社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李昕 著

图书标签:

• 钢琴
• 考级
• 音乐
• 演奏
• 指南
• 教材
• 艺术
• 教育
• 素养
• 技能

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810967891

版次：1

商品编码：12139720

包装：平装

丛书名： 社会音乐考级指南系列丛书

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：106

正文语种：中文

内容简介

　　《社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》亮点：
　　1.了解作品背景，增强艺术表现力。通过阅读作品简介、作曲家生平及其创作特点等，加深对作品社会文化内涵的理解。
　　2.把握音乐结构，正确处理宏观与微观的关系。学习从科学角度分析并掌握作品的曲式结构、乐句关系、主题特点，把作品表现得更有层次。
　　3.训练技术能力，提高演奏技巧。规范指法、句法、奏法、踏板等技术训练方式，学会总结并灵活运用各种演奏技巧，养成良好的学习习惯。
　　4.表达音乐思想，塑造艺术形象。培养感受力、想象力、鉴赏力等音乐审美素质，提升演奏者二度创作的水平，运用符合作品风格的音乐语言，塑造其鲜活的艺术形象。

作者简介

　　李昕，中央音乐学院钢琴系副教授，中央电视台音乐频道《音乐告诉你——钢琴课堂》主讲人，中央音乐学院海内外钢琴业余考级评委，毕业于中央音乐学院钢琴系和德国斯图加特音乐学院钢琴系，师从我国著名钢琴家和钢琴教育家、中央音乐学院钢琴系系主任吴迎教授和德国钢琴家、教育家Konrad Richter教授。李昕老师曾在全国各地及香港地区举办各种形式的音乐会和钢琴大师班，曾与著名指挥家谭利华先生指挥的北京交响乐团合作演出钢琴协奏曲专场音乐会。2011年9月，曾两次受邀在北京国家大剧院举办中外钢琴作品专题讲座，其中，钢琴协奏曲《黄河》赏析会受到观众和音乐爱好者们热烈欢迎。2012年10月与青年钢琴家孙晓丹合作，在国家大剧院和中央音乐学院音乐厅举办双钢琴音乐会，并受邀在北京第五届室内乐音乐节上举办专场演出。
　　李昕老师在钢琴教学工作中善于总结教学经验，尝试多种教学模式，注重因材施教，努力创新，教授的学生曾获得国内外多项钢琴比赛殊荣，其中多位学生被英国皇家音乐学院、美国曼哈顿音乐学院等国外著名专业音乐院校录取，继续攻读钢琴表演硕士学位。李昕老师在我国普及钢琴教育方面也做出了很多努力，出版发行多套钢琴教学光盘和钢琴教程，举办社会音乐教师培训讲座，并通过网络进行在线授课。她曾担任国内国际钢琴比赛以及中央音乐学院校外业余钢琴考级评委。
　　李昕老师曾荣获中央音乐学院颁发的“德艺双馨”先进个人称号和中共北京市委教育工作委员会及北京市教育委员会颁发的北京高校优秀德育工作者称号。

内页插图

目录

基本练习弹奏要领

如何学习练习曲
练习曲Op．10 No．5弹奏要领
森林的呼啸（音乐会练习曲两首之一）弹奏要领
音画练习曲Op．33 No．4弹奏要领
练习曲No．7弹奏要领

如何学习复调乐曲
意大利协奏曲（第一乐章）BWV971弹奏要领
赋格曲（选自《24首前奏曲与赋格》No．5）弹奏要领
前奏曲（选自《英国组曲》第二套BWV807）弹奏要领
民间玩具（选自《他山集》N0．4）弹奏要领

如何学习大型乐曲
bE大调奏鸣曲（第一乐章）Hob．XVI/52弹奏要领
奏鸣曲（第一乐章）Op．31 No．2弹奏要领
奏鸣曲（第三乐章）Op．27 No．2弹奏要领
奏鸣曲（第一乐章）Op．120弹奏要领

