写给老师的中国音乐史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

漆明镜 著

图书标签:

• 中国音乐史
• 音乐史
• 教育
• 教师
• 音乐教育
• 文化
• 历史
• 艺术
• 教材
• 中国文化

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534047084

版次：1

商品编码：11904920

包装：平装

开本：大32开

出版时间：2016-03-01

用纸：胶版纸

页数：160

字数：107000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：教师 音乐爱好者 老师

　　以凝练的文字、精美的图片、清晰的结构，展现中国音乐的演变历程与独特美感。

内容简介

　　本书从中国古典人文品味的视角出发，以历史发展为经，以具有代表性的工艺美术品类及其艺术特质为纬，配以大量精美彩图，简明、生动、清晰地呈现出中国音乐的独特美感和文化价值。

作者简介

　　漆明镜（1982-），女，四川人。2012年毕业于上海音乐学院音乐学专业，文学博士。现任广西艺术学院副教授。研究方向为中国古代音乐史、乐律学。

内页插图

目录

第一章 远古及夏商时期的音乐／001
音乐的起源／002
民歌、乐舞传说／003
第二章 周秦时期的音乐／011
礼乐／012
音乐机构与音乐教育／014
民间音乐／015
乐器／018
乐律／033
音乐思想／035
第三章 两汉时期的音乐／037
汉代的礼乐与音乐机构／038
歌舞百戏／042
鼓吹／046
乐器／048
乐律／057
音乐思想／060
第四章 魏晋南北朝时期的音乐／061
相和歌／062
清商乐／063
大曲／064
杂舞和具有故事性的歌舞／065
鼓吹乐／068
异族风情的音乐／069
乐器／070
律制／076
音乐思想／077
第五章 隋唐以降的音乐／079
宫廷音乐／080
音乐机构／085
民间音乐／087
乐器／091
乐律／093
第六章 宋元明清时期的音乐／095
民间歌曲／098
说唱音乐／101
戏曲／105
乐器和器乐／114
乐律／120
第七章 中国近代音乐的发展／121
学堂乐歌的引入／122
1920至1940年间的新音乐建设／127
革命音乐运动／136
新音乐在不同政治区域的发展／143

精彩书摘

　　从宋代开始，宫廷音乐的规模开始缩减，与大唐宫廷音乐的恢宏不同，宋代宫廷音乐向着小型、精致的方向发展。大曲发展到宋代已不再表演全曲，而是演奏其中的片段，称为“摘遍”。纯器乐形式开始盛行于宫廷，包括独奏和小型合奏。至南宋，教坊被废止（图47）。

　　此消彼长，市民音乐的发展十分繁荣。宋元时期已有专门的演出场所瓦舍，又称瓦肆、瓦子或瓦市。取“来时瓦合，去时瓦解”之义。其中有许多用栏杆或巨幕隔成的固定场子，称勾栏或游棚，表演杂剧、歌舞、百戏等。除勾栏外，还有卖药、估衣、饮食等店铺鳞次栉比。从北宋张择端的《清明上河图》（图48）中可以看出瓦舍中熙熙攘攘，热闹非凡的场景。而南宋都城临安（今杭州）的瓦舍，不仅在数量上，而且在规模上都超过了汴京。至明清，延续宋元的路子，民间音乐活动更是达到了鼎盛。

　　宋元明清民间歌曲诞生了曲子、散曲、小曲等艺术品种。说唱音乐出现了宋元的鼓子词、诸宫调和明清的鼓词、弹词、渔鼓等。戏曲这一重要的民间音乐体裁在宋代正式形成，至明清已发展出重要的声腔系统。在乐器和器乐方面，有胡琴、三弦、火不思、云璈、兴隆笙等新乐器；古琴发展出诸多流派；小型器乐合奏盛行。在乐律上，朱载堉发明著名的新法密率，彻底解决了遗留千年的黄钟还原和十二律旋相为宫的问题。

　　……

前言/序言

　　规律地振动产生出的音律是一种客观物，在音乐产生的初期就应存在。可推测的是，上古时期的祖先们凭生理听觉发现音高，并在一系列并未被理论化的实践基础上，依据当时的工艺技术制造出可发若干音的乐器，譬如河姆渡遗址出土的无音孔陶埙、半坡仰韶文化遗址中的能吹出一个小三度（羽与宫）音程的一音孔陶埙等。南宋琴家徐理曾在《琴统》中说到：“盖有天地则有是律，有是律则有是声，有是声则有是准。准之器虽未作于有律之初，准之意已默存于有琴之先。”乐音的存在先于人的意识，在经过人类的发现和进一步创造后，逐步发展出更复杂的音乐形式，并一步步书写出华美的音乐史。

