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沈尹默 著

图书标签:

• 书法
• 沈尹默
• 书法理论
• 中国书法
• 艺术史
• 书法技法
• 清代书法
• 书法家
• 传统文化
• 艺术

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558606380

版次：1

商品编码：12286245

包装：平装

丛书名： 二十世纪中国书法名家理论艺丛

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：151

正文语种：中文

内容简介

　　沈尹黙书法作品广泛流传于海内外，深得人们的喜爱，沈老对书法的理论阐述结合了自身大量的书法实践，他十五岁已可为人书写扇面，在书法艺术上可谓年少成名，然对于书论的总结与阐发，却为时较晚，实为出自肺腑及经历了自身的实践、消化与吸收，为普及传统文化艺术，陆续整理、发表了很多书法学习的经验，《沈尹默论书法》在语言上力求深入浅出，使人易于接受，绝不作玄妙之言，以期能对后学起到帮助。

内页插图

目录

引言
1．笔法
2．笔势
3．笔意
4．余论

历代名家学书经验谈辑要释义
1．唐韩方明《授笔要说》
2．后(东)汉蔡邕《九势》
3．南齐王僧虔《笔意赞》
4．唐颜真卿《述张旭笔法十二意》
二王法书管窥——关于学习王字的经验谈
论书诗词
序跋
附录 沈尹默先生年谱简编
后记

