中国书法经典·王铎赠汤若望诗册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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靳永 编

图书标签:

• 书法
• 王铎
• 汤若望
• 明清书法
• 诗帖
• 书法作品
• 中国书法
• 艺术
• 文化
• 珍本

出版社： 山东画报出版社

ISBN：9787547418222

版次：1

商品编码：11992035

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：44

套装数量：40

编辑推荐

　　碑帖法书，历代经典，沾溉我辈学书者；
　　美文妙墨，书苑英华，绵延唯美中国风。
　　“中国书法经典”丛书初定出版40种。丛书特点有四：
　　一、作品经典：所收作品皆为中国书法史上影响巨大的经典之作。
　　二、版本精良：所收拓本拓制时间早而且拓制精，所选墨迹来自各大博物馆馆藏之原作，这些版本题跋齐全，流传有序，精美绝伦，具有极高的版本价值。
　　三、释文严谨：采用训诂学的方法，按原作之字形以繁体字（或异体字）为作品加注释文，利于读者在欣赏作品之余提高文字学的修养。
　　四、原色呈现：全部彩色印制，完美呈现原作的韵致

内容简介

　　2014年度选题初步确定本丛书为30种，今扩为40种。此次撤销5种，增加15种。此次提交的15种包括《石鼓文》《泰山刻石》《晋唐五代名家墨迹选》《王羲之王献之尺牍》《王羲之十七帖》《怀仁集王羲之圣教序》《爨宝子碑》《龙门四品》《郑文公碑》《董美人墓志》《智永真草千字文》《虞世南孔子庙堂碑》《文徵明西苑诗》《董其昌濬路马湖记》《王铎赠汤若望诗册》。这些碑帖法书也都是中国书法史上的经典作品。“中国书法经典”已出版10种。本丛书的出版，旨在为书法爱好者提供一套具有一定版本价值的中国书法经典，延伸山东画报出版社的书法产品线，打造山东画报出版社的书法图书品牌。

作者简介

　　靳永，古文字学（含书法）博士，山东师范大学美术学院副教授，山东省书法家协会秘书长。著有《书法研究的多重证据法》《艺术之旅》《老子解说》《孟子译注》《杨沂孙篆书在昔篇》等著作。