　　中国古代音乐史悠久且神秘，远古的音乐传说脍炙人口，历代出土的音乐实物精妙绝伦。各朝代都一度盛行不同的音乐体裁和乐器，音乐机构培育出一代代优秀的乐人，音乐审美也随着主流意识发生演变。宫廷音乐和民间音乐在并行发展的同时也此消彼长，技艺高超的音乐家总会留下不朽的传奇。进入近代后，中国音乐发生了转型，西方音乐的引入，除了式微的传统音乐继续发展外，音乐史的重点转移到了对作曲家和音乐作品的研究上。

　　根据中国音乐史发展的特点，本书将古代音乐史划分为六个部分。远古和夏商时期归入第一部分，而两周至秦朝作为古代音乐发展的第一个高峰期，被列为第二部分，后分别将两汉、南北朝、隋唐和宋元明清列为不同的章节进行阐述。而近代音乐史部分，虽仅一章，但内容十分复杂，音乐家和作品繁多，本书主要从西洋音乐和学堂乐歌的引入、新音乐建设、革命音乐运动和新音乐在不同政治区域的发展四个部分展示近代音乐发展的主线。

　　从古代的礼乐、音乐机构、乐律、乐器、乐种、乐人、音乐著作，到近代的学堂乐歌、新音乐、作曲家、音乐作品，数千年变迁，唯有对音乐之美的追求不变。今日回顾往昔，历史存储了个人的文化基因，我们为何会创造出这样的音乐，为何会喜欢这些风格的乐曲？回溯历史的河流，方能解惑。

