照片秀：定义摄影史的重要展览 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[意] 亚历山德拉·莫罗 著，毛卫东 等 译

图书标签:

• 摄影史
• 展览研究
• 策展
• 摄影理论
• 艺术史
• 图像文化
• 视觉文化
• 现代摄影
• 当代摄影
• 摄影批评

出版社： 中国民族摄影艺术出版社

ISBN：9787512207172

版次：1

商品编码：11781293

包装：精装

开本：16开

出版时间：2015-09-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

　　在通过报纸、书籍、网络等媒介广为流传之前，大多数摄影作品，都需要通过展览而被公众所知。作者在自己研究的基础上，邀请当今全球最重要的摄影史研究者、策展人和专家，共同探讨摄影展览之于摄影发展的重要性，从某种意义上讲，本书讲述的这些展览“影响了摄影史的发展”。

内容简介

　　■《照片秀》梳理了历史上最重要的几场摄影展览
　　■确凿可信的史料和引人入胜的叙事，为读者们提供了一个了解摄影史的独特角度。
　　■对摄影师和策展人而言，本书描述的诸多展览细节，或许能为当下的策展工作提供参考。

作者简介

　　亚历山德拉·莫罗（Alessandra Mauro），意大利著名策展人，作家，contrasto出版社主编，弗尔马摄影基金会主任。她策划了很多重要的摄影展览和图书。莫罗在自己研究的基础上，邀请当今全球最重要的摄影史研究者、策展人和专家，共同探讨摄影展览之于摄影发展的重要性，从某种意义上讲，本书讲述的这些展览“影响了摄影史的发展”。

内页插图

精彩书评

　　★十二个展览、两个博物馆、一个画廊，如何改变摄影的面貌。
　　——《时代》（Time）周刊书评

　　★对摄影作品而言，最重要的是要被展示出来，即通过展览的形式公之于众。所以，这就是我做这本书的动机，将展览看做一个考察摄影史的关键元素。
　　——亚历山德拉·莫罗

目录

引子：离经叛道：互联网时代的摄影展览策划
第一章：最早的视野：摄影术发明
第二章：“现代最非凡的发现”：19世纪50年代伦敦的3次摄影展
第三章：傲慢与偏见：19世纪的摄影展览
第四章：1891年维也纳艺术摄影国际展：图片创作的滥觞与偏见和误解的终结
第五章：阿尔弗雷德·施蒂格利茨与291画廊
第六章：1929年的“电影与摄影”展
第七章：纽约现代艺术博物馆与摄影：4个里程碑式的展览
第八章：“影像制造者”：罗伯特·德尔皮尔与巴黎国家摄影中心（1982—1996年）
第九章：装置成为艺术作品：从观念主义到沃尔夫冈·提尔曼斯
第十章：“你无法转过脸去”展览成为摄影记者的散记：萨尔加多与佩雷斯
第十一章：“每一个人”：“这就是纽约”