如何学习中小型乐曲
弄臣（根据威尔第歌剧《弄臣》改编）弹奏要领
水的嬉戏弹奏要领
g小调前奏曲Op．23 No．5弹奏要领
新疆随想曲（1978年）弹奏要领
参考文献

音乐的殿堂：一部面向未来的音乐理论与实践探微录 引言：超越音符的构建 本书并非聚焦于某一种特定乐器或等级的考级标准，而是深入探讨音乐艺术的本质结构、历史演变及其在当代社会中的多元实践。我们致力于为所有热爱音乐、渴望理解其深层逻辑的读者提供一个广阔的理论框架与丰富的实践视角，旨在拓宽音乐思维的边界，而非仅仅停留在技巧的雕琢上。 本书的视野横跨古典主义的严谨结构、浪漫主义的情感洪流，直至二十世纪至今的实验性探索。我们相信，真正的音乐素养建立在对“为何如此”的深刻理解之上，而非仅仅“如何做到”。 第一章：音高与音律的宇宙学：从毕达哥拉斯到十二平均律的哲学思辨 本章将系统梳理人类对声音的认知历史。我们将从古代文明中对音高和谐的原始探索开始，重点剖析毕达哥拉斯学派如何将数学的精确性引入音乐的感性世界。随后，我们将详细阐述不同历史时期（如中世纪的“纯律”系统、巴洛克早期对音律调整的挣扎）如何试图解决“纯净与兼容”之间的矛盾。 重点分析了巴赫时代逐步确立并被广泛接受的“十二平均律”体系。我们不仅仅介绍其物理声学基础，更重要的是探讨这种“牺牲了部分纯度以换取和声的无限可能性”的妥协，对后世作曲技法产生的根本性影响。本章将运用图表和历史案例，解释为什么特定的调性色彩（如D大调的明亮感或降E小调的忧郁感）是如何在平均律框架内被构建和感知的。 第二章：和声的逻辑与情感的编码：功能和声学原理的深度解析 本章是本书的核心理论板块之一。我们摒弃将和声视为简单规则堆砌的看法，而是将其视为一套描述人类情感和逻辑推进的语法系统。 主导与解决的张力： 深入剖析T-S-D（主和弦-下属和弦-属和弦）的功能性关系，解析其在建立乐曲结构和预期中的决定性作用。我们将通过分析莫扎特和贝多芬的奏鸣曲快板乐章，展示功能和声如何构建宏大的叙事结构。 非功能和声的边界探索： 考察浪漫主义晚期（如瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》）如何通过模糊功能关系、引入不协和音的长期悬置，来表达前所未有的内心冲突与渴望。 二十世纪的和声革命： 详细介绍德彪西的“印象派和声”（强调色彩而非功能）、荀伯格的“十二音体系”及其对传统调性中心依赖的彻底颠覆。我们对比分析了这两种截然不同的解决方式，探讨它们如何拓展了和声表达的维度。 第三章：复调的织体与对位法的艺术：结构的力量 本章将焦点集中在声音线条的交织与独立性上。复调音乐被视为音乐结构主义的巅峰体现。 对位法的严谨性： 详细讲解帕莱斯特里那风格的严格对位法原理，分析五种基本对位形式的规则与限制。我们侧重于理解这些限制如何激发作曲家的创造力——“在约束中求自由”。 赋格的建筑美学： 以巴赫的《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》为例，系统拆解主题的呈示、展开、插入段与再现等各个环节。本章将提供详细的织体分析图示，展示不同声部如何独立进行“对话”的同时，共同服务于一个统一的整体结构。 织体密度与情感表达： 分析从单音音乐到厚重管弦乐配器的过程中，织体密度的变化如何直接影响听众的心理感受。探讨如何通过声部增减、增减复调的复杂程度来控制乐曲的戏剧张力。 第四章：音乐形式的范式演变：从序列到叙事 音乐形式是内容得以清晰表达的容器。本章梳理了西方音乐史上主要的结构模型及其演变路径。 奏鸣曲式的内在张力： 深入剖析奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的“冲突-解决”模型。我们将重点解析发展部在结构中的作用——它不仅是材料的再组合，更是对呈示部所建立的调性/主题冲突的逻辑推演与最终和解的准备过程。 变奏曲的无限可能： 分析变奏曲如何成为作曲家展示主题内在潜能的“微观实验室”。从巴赫的咏叹调变奏到勃拉姆斯的宏大体系，探讨不同变奏手法（旋律、和声、节奏、织体）的运用效果。 二十世纪的解构与重组： 考察打破传统形式界限的尝试，例如斯特拉文斯基对传统舞曲形式的碎片化重组，以及极简主义音乐中对“重复与过程”本身作为形式的处理。 第五章：节奏的生命力与时间感知的心理学 节奏不仅是时间的划分，更是驱动音乐前进的内在动力。本章从物理学角度切入，探讨节奏感知的心理学基础。 节拍、韵律与律动： 区分“节拍”（Meter，外部框架）与“韵律”（Rhythm，内部流动）。分析复杂拍号（如5/8、7/8）如何影响听众的身体反应和时间预期。 跨节拍与复节奏的动态平衡： 详细解析在不同文化和音乐风格中，如何运用复节奏（Polyrhythm）和跨节拍（Polymeter）来创造出复杂的、多层次的律动结构。探讨非洲音乐和现代爵士乐中对“弹性节奏”的精妙处理。 时间的停滞与加速： 分析慢速乐章或慢板乐段中，如何通过密集的装饰音或极简的材料重复来“拉伸”时间感，以及快速的序列性材料如何造成“时间加速”的错觉。 结语：走向未来的音乐视野 本书的最终目的，是培养读者一种批判性、开放性的音乐思维。理解了古典体系的严谨性，才能更好地欣赏其突破；掌握了功能和声的逻辑，才能更深入地理解无调性音乐的诉求。音乐理论并非束缚创造力的枷锁，而是理解和表达复杂人类情感的强大工具。本书期望成为读者在探索音乐世界中，一座坚实而广博的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