翰墨丹青：中国传统绘画艺术探微 本书深入探究中国传统绘画的悠久历史、丰富流派及其独特的审美意蕴。从远古岩画的神秘印记，到魏晋风度的洒脱写意，再到宋代院体的精微逼真，直至明清文人画的意境营造，全面梳理了中国绘画演变的脉络。 第一章：源远流长——早期绘画的萌芽与发展 中国绘画的历史可以追溯到遥远的史前时期。本章首先考察了新石器时代陶器上的几何纹样和动物刻画，揭示了早期人类对自然朴素的观察与模仿。接着，重点分析了战国秦汉时期帛画和壁画的发现，例如长沙马王堆汉墓出土的《T形帛画》，其构图的宏大、色彩的浓烈，已展现出成熟的艺术手法和对宇宙观念的初步探索。我们探讨了这些早期作品如何奠定中国画“以线造型”的基本功底，以及墓葬文化对绘画题材与寓意的深刻影响。 第二章：魏晋风骨与唐代气象——线条的生命力与色彩的辉煌 魏晋南北朝时期，随着玄学思想的兴起和士人阶层的崛起，绘画开始从纯粹的宗教服务转向表达个人情怀。本章详细介绍了顾恺之“传神写照”的理论，并分析了其代表作《洛神赋图》中线条的“春蚕吐丝”之美，探讨了画家如何通过线条捕捉人物的精神内核。 进入唐代，中国绘画迎来了第一个高峰。本章分为两个部分：一是宫廷绘画的繁荣，以吴道子为代表的“吴带当风”画风，展现了盛唐气象的雄健与饱满；二是文人画的雏形开始出现，如王维山水画中的“诗中有画，画中有诗”的理念，标志着绘画审美趣味的转向。色彩上，唐代青绿山水和工笔重彩的技艺达到了登峰造极的水平，色彩的运用不再仅仅是描摹，而是成为情感的载体。 第三章：两宋格局——院体艺术的巅峰与审美情趣的转向 宋代是中国绘画艺术史上一个极为重要的转折点。本章着重论述了宋徽宗主导下的宫廷画院体系的建立与完善，强调其对写实精神和“格物致知”的推崇。通过分析范宽的《溪山行旅图》中宏大壮阔的北方山势，以及张择端的《清明上河图》中世俗生活的细腻描摹，展示了宋代绘画在构图的严谨性、笔法的精确性上所达到的高度。 同时，本章也阐述了与院体并行的文人画的进一步发展。以苏轼、米芾为代表的士大夫群体，将书法融入绘画，强调抒发个人性情，使得“意在笔先”的观念逐渐取代对物象的刻板模仿。这种对“雅”与“拙”的追求，为后世的写意水墨画奠定了理论基础。 第四章：元明之际——写意水墨的成熟与地域流派的勃兴 元代，随着蒙古族的统治，汉族知识分子大量投身艺术，山水画成为表达“遗民”情怀的主要途径。“元四家”——赵孟頫、黄公望、倪瓒、王蒙——的艺术成就构成了元代绘画的核心。本章深入剖析了他们如何继承并发展了宋代文人画的理念，尤其聚焦于倪瓒“简淡天真”的风格和笔墨中的萧索之气。 明代绘画呈现出多元化发展的态势。本章辨析了以“浙派”为代表的院体风格对前代的继承，以及“吴门画派”的鼎盛，特别是沈周、文徵明、唐寅、仇英“明四家”的贡献。我们探讨了吴门画派如何将文人画的抒情性推向新的高度，并使得地域性风格特征愈发鲜明。此外，还对晚明时期以董其昌为代表的“松江派”的南北宗论进行了细致的梳理，分析了其对后世中国画理论体系的深远影响。 第五章：清代余韵与地域探索——个性解放与技法革新 清代绘画在继承传统的基础上，力图寻求突破。本章首先探讨了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）的集大成之作，他们通过对前代名家笔墨的临摹与融合，构建了一套系统化的山水画范式，但也因此招致了对僵化的批评。 随后，本章将笔触转向了突破藩篱的艺术力量。以“金陵八家”和“扬州八怪”为代表的画家，他们的出现标志着对程式化艺术的强烈反叛。特别是以石涛和八大山人为代表的革新者，他们以极度的个人化语言，打破了笔墨的陈规，强调“我自成一家”。石涛“一画论”中的主体性表达，以及八大山人笔下极度夸张和象征性的造型，展现了中国画在精神层面追求的极致。 第六章：中国画的审美特质与哲学基础 本章是对中国传统绘画精髓的提炼与总结。首先阐述了“气韵生动”作为中国画的最高标准，它不仅是形似，更是神似的体现。其次，深入探讨了“计白当黑”的空间处理手法，揭示了中国传统哲学中“有无相生”的辩证观念在视觉艺术中的投射。笔墨的“干湿浓淡”变化，被视为画家修养、学识和性情的综合外化，而非单纯的描绘工具。最后，结合书法艺术，分析了中国画中“写”的内在要求——即通过线条的提按顿挫，实现对内在精神世界的瞬间捕捉。本书旨在引导读者不仅欣赏画面的美感，更能理解其背后深厚的文化积淀与哲学思辨。