前言/序言

　　序
　　亚利桑德拉·莫罗
　　本书由经验而生。这经验来自那种复杂、迷人但往往被人低估的工作，即发挥视觉之旅作用的摄影展览设计和策划。
　　多年来，在不同场合和不同地点多次实践这一经验后，我感到想要更仔细地看看过去做了什么，以便理解指导摄影展览策展工作的共同特点和基本原理。具体言之，我想知道，在通行的展览实践中，摄影是否遵循自己的道路，由自身的动力及媒介的适应性来决定。换句话说，我想设法勾勒一个领域，探寻其历史，或者至少是它的惯例。于是我通过考察11个例证来讲述摄影展览的故事，而每一个例证都以自己的方式成为一个标志。
　　当然，这里所强调的展览从任何方面来说都不是一份详尽的列表，在摄影史上也不一定是最重要的展览，但是对于用摄影影像挂满一个物理空间的技巧而言，它们代表了重要的转折点。所有这些展览使影像被集体所消费，把所讨论的空间转化成一个特定的舞台，摄影在这里可以讲述一个故事，支持一种论点，或坚持某个见解。正如马奈所言，如果筹备一个展览其实是在确立战斗同盟的问题，那么摄影确实参与了诸多纷争。大部分纷争的引发，在于摄影维护自身身份，重申势力范围，强调它在感知和再现世界时的重要性甚至根本的作用。
　　接下来的11章记述了摄影发起的历次斗争。其中8章专门讨论了不久便成为分水岭的事件，展现了展示和认知的新方式。1章专门讨论由一家机构主办的4次展览，这家机构就是纽约现代艺术博物馆，长期以来被摄影界视为基准点。另外两章没有专门讨论单一的展览活动，而是讨论为摄影展览领域带来巨大变化的人物：阿尔弗雷德·施蒂格利茨（Alfred Stieglitz）及其具有开创性的纽约291画廊，以及罗伯特·德尔皮尔（Robert Delpire），后者曾主管巴黎国家摄影中心，在法国政府的直接支持下工作，其具体的工作领域是向更大范围的公众推广摄影这种对当代生活和文化遗产的表达。本书所讨论的所有活动都有着共同的公共事业。即便有些展览空间显得反其道行之（斯蒂格利茨的291画廊就是一家商业画廊；而最早主办《这就是纽约》[Here is New York]?展览的空间，是一家私营店铺），它们的经验仍昭示出与城市、国家乃至全球范围潜在的大量观众进行对话的渴望。
　　本书的叙事按照年代排序，偶尔会跳跃不同的时间跨度。整个叙事始于1839年，结束于2001年，离现在稍稍有段时间，于是便能够保持必要的距离，也许让我们可以在新千年刚刚开始时的展览中，看到反映当下摄影界及其价值观的形式和实践。与纽约现代艺术博物馆摄影部现任主任昆汀·巴耶克（Quentin Bajac）的对话被当做导言。他把本书的主题同他自己的工作实践结合起来，探讨每年面对、评价和解决围绕摄影公共经验的问题，以及摄影师、策展人和观众各自角色不断变化的定义。最后，本书还表现出一种发现摄影的新想法以及该媒介新的交流方式的努力。
　　任何集体工作都需要大量鸣谢。我也要感谢所有信任这项计划并以不同方式帮助其实现的人们。
　　首先，我要感谢罗伯特·科赫（Robert Koch）以及康特拉斯托的团队。我还要感谢文章的作者们：阿莱西亚·塔利亚文蒂（Alessia Tagliaventi）和弗朗西斯科·扎诺特（Francesco Zanot），我和他们一起对本书进行了大量讨论，还要感谢保罗－路易·罗贝特（Paul-Louis Roubert）、格里·巴杰（Gerry Badger）、大卫·斯宾塞（David Spencer）和米歇尔·弗里佐特（Michel Frizot）。感谢夏尔·特劳勃（Charles Traub）、昆汀·巴耶克和莱利娅·瓦尼克·萨尔加多（Lélia Wanick Salgado）慷慨拨冗。我还要感谢斯图亚特·史密斯（Stuart Smith）和贾斯丁·舒斯特（Justine Schuster）的平面设计工作，那真是不简单。
　　最后，这本书还需要一个慎重一些的献词：献给一个通过大大小小的展览，一直用摄影来与公众交流的人。他举办的展览提供了奇遇、争辩和讨论的机会，同时不失幽默和欢快，总是设法传达出摄影所能给予的讶异、发现和惊喜的感觉。
　　谨以本书献给罗伯特·德尔皮尔。