最近迷上了一个新爱好，想提升一下自己的钢琴演奏水平，所以在网上搜罗了不少资料。偶然间看到一本叫做《社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》的书，虽然我还没来得及细看，但仅仅是瞥一眼目录和封面，就感觉它内容非常丰富，肯定能帮我不少忙。它涵盖了从基础乐理到高级演奏技巧的方方面面，还特别强调了对作品的深入理解和情感表达，这正是我现在最需要加强的地方。我尤其期待里面关于不同风格乐曲的分析，比如肖邦的夜曲、贝多芬的奏鸣曲等等，我一直觉得要弹好这些经典作品，光靠技术是不够的，还需要体会作曲家的情感和创作意图。这本书似乎在这方面给了我很多启发，让我对接下来的练习充满了期待。我计划每天花一些时间，对照着书上的讲解，去练习那些我一直弹不好或者觉得很难掌握的段落，相信通过系统性的学习和练习，我的琴技一定会有质的飞跃。这本书的装帧设计也很精美，纸张质量也很好，阅读体验很棒，这在一定程度上也增加了我学习的动力。总而言之，这本书给我一种非常专业、系统、且充满启发的学习指引，是我朝着演奏级目标迈进的坚实一步。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，《社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》不仅仅是一本考级指导书，更是一部关于钢琴艺术的宝典。我之所以这么说，是因为它在提供考级所必需的知识和技巧的同时，还融入了大量的音乐美学和艺术鉴赏的内容。书中对不同时期作曲家的风格特点、作品的时代背景以及演奏中需要注意的音乐风格把握，都有着独到且深刻的见解。我尤其喜欢书中关于如何处理乐句的讨论，它不仅仅是告诉你如何弹奏音符，更是引导你去思考每个乐句的呼吸、起伏和情感走向，这让我的演奏从“弹奏”上升到了“表达”。而且，书中对于一些高难度技巧的讲解，也非常地细致入微，从动作的分解到力量的运用，都有详尽的指导，这对于我这种追求极致演奏的爱好者来说，非常有价值。我常常会带着这本书去听音乐会，对照着书上的分析，去感受现场演奏与书本理论之间的联系，这种跨界的学习方式让我对音乐的理解更加立体和深刻。这本书让我看到了钢琴演奏的无限可能，它不仅仅是技术的比拼，更是心灵的对话。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐老师，在教学过程中，我一直在寻找一本能够系统性指导学生进行钢琴考级训练的优秀教材。这次有幸接触到《社会音乐音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》，我感到非常惊喜。这本书的编排逻辑非常严谨，从入门到高级，每一个阶段的学习内容都安排得恰到好处。我尤其欣赏它对于不同考级曲目的解析，不仅仅停留在指法和技巧层面，更深入地挖掘了作品的音乐内涵和风格特点，这对于培养学生的音乐审美至关重要。书中还包含了很多关于音乐表现力的指导，例如如何运用强弱、速度、音色等变化来丰富乐曲的层次感，如何通过情感的投入来打动听众，这些都是考级中非常重要的评分维度。此外，这本书的语言风格也十分专业且易于理解，即使是初学者也能从中获得很多启发。我计划将这本书作为我指导学生考级的主要参考书，相信它能够帮助我的学生更有效地提升演奏水平，顺利通过考级，并从中获得真正的音乐享受。