音乐的河流：一部跨越时空的西方古典音乐史 书名：音乐的河流：一部跨越时空的西方古典音乐史 作者： [此处可填写真实作者姓名或留空] 出版社： [此处可填写真实出版社名称或留空] 定价： [此处可填写真实定价或留空] --- 内容简介： 《音乐的河流：一部跨越时空的西方古典音乐史》并非对既有音乐史的简单梳理或罗列，而是一部试图捕捉西方古典音乐从萌芽到鼎盛，再到不断自我革新的宏大叙事的深度探索。它将音乐史视为一条奔流不息的长河，每一个时代、每一位作曲家，都是河道中的关键转折点或激流险滩，共同塑造了我们今天所听闻的音乐图景。本书旨在带领读者深入理解音乐结构、风格演变背后的文化、哲学和社会动因，而非仅仅停留在对“名曲”的赞美之上。 第一部分：源头与涓流——中世纪与文艺复兴的奠基 本书的开端，将目光投向西方音乐的真正源头。我们不会将中世纪仅仅视为“黑暗时代”的背景音，而是深入剖析教会音乐（Gregorian Chant）如何通过单音音乐的规范化，为后世复杂的复调音乐奠定了秩序和基础。我们会详细探讨格里高利圣咏的结构特征、记谱法的诞生（从纽姆到五线谱的演变），以及修道院与早期大学在音乐理论发展中的关键作用。 随后，我们将进入文艺复兴的黎明。这是一个“人”重新回到中心的时代。音乐从纯粹的宗教服务逐渐转向对人类情感与文本的精确表达。重点章节将放在奥古斯都·德·维克多（Ockeghem）、雅各布斯·奥布雷赫特（Josquin des Prez）等人的作品中，探讨复调织体（Polyphony）如何达到其精妙的平衡——如何在多声部的独立进行中，保持文本的清晰度和整体的和谐感。我们将详细分析“模仿手法”（Imitation）的运用，以及世俗音乐（如香颂和维拉内拉）如何反哺教堂音乐的革新。对印刷术在音乐传播中的革命性作用，也将进行细致的考察。 第二部分：巴洛克的回响——激情、对比与装饰的时代 巴洛克时期（约1600-1750）是西方音乐史上一次剧烈的风格转向。本书将重点剖析“巴洛克”这一概念本身所蕴含的张力与戏剧性。 歌剧的诞生与确立： 佛罗伦萨的“新艺术协会”如何试图复兴古希腊的悲剧美学，从而催生了最早的歌剧？我们将分析蒙特威尔第的《奥菲欧》，探讨“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的张力，以及独唱音乐对戏剧表达的解放。 协奏曲与对位法的巅峰： 宏大的“大协奏曲”（Concerto Grosso）与精密的“托卡塔”和“赋格”将是本部分的重中之重。巴赫的《平均律钢琴曲集》不仅仅是技巧的展示，更是对十二平均律和对位艺术的百科全书式总结。我们将拆解巴赫后期作品中复杂的“主题变形”和“声部交织”技术，探究其背后的神学意图与数学逻辑。亨德尔的清唱剧，特别是《弥赛亚》，则代表了宏大叙事音乐的集大成者。 风格的过渡： 我们也会关注这一时期其他重要风格，如意大利小提琴学派（维瓦尔第）如何确立了协奏曲的基本三乐章结构，以及法国巴洛克宫廷音乐的优雅与规范。 第三部分：古典的理想——秩序、清晰与普世的情感 古典主义时期（约1730-1820）标志着对巴洛克繁复的拒绝，转而追求清晰的结构、平衡的比例和普世的人类情感。 奏鸣曲式的统治地位： 本书将用大量篇幅解析“奏鸣曲式”（Sonata Form）——呈示部、发展部、再现部的内在逻辑与戏剧冲突。海顿（被誉为“交响曲之父”）如何通过其丰富多变的配器和机智的动机发展，将交响乐从一种相对轻快的娱乐形式，提升到具有深刻哲学意味的艺术殿堂？ 莫扎特：完美的化身： 莫扎特的作品被视为古典主义的极致典范。我们将分析他在歌剧（如《费加罗的婚礼》、《唐璜》）中如何将音乐与人物心理的微妙变化完美结合，以及他在钢琴协奏曲中对独奏乐器与乐队之间对话的革新。 贝多芬的断裂与桥梁： 贝多芬是古典主义的集大成者，同时也是浪漫主义的先驱。我们不会简单地将他视为一个“英雄”人物，而是深入研究他在“中期”作品中如何通过对发展部的极度拉伸和对规模的空前拓展，打破了既有的古典框架。他的九部交响曲被视为一座座结构精密的音乐建筑，探讨《命运交响曲》或《英雄交响曲》中“冲突—斗争—胜利”这一叙事模型的建立。 第四部分：浪漫的狂想——自我表达与民族的觉醒 19世纪，随着工业革命和民族主义的兴起，音乐的核心从“为普遍真理服务”转向“表达个体独特的灵魂体验”。 情感的极端化： 舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与钢琴伴奏提升到前所未有的共生关系？肖邦如何将钢琴这一乐器推向了新的极限，用“夜曲”、“圆舞曲”等小型体裁承载了深沉的民族忧郁与个人私密的情感？ 交响诗与“标题音乐”的崛起： 李斯特的“交响诗”是对贝多芬交响曲的颠覆性挑战。本书将探讨标题音乐如何试图直接与听众进行具象的交流，以及瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，如何构建了一个宏大、无缝连接的音乐戏剧世界，以及他对和声的革命性推进（例如《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”）。 民族主义的色彩： 斯美塔那、德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从本国的民间音乐、民间传说和独特的音阶调式中汲取灵感，创造出具有鲜明地域特征的作品，并在欧洲乐坛占据一席之地。 第五部分：现代的迷宫——探索与解构 进入20世纪，西方音乐史进入了一个前所未有的多元化和碎片化的阶段。 印象主义的色彩与模糊： 德彪西如何用和声的色彩、模糊的节奏和对传统调性的稀释，描绘出光影的瞬息万变，挑战了德奥传统的主导地位？ 打破调性： 勋伯格的“十二音体系”（Dodecaphony）是如何在对调性的“去中心化”过程中，试图建立一种新的、更具逻辑性的组织方式？我们将剖析这一技术革新背后的哲学困境——当所有音高都被赋予同等价值时，音乐的传统吸引力何在？ 野蛮与反抗： 斯特拉文斯基的《春之祭》首演所引发的骚乱，并非偶然，而是对既有审美规范的彻底反叛。我们将研究其对原始节奏的迷恋和不协和音的刻意堆叠。 战后的实验： 从序列音乐到偶然音乐（约翰·凯奇），本书将聚焦于二战后作曲家们对音乐材料（包括噪音、电子音效）的边界拓展，探讨当代音乐如何从“听觉的艺术”向“观念的艺术”转变，以及它与听众之间持续产生的张力与对话。 --- 核心理念： 《音乐的河流》的宗旨在于展示音乐史的连续性与断裂性。每一个“突破”都是建立在对前辈技法的深刻理解之上的“回应”。本书强调，理解音乐，不仅需要聆听那动人的旋律，更需要理解谱面之下的结构、时代的精神以及作曲家为了实现其艺术抱负而进行的每一次勇敢的、有时是痛苦的“技术选择”。它是一部写给所有对声音艺术怀有好奇心读者的入门与进阶指南，旨在培养一种更加批判、更加深入的聆听方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格，我个人非常欣赏，它有一种古典的韵味，却又绝不晦涩难懂。作者似乎深谙“含蓄”二字的精髓，在描述那些复杂多变的音乐现象时，总能找到最恰当、最富有画面感的词汇。阅读体验如同品茗，初入口时清冽回甘，细品之后层次分明。它不像某些著作那样堆砌专业术语，而是巧妙地用比喻和类比，将抽象的音乐概念具象化。举个例子，书中对某个特定时期“五音”变化的描述，没有使用繁复的音阶理论，而是将其比作四季更迭，使得即便是对乐理知之甚少的读者，也能迅速领会其间的微妙变化。这种以文为媒，将音乐的流动性融入文字结构中的写法，极大地降低了阅读门槛，让音乐史研究不再是少数专家的专属领域，而是面向所有热爱文化的人士的盛宴。