《凝视瞬间：穿越时空的摄影艺术集》 一部深度探索摄影艺术发展脉络的瑰宝，一次跨越百年光影的视觉盛宴。 《凝视瞬间：穿越时空的摄影艺术集》并非简单罗列一张张影像，而是一次深入灵魂的对话，一场与摄影艺术史的亲密接触。本书编纂者以非凡的眼光和严谨的态度，精心遴选了从摄影诞生之初至今，那些足以载入史册、引领潮流、或以独特视角挑战传统的标志性作品。这些作品不仅是技术演进的见证，更是人类情感、社会变迁、哲学思考的生动载体。 开篇：光影的初啼——摄影术的诞生与早期探索 故事从19世纪初摄影术的曙光乍现开始。本书将读者带回到那个充满好奇与实验精神的时代，回顾达盖尔、塔尔伯特等先驱者如何将化学与光线巧妙结合，捕捉下世界上第一个永久性的图像。我们得以一窥那些最早的银版照片和纸质底片，它们或许模糊，或许颗粒感强，但其中蕴含的，是对现实世界前所未有的一次“固化”。这不是简单的记录，而是人类第一次能够以如此真实且持久的方式，留住转瞬即逝的瞬间。 早期摄影师们，带着对新技术的无限热情，开始探索其可能性。他们拍摄肖像，为当时的名流贵族留下永恒的容颜；他们记录城市风貌，将正在飞速发展的工业时代定格；他们甚至将镜头对准异域风情，为公众打开了认识世界的另一扇窗。这些作品，虽与今日我们所熟知的摄影艺术尚有距离，但它们奠定了摄影作为一种表达媒介的基础，开启了后续无数的可能性。本书将详细介绍这些奠基之作，分析其技术局限与艺术价值，让读者理解摄影艺术的初心与萌芽。 中篇：艺术的觉醒——风格的多样化与流派的形成 随着摄影技术的进步和普及，艺术家们开始不再满足于简单的记录，而是将摄影视为一种独立的艺术形式，赋予其独特的审美追求。本书将深入探讨摄影艺术发展史上的各个重要阶段和流派。 1. “绘画主义”与“直觉摄影”的辩论： 在摄影术发展的早期，关于摄影是否能被称为艺术的争论从未停歇。一部分摄影师，如格尼·罗宾逊（Henry Peach Robinson），试图通过“绘画主义”的手法，模仿绘画的构图、光影和主题，将摄影提升至艺术的殿堂。本书将展示其精心编排的多重曝光作品，解析其背后对“美”的理解。而另一边，亚当斯（Ansel Adams）等“直觉摄影”的倡导者则认为，摄影本身具有独特的表现力，无需刻意模仿其他艺术形式，应直接捕捉现实的本质。他们运用卓越的技巧，展现自然景物的宏伟与细节，开启了风景摄影的新纪元。本书将对比分析这两种思潮，展示它们如何塑造了摄影的早期审美取向。 2. 纪实摄影的崛起与社会责任： 20世纪初，摄影开始承担起记录社会现实、揭露不公的重任。本书将聚焦于那些具有里程碑意义的纪实摄影作品。从雅各布·里斯（Jacob Riis）笔下贫民窟的艰辛，到多萝西亚·兰格（Dorothea Lange）在经济大萧条时期捕捉到的母亲的坚韧，这些影像不仅仅是客观的记录，更是对社会问题的深刻诘问，唤醒了公众的良知。我们将分析这些作品如何通过构图、光线和人物的情感表达，引发观者的强烈共鸣，并促成社会变革。 3. 现代主义的冲击与抽象的探索： 20世纪中叶，摄影艺术迎来了新的变革。以曼·雷（Man Ray）、莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）为代表的现代主义摄影家，大胆尝试新的技术和视角。他们运用移轴、多重曝光、拼贴等手法，打破传统视听，探索摄影的抽象性和形式美。本书将深入解析他们的实验性作品，揭示他们如何通过光线、阴影、线条和形状的组合，创造出充满想象力和现代感的视觉语言。 4. 街头摄影的生命力： 街头摄影，如同城市的脉搏，捕捉着日常生活中转瞬即逝的戏剧性与诗意。本书将展现一批杰出的街头摄影作品，如布列松（Henri Cartier-Bresson）的“决定性瞬间”，或罗伯特·弗兰克（Robert Frank）在《美国人》中所呈现的真实而复杂的美。我们将探讨街头摄影师如何以敏锐的观察力，在纷繁的街景中发现瞬间的平衡与意义，以及他们的作品如何反映了特定时代的社会文化氛围。 5. 人像摄影的内心世界： 人像摄影并非只是简单地记录面容，而是对人物内心世界的探索。本书将呈现不同时代、不同风格的人像摄影杰作。从早期一丝不苟的肖像，到20世纪后半叶更加强调个性和情感表达的作品，我们将看到摄影师如何通过光线、构图、表情和眼神，捕捉人物最真实的内在情感与精神状态。 