评分☆☆☆☆☆

我是一名钢琴初学者，之前一直断断续续地学，总感觉自己掌握的知识零散，缺乏一个清晰的学习路径。当我拿到《社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》这本书时，我立刻被它清晰的结构和循序渐进的教学方法所吸引。虽然我还没达到“演奏级”的标准，但这本书的前半部分已经让我受益匪浅。它从最基础的乐理知识讲起，比如音程、和弦的构成，然后逐步深入到节奏、速度和力度变化的处理。我最喜欢的是书中那些详细的练习方法，针对不同的技术难点，都提供了非常实用的练习曲和练习方法，这让我不再盲目练习，而是有针对性地去提高。而且，书中配有很多图示和标记，使得抽象的音乐概念变得直观易懂。我常常觉得，学习钢琴就像建造一座大厦，而这本书就像提供了最坚实的地基和最清晰的蓝图，让我知道我应该往哪里努力，如何一步一步地向上搭建。我现在每天都会抽出固定的时间，跟着书上的内容练习，感觉自己的手指变得更灵活了，对乐谱的理解也更深了。这本书为我打下了坚实的基础，也让我对未来的学习充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐领域摸爬滚打了多年的业余爱好者，我始终在寻找能够真正帮助我突破瓶颈的教材。最近入手了《社会音乐考级指南系列丛书：钢琴（演奏级）》，翻阅了几页后，我感受到了一种前所未有的系统性和深度。它不仅仅是简单的曲目堆砌，而是深入剖析了每一首作品的音乐结构、和声语言以及演奏中的难点与技巧。例如，书中对于一些标志性段落的处理，给出了非常具体且具有操作性的建议，这对于我这种喜欢钻研细节的学习者来说，简直是福音。我特别留意到，它在强调技术层面的同时，也高度重视音乐的表现力，比如如何通过触键的细微差别来塑造音色，如何运用踏板来营造空间感和延音效果，这些都是我之前比较忽略的方面。而且，它不仅仅局限于某一特定的时期或风格，而是覆盖了钢琴音乐发展史上的重要时期和代表性作曲家的作品，这对于拓宽我的音乐视野非常有帮助。我非常赞同书中“理解是演奏的基础”这一理念，并期待通过这本书的指导，能够更深刻地理解每一首乐曲背后的故事和情感，从而将技术与情感完美地结合，真正做到“用心去演奏”。