评分☆☆☆☆☆

评价一： 这本书的装帧设计简直令人惊叹，拿在手里就能感受到那种沉甸甸的历史厚重感。封面选用了质感极佳的宣纸纹理，那种淡淡的墨香仿佛穿透纸张直达鼻尖，让人忍不住想立刻翻开细赏。内页的排版布局也十分讲究，留白的处理恰到好处，既不显得空旷，也不至于局促，完美地衬托出了主体内容——那些精美的书法作品。我尤其欣赏它在细节上的用心，比如每一页的边角处理，甚至是用来固定书页的线装工艺，都透露出匠人精神。这本书不仅仅是一本书，它更像是一件精心制作的艺术品，无论是作为案头摆设还是学习资料，都堪称一绝。光是看着它放在书架上的样子，就能让人心情平静，对传统文化产生由衷的敬意。这种对物质载体的极致追求，是当代许多出版物所缺乏的，值得每一个喜爱传统艺术的同道中人收藏。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 老实说，我购买这本书是带着一丝谨慎的期待，因为市面上同类书籍太多，真正能让人眼前一亮的少之又少。然而，这本书完全超出了我的预期。它的价值不仅仅体现在那些精美的墨宝上，更在于它所构建的那个文化场域。阅读它就像是进行了一次跨越时空的文化考古，每一篇引言、每一段考据，都像是一块拼图，将一个宏大而精妙的艺术体系呈现在眼前。我尤其喜欢它在版式设计上所流露出的那种自信与从容，没有过度的装饰，一切元素都服务于作品本身，显得大气磅礴却又不失文雅。这本书的出现，无疑是为当前的艺术学习领域注入了一股清新的、扎根于深厚底蕴的力量，它不仅是知识的载体，更是精神的指引，值得反复品读，常读常新。

评分☆☆☆☆☆

评价二： 作为一名对中国传统文人精神深有探究的爱好者，我发现这本书在内容选择和呈现方式上展现出了一种罕见的深度与广度。它并非仅仅罗列作品，而是似乎在引导读者进入一种特定的历史情境之中。阅读过程中，我能清晰地感受到不同历史时期文人之间的精神交流与艺术对话。作者（或编者）的注释和导读部分处理得尤为巧妙，既提供了必要的学术背景支撑，又避免了过度解读带来的生硬感，保持了一种恰到好处的距离感，留下了足够的想象空间给读者自行品味。这种“润物细无声”的引导方式，使得即便是初涉此道的读者也能轻松入门，而资深学者也能从中寻找到新的启发点。整本书的编排逻辑清晰流畅，像一条蜿蜒的河流，自然而然地将你带入中国古代文人那高洁脱俗的精神世界，读完之后让人久久不能平静，回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 这本书的装帧与内容处理方式，与我阅读过的许多同类书籍形成了鲜明的对比，它展现了一种极具现代视角的传统重塑。我欣赏它在数字化时代依然坚守了实体书的魅力，但同时，它又巧妙地运用了现代印刷技术来尽可能真实地还原原作的风貌，这一点至关重要。在色彩还原和细节捕捉上，我感受到了出版方倾注的巨大努力，那些细微的飞白和墨色的浓淡变化，都被忠实地记录了下来。此外，全书的开本设计非常人性化，它既方便携带和翻阅，又保证了欣赏大尺幅作品时的视觉冲击力。这种在“易用性”和“艺术还原度”之间的完美平衡，体现了出版团队对目标读者的深刻理解，这使得阅读体验极为流畅和愉悦，完全没有传统厚重古籍可能带来的不便感。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 我原本以为这会是一本枯燥的纯粹的技法参考书，但出乎意料的是，它在艺术鉴赏层面给予了我极大的满足。这本书的选材眼光独到，所收录的每一幅作品似乎都经过了极其严格的筛选，它们在技术层面上展示了登峰造极的功力，更重要的是，它们在情感表达上达到了极其丰富和细腻的层次。我对着其中几幅作品反复摩挲，试图去理解创作者当时的心绪波动，那种笔触中蕴含的力道、速度的转换，简直就是一种无声的叙事。这本书成功地将理论的学习转化成了一种直观的、沉浸式的体验，它教会我的不是“怎么写”，而是“为什么要这样写”，这种哲学层面的引导，远比单纯的描摹技巧重要得多。对于希望提升自身审美境界的读者来说，这是一本不可多得的良师益友。