6. 风景摄影的哲学思考： 风景摄影，是对自然之美的赞颂，也是对人类在宇宙中位置的思考。本书将精选一系列震撼人心的风景摄影作品，从安塞尔·亚当斯对美国西部荒野的敬畏，到其他摄影师对不同地貌、气候和季节的独特解读。我们将探讨这些作品如何通过对光影、色彩和空间的极致运用，引发观者对自然宏伟、渺小与永恒的哲学思考。 终篇：摄影的未来——观念的拓展与数字时代的挑战 进入21世纪，数字技术的飞速发展彻底改变了摄影的面貌。本书将探讨数字时代对摄影艺术带来的深刻影响。 1. 观念摄影的崛起： 随着技术的普及，摄影的边界被不断拓展。观念摄影（Conceptual Photography）的兴起，标志着摄影从对客观世界的模仿，更多地转向对思想、概念和理论的表达。本书将介绍一些重要的观念摄影作品，分析摄影师如何通过精心设计的场景、叙事性的构图，甚至文本的运用，来传达其独特的艺术理念和对社会、文化、身份等议题的思考。 2. 数字时代的影像语言： 数字技术不仅降低了摄影的门槛，更提供了前所未有的后期处理和影像合成的可能性。本书将探讨这些技术如何被艺术家们用来创造出超越现实的视觉体验，以及由此引发的关于真实性、作者身份和伦理的讨论。我们会看到，在数字时代，摄影的“观看”方式和“被观看”的方式都发生了根本性的变化。 3. 跨媒介的融合： 摄影不再孤立存在，它与其他艺术形式，如装置艺术、影像艺术、行为艺术等，产生了日益频繁的融合。本书将展望摄影在未来艺术领域中的发展趋势，分析艺术家们如何利用摄影作为媒介，与其他艺术形式进行对话与创新，共同探索新的表达可能性。 《凝视瞬间：穿越时空的摄影艺术集》 是一部集结了摄影艺术发展史上的璀璨明星的视觉百科全书。它以详实的文字和精美的插图，带领读者穿越历史的烟尘，感受每一帧光影背后的故事与情感。这本书不仅是摄影爱好者案头的必备读物，更是所有热爱艺术、关注人类文明进程的读者不容错过的智慧之选。它将激发你对世界的全新认知，让你重新学会“观看”，并深刻理解那些定格在胶片与数字文件中的，人类文明的珍贵印记。 本书并非一份枯燥的编年史，而是一场生动的旅程。每一个章节都旨在揭示摄影艺术如何回应时代、挑战常规、以及最终如何成为我们理解世界、认识自我不可或缺的语言。从最初的科学实验，到如今的观念表达，摄影的演进史，就是人类视觉文化发展史的一个缩影。翻开《凝视瞬间》，你将不仅仅看到一张张精美的图片，更将听到光影诉说的，属于人类的，跌宕起伏的艺术传奇。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究19世纪末期“绘画主义”的兴衰，这本书提供了一个极好的对照视角。书中对于转向现代主义的过渡期——那些试图用摄影模仿绘画，但又在清晰度上无法完全说服主流艺术圈的尝试——有着非常精辟的剖析。它详细对比了斯蒂格里茨早期的一些尝试与他后来转向纯粹摄影（Straight Photography）的理念转变过程，并引用了大量当时的评论文章。最让我耳目一新的是，作者并没有将这个时期简单地视为“错误的弯路”，而是将其定位为摄影艺术自我意识觉醒的关键阶段，是它必须经历的“青春期的叛逆”。我特别喜欢它对不同画廊和沙龙展览的复原性描述，仿佛真的能听到那些关于“什么是艺术”的激烈辩论声。尽管内容略显学术化，但其严谨的考据和引人入胜的叙事，完全抓住了我这个对摄影哲学感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对战时新闻摄影特别感兴趣的业余爱好者，我原本以为这本书会比较侧重于美术馆的馆藏精品，但它的广度让我惊喜。书中关于第一次世界大战时期，使用小型相机进行前线记录的章节，简直是教科书级别的资料整理。它不仅展示了那些著名的、经过严格筛选的宣传照片，更挖掘了一些匿名士兵的私人相册中的影像，这些影像的粗粝、未经修饰的真实感，与官方叙事形成了强烈的张力。作者对“在战场上拍摄的伦理困境”的探讨，也十分深刻，即摄影师如何在记录恐怖的同时，不让自己的镜头沦为煽动仇恨的工具。这种对图像权力背后人性的关怀，使得阅读过程充满了沉重但必要的反思。阅读完这一部分，我立刻去搜索了那些被审查或遗忘的战地影像集，这本书无疑为我打开了另一扇门。

