪音与静默的艺术： 探讨舞台上非语言声音（如喘息、叹息、沉默）的巨大表现力。如何让“无声的瞬间”比任何台词都更具戏剧张力。 二、情感投射与听觉的景深 如何让后排观众听到你微弱的耳语，同时让近景观众感受到你声音中的颤抖？ 声音的聚焦与扩散： 讲解如何训练声音的“指向性”。声音可以像探照灯一样精准地击中一个目标，也可以像烟雾一样弥漫整个空间。 情感的“调性”而非“泛滥”： 区分“表现激动”与“传递激动的过程”。强调声音的细微变化（如喉音的轻微收紧、气流的突然中断）比夸张的音高变化更能传达角色的复杂性。 --- 结语：表演的持续探索 本书的最终目标是激发读者将每一次排练视为一次科学实验和一次艺术发现的过程。表演艺术永无终点，唯有持续的自我审视、对人类经验的深刻洞察以及对身体潜能的无畏挑战，才能成就真正的舞台之魂。本书提供的是探索的地图和工具箱，而非固定的路径。愿每一位读者都能在自身的实践中，走出独一无二的表演之路。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配书DVD光盘，与其说是辅助教材，不如说是一份“自我探索”的挑战。打开光盘后，我发现里面的内容质量参差不齐，有些片段的录制清晰度很低，甚至出现了音频和视频不同步的现象，这在专业教材中是极不应该出现的疏忽。更让我困惑的是，光盘中的许多练习片段，都没有明确标注它们对应于书本的哪一章节，也没有提供专业的旁白讲解关键的要领。比如，当书中提到“重心转移的五种模式”时，我希望能看到一个清晰的慢动作演示，并配上专业教师的讲解，指出重心在不同模式下的具体身体受力点变化。但光盘提供的只是一些演员在进行某种训练时的俯拍或远景镜头，观众很难从中捕捉到核心的技术细节。这使得“理论”与“实践”之间出现了一道巨大的鸿沟。读者必须依靠自己强大的想象力和实践经验去“翻译”书本上的文字，并自行脑补出正确的动作形态，这无疑极大地增加了学习的难度和试错成本。对于依赖视觉学习的表演专业学生来说，这种低效的辅助工具实在令人沮丧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计实在让人有些摸不着头脑，从视觉传达的角度来看，它更像是一本上世纪八九十年代的学术专著，而非针对当代表演专业的“十二五”规划教材。大量的纯文字堆砌，密集的理论术语，使得阅读过程变成了一种需要高度集中精力的“啃读”。我花了很长时间试图在这些复杂的概念中寻找清晰的脉络，但总感觉被一些生僻的、未经现代语境消化的术语所困扰。例如，关于“身体的内在张力”与“外在形态”的阐述，几页文字下来，我依然无法清晰地在脑海中构建出一个可供模仿和实践的形象。更别提书中引用的部分哲学思辨，虽然提升了理论高度，但对于一个急需上台表演的年轻演员来说，这种抽象的思考往往会阻碍他们将理论迅速转化为身体动作。我期待的是一种更具可视化、更具即时操作性的教材，能够通过清晰的图示、对比鲜明的照片或者简短的视频片段（如果有配套资源的话）来解释复杂的形体概念。这本教材在“教材”的实用性和“理论”的严谨性之间，似乎更偏向了后者，导致其在教学一线的使用便捷性上打了折扣。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《戏剧影视：形体表演基础（第2版）》时，我本来是充满期待的，毕竟“形体表演”在戏剧影视领域的重要性不言而喻，是演员的“第二语言”。然而，读完前几章后，我感到有些许的失落。这本书的理论架构似乎过于宏大，试图涵盖从古典到现代所有流派的形体训练方法，结果导致在具体技巧的讲解上显得有些蜻蜓点水，不够深入。比如在提到“默剧”的训练时，书中只是罗列了一些常见的练习名称，却没有提供足够详尽的步骤分解或常见错误解析。对于初学者而言，这本书更像是一本高屋建瓴的“形体表演百科全书”，而非一本真正能手把手带着练习的“教科书”。我更希望看到的是，作者能够聚焦于几个核心的、当下舞台和镜头最需要的形体技术点，用更细腻的笔触去剖析它们如何与情感表达、空间调度相结合。书中的案例引用也稍显陈旧，缺乏近年来新兴影视作品中对形体语言创新性的探讨。整体感觉，它更适合已经有一定基础，需要系统梳理知识框架的进阶学生，而非急需扎实基本功的新入门者。 DVD光盘的内容，我也尝试观看，但发现它更多是演示性的片段集合，与书本内容的对应性不强，缺乏针对特定章节练习的详细演示指导，这使得光盘的辅助作用大打折扣。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我购买这本书是冲着“第2版”和“规划教材”的字样去的，期望它能吸取第一版的经验，在内容更新和与时俱进方面有所突破。然而，在对当前戏剧影视行业形体要求的理解上，这本书显得保守且滞后。今天的影视表演，尤其是在特写镜头面前，对演员的微表情、非语言暗示的精确控制有着近乎苛刻的要求。这本书对“面部肌群训练”与“镜头感”的结合讨论几乎是空白的，这在很大程度上削弱了它作为“影视表演基础”教材的价值。形体表演不应只是舞台上大幅度的肢体展现，它更关乎如何用身体的细微颤动来传达内心世界的波澜。我在书中翻找了许久，关于如何将舞台化的、夸张的形体训练，转化为适应高清镜头下的“内敛式表演”的方法论，几乎没有得到有效指导。这让我怀疑，作者的创作视角是否更多地停留在传统戏剧舞台，而未能充分融入近二十年来影视技术发展对演员身体提出的新要求。对于一个致力于成为影视演员的学生来说，这种视野的局限性是致命的。

评分☆☆☆☆☆

从教学工具的角度来审视，这本教材在结构逻辑上存在明显的跳跃性。它似乎跳过了部分基础中的基础，直接进入到相对高阶的身体控制和即兴表达的探讨。例如，关于身体的放松、呼吸与形体的关联性训练，这些是构建任何形体技术大厦的基石，但书中对这些基础的讲解非常简略，仿佛默认学习者已经完全掌握了这些内容。这对于缺乏专业训练背景的自学者或者一些基础薄弱的班级来说，无疑是一个巨大的障碍。当一个学生的肩颈长期处于紧张状态时，他不可能有效地去完成书中后半部分所要求的高难度“空间雕塑”练习。教材应该遵循由浅入深、循序渐进的原则，用足够多的篇幅去夯实地基。这本书的编排，更像是一份知识点清单的罗列，而非一条精心铺设的学习路径。它强迫学习者去挑战远超当前能力的训练项目，这不仅容易造成身体损伤，更会挫伤学习的积极性。我希望能有一套更具系统性和耐心的引导，逐步解锁身体的潜能，而不是一开始就抛出复杂的难题。

评分☆☆☆☆☆

这书很好，可以购买的。

评分☆☆☆☆☆

书的印刷清楚，纸张也很好

评分☆☆☆☆☆

这书很好，可以购买的。

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很好看

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不太适用

评分☆☆☆☆☆

书的印刷清楚，纸张也很好

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这书很好，可以购买的。

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这书很好，可以购买的。

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好