评分☆☆☆☆☆

让我印象深刻的是，作者在梳理中国音乐发展史的过程中，对于“地方性”和“民族性”的平衡把握得恰到好处。它不仅仅关注了官方推崇的主流音乐，更是将目光投向了广阔的民间和少数民族音乐的沃土。书中对不同地域乐种的介绍，充满了人文关怀和实地考察的痕迹，细节丰富得令人咋舌。我尤其喜欢其中关于某一特定区域传统器乐的章节，作者不仅描述了其独特的演奏技法，更侧重于解读这些音乐在当地社会生活中所扮演的角色——是祭祀的需要，还是劳作的陪伴？这种将音乐置于具体的生存情境中去考察的视角，使得音乐不再是孤立的存在，而是与人民的生活、情感紧密相连的有机体。这本书拓宽了我对“中国音乐”概念的理解，认识到其内部蕴含的巨大多样性和生命力。

评分☆☆☆☆☆

读完这本关于中国音乐历史的著作，最直观的感受是它打破了传统教科书的刻板印象。作者显然花费了大量心血去挖掘那些鲜为人知但又至关重要的音乐现象。书中对于不同历史时期音乐风格的转变，阐述得鞭辟入里，特别是对于隋唐以来胡乐汉化、以及宋元戏曲音乐兴盛的分析，简直是精彩绝伦。它没有停留在对乐器形制的简单介绍上，而是深入探讨了社会变迁如何催生出新的音乐体裁和审美趣味。例如，书中对宋词和元曲的音乐性是如何相得益彰的论述，视角独特，见解深刻。阅读过程中，我时常会忍不住停下来，在脑海中复盘那些被提及的乐曲片段，试图去想象当时的演奏场景，那种沉浸感是其他学术著作难以比拟的。这哪里是一本“史书”，分明是一本充满生命力的音乐文化志。

评分☆☆☆☆☆

这部作品读来，仿佛沉浸在了一场穿越时空的音乐之旅。它没有直接罗列枯燥的史实和年代，而是以一种极为细腻和富有感染力的方式，勾勒出了中国音乐发展的脉络。作者的笔触，如同画笔般灵动，将那些遥远的宫廷雅乐、市井小调、宗教吟唱，都生动地呈现在读者眼前。尤其令人称道的是，书中对音乐的社会背景和文化内涵的解读，让我对“声”与“道”的关系有了更深的理解。比如，在描述先秦时期的礼乐制度时，那种庄重与和谐的氛围，仿佛能透过文字直达心底，让人体悟到古人“乐”与“治”相辅相成的智慧。这本书并非简单的知识灌输，而更像是一次深度的文化对话，引导读者去聆听历史的回响，去感受那些流淌在血脉中的旋律是如何塑造了中华民族的精神气质。它真正做到了“以乐载道”，让人在享受音乐之美的同时，也提升了对传统文化的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值，或许在于它提供了一种理解中国传统思维方式的独特入口。它不是一本单纯的音乐鉴赏手册，而更像是一部关于“中国式审美”的哲学思考。作者在论述中，常常将音乐的发展与儒家、道家的思想精髓相勾连，展现了中国古代知识分子是如何通过音乐来修身养性、体悟天道的。例如，对某些古琴曲所蕴含的“虚静”之美的阐释，就展现了东方美学中对“留白”和“不完美”的推崇。这种深层次的文化解读，使得阅读过程充满了启发性，让人不禁反思当代的快节奏生活中，我们是否遗失了那种与自然、与自我和谐共处的“乐感”。它成功地架起了一座桥梁，连接了古代的声响与现代人的心灵，是一部值得反复品味、常读常新的佳作。

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！