评分☆☆☆☆☆

这本关于早期摄影史的画册，简直是一场视觉的盛宴。我尤其被其中对于达盖尔银版法出现前后，欧洲各国摄影师如何快速适应和发展新技术的论述所吸引。作者没有停留在单纯的技术介绍，而是深入探讨了当时的社会文化背景如何塑造了早期的摄影实践——比如，那种对“瞬间凝固”的近乎宗教般的热忱，以及早期肖像摄影中那种特有的、略显僵硬的庄重感。书中收录的那些鲜有露面的早期湿版照片的复刻品，清晰度高得令人惊叹，让我仿佛能触摸到那个时代的空气。特别是关于维多利亚时代旅行摄影师的作品分析，不仅仅展示了异域风光，更揭示了殖民扩张与视觉记录之间微妙的权力关系，这使得整本书的厚度远远超出了“艺术史”的范畴，它更像是一部深入人心的社会史。我花了整整一个下午，细细品味那些关于光影、化学反应以及人类观看方式转变的文字，感觉对摄影的理解被提升到了一个新的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就值得单独称赞一番。我通常对那些只注重内容的精装书持保留态度，但《照片秀》的排版和纸张选择简直是为摄影作品量身定做的。特别是处理20世纪中叶纪实摄影大师的作品时，书中的黑色油墨深邃得像是能吸走光线，完美再现了银盐照片那种无与伦比的层次感。比如，对布列松的某个决定性瞬间的特写页，其对光影边缘的处理，比我以往在其他画册上见到的都要出色得多。而且，书中对不同历史时期摄影印刷工艺的演变也有涉及，解释了为什么早期的铂金印相和后来的RC相纸在视觉效果上会有如此大的差异。这种对物质媒介的尊重，让每一次翻页都像是在进行一场小型的工艺欣赏会，这对于一个注重“手感”的读者来说，是极大的享受。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，要真正理解摄影史，必须跳出“谁是第一人”的窠臼，转而关注摄影如何渗透到日常生活的肌理中。这本书在这方面做得极为出色。它花费了大量篇幅来探讨商业摄影、广告摄影以及家庭快照（Snapshot）文化的兴起。书中收录了大量20世纪30年代到50年代的杂志广告页面，那些看似平庸的“产品图”，在作者的解读下，揭示了消费主义如何通过视觉语言来塑造大众的渴望和身份认同。特别是关于柯达“你按快门，剩下的交给我们”的营销策略对大众摄影普及的影响分析，非常到位，它将一个商业口号上升到了社会心理学的层面。这种从“殿堂级艺术”到“街头巷尾的可见性”的视角转换，极大地丰富了我对摄影作为一种全民媒介的理解。

评分☆☆☆☆☆

内容不错，值得推荐，，，

评分☆☆☆☆☆

还没看，不过包装和印刷都很好

评分☆☆☆☆☆

给孩子买的，孩子喜欢，京东活动给力，感谢京东。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

很棒的摄影书，介绍了历史上著名的几个影展，很好。

评分☆☆☆☆☆

内容有些晦涩，给业内人士看的

评分☆☆☆☆☆

内容有些晦涩，给业内人士看的

评分☆☆☆☆☆

平淡是心灵的单纯与宁静。 “我只能用平平常常的思想感情去了解他们，用平平常常的方法表现他们。这结果就是淡。” 这种淡，就是真，这种淡，也很浓。

评分☆☆☆☆☆

很好，印刷精美