《翰墨丹青：中国传统绘画的审美与技法》 内容提要： 本书旨在深入探讨中国传统绘画的博大精深，涵盖从魏晋风骨到近现代革新中的核心美学思想、主要画科的技法演变，以及历代名家大师的创作心路。全书以严谨的学术态度和流畅的文笔，结合大量经典画作的细致剖析，勾勒出中国绘画独树一帜的艺术体系。重点剖析了“气韵生动”的哲学内涵，解析了文人画与院体画的差异与互鉴，并详细阐述了笔墨在表现自然万物中的无限潜能。对于学习者和爱好者而言，本书不仅是一部理论的指南，更是一扇通往东方艺术精神世界的窗口。 --- 第一章：东方审美的基石——“道”与“气”的融合 中国绘画的独特之处，在于其深受中国哲学思想的浸润。它并非简单地模仿客观世界，而是追求“形神兼备”，以“神”驭“形”。本章将追溯这一美学观的源头，探讨儒家“中和”思想、道家“自然无为”理念以及佛家“空”境对绘画创作的深刻影响。 1.1 气韵生动：从“六法”到心性修为 谢赫提出的“六法”，尤其是“气韵生动”，是中国绘画理论的灵魂。我们必须超越字面理解，深入探究“气”的本质。此“气”非单纯的空气，而是生命力、精神能量与宇宙律动的结合体。画家必须通过自身的学养和心性修持，将这种内在的“气”注入笔端，方能使画面具有生命力。本章将对比不同历史时期对“气韵”的侧重，例如魏晋时期对魏晋风度的追摹，以及宋代对理学精神的融入。 1.2 笔墨本体论：线条的哲学意义 在中国画中，线条（笔）与墨色（墨）是构建一切的物质基础，却承载了超越物质的精神重量。笔法不仅是描绘形态的工具，更是画家心性的直接投射。本节细致区分了中锋、侧锋、藏锋等基本笔法的运用效果，并讨论了墨分五色的层次变化——焦、浓、重、淡、清——如何模拟自然界无穷的光影与质感。墨色的浓淡干湿变化，实则是对世界复杂性的微妙捕捉。 1.3 计白当黑：留白中的无限意境 留白，或称“计白”，是中国画中最为高妙的手法之一。它不仅是空间的安排，更是哲学的体现——“无”中生“有”。通过对空白的处理，画面获得了呼吸感和无限的想象空间。本章将分析留白在不同画科中的作用，例如在山水画中构成云雾、水气，在花鸟画中烘托主体，以及在书法艺术中引导气流。 --- 第二章：画科的传承与分流——山水、花鸟、人物的演变 中国绘画因题材与功能不同，形成了三大基本画科。本章按时间脉络梳理了三大画科的发展脉络、技法特点及代表人物。 2.1 山水画的崛起与“卧游”情怀 山水画从魏晋时期的“绘事小道”逐步提升至与人物画并驾齐驱的地位，标志着文人精神的胜利。 唐代的青绿与水墨之争： 李思训的富丽堂皇（青绿山水）与王维的水墨禅意（水墨山水）构成了早期山水画的两大源流。 宋代的成熟与法度： 范宽的雄伟、郭熙的“可行、可望、可游、可居”理论，确立了山水画的审美规范。 元代的“胸中丘壑”： 元四家（黄公望、倪瓒等）强调“笔墨趣味”，将个人的情怀与笔墨的干湿浓淡融为一体，标志着文人画的巅峰。 明清的程式化与复兴： 董其昌的“南北宗论”对后世影响深远，而“四王”则致力于对前代经典的梳理与集大成。 2.2 花鸟画的写意与传神 花鸟画，自唐代边鸾、黄筌开创工笔重彩一路以来，至宋代院体趋于精微，后经由文人画的介入而获得了新的生命力。 “写意”的诞生： 徐熙、赵昌，特别是宋徽宗的“格物致知”精神，使得花鸟画不再局限于装饰，而成为观察自然、体悟生命的媒介。 墨戏的解放： 元代的王冕以水墨写意梅花，突破了色彩的限制，将花鸟画推向了与山水画相近的精神高度。明清时期，陈道复、徐渭等人的大写意风格，更是将笔墨的自由发挥推向极致。 2.3 人物画的史诗与世情 人物画是中国最早发展成熟的画科，承担着“图像叙事”和“道德教化”的重任。 顾恺之的“传神论”： 对人物精神的捕捉先于形体的描绘。 吴道子的“吴带当风”： 线条的动感与节奏感塑造了盛唐气象。 宋代世俗化倾向： 表现日常生活与社会风貌，如张择端的《清明上河图》。 --- 第三章：技法精研——从临摹到创作的路径 本章致力于为读者提供一个清晰的技法学习框架，强调“熟能生巧”与“触类旁通”相结合的方法论。 3.1 笔法基础训练：中锋的内涵与外用 详细讲解执笔的姿势、提按顿挫的力度控制。强调“中锋”的练习绝非僵硬的圆笔，而是内含筋骨的弹性，并分析中锋在描绘藤萝、树干、人物衣纹时的具体变化。 3.2 墨法运用：干湿浓淡的立体构建 墨法的学习是理解水性与纸性的过程。本节教授如何利用水分控制墨色在宣纸上的洇化规律，区分“破墨”、“积墨”、“泼墨”等技法的运用场合。例如，破墨法如何营造山石的苍茫厚重，泼墨法如何表现云涛的磅礴气势。 3.3 皴法探源：山石的肌理与生命 皴法是山水画中表现山石纹理的核心技术，每一种皴法都对应着特定的地域风格和时代精神。 披麻皴与斧劈皴： 区分其对表现对象（如柔和的土山与坚硬的岩石）的选择。 荷叶皴与元人笔意： 探讨元代画家如何将皴法简化、笔墨化，以达到抒发性情的目的。 晕染法（渲染）： 在完成基本皴墨后，如何运用淡墨和花青、赭石等颜色进行大面积的渲染，以增强画面的空间深度与氛围感。 3.4 设色之道：天然去雕饰的色彩观 中国画的设色，尤其在文人画体系中，强调“随类赋彩”与“以色助墨”。本章将剖析石青、石绿等矿物颜料的稳定性与厚重感，以及藤黄、胭脂等植物颜料的透明性。重点阐述“淡彩”的运用，即如何用极淡的色彩轻轻拂过墨痕，既不破坏笔墨的力度，又能增添色彩的韵味。 --- 第四章：近现代的转型与再创造 进入近现代，中国画遭遇了前所未有的文化冲击，在“中西互鉴”的背景下，传统绘画如何寻求出路？ 4.1 变革的呼声：从“摹古”到“写生” 洋务运动和新文化运动对传统艺术提出了“写实”与“创新”的要求。本章分析了写生理念的引入对人物画、花鸟画形态准确性的提升，以及对传统程式化语言的冲击与改造。 4.2 海上画派的革新精神 以吴昌硕为代表的海派画家，如何将金石入画，以篆隶入笔，将花鸟画的笔墨从细腻柔美转向雄浑恣肆，开创了融合碑学与传统文人画的新局面。 4.3 岭南画派与折衷主义 着重分析高剑父、高奇峰、陈树人等如何吸收西方写实光影和透视法，试图在保持中国画线条骨力的同时，使画面更具立体感和时代气息，体现了“折衷”中的创新与调和。 本书力图全面、深入地展现中国绘画艺术的内在逻辑与外在表现，引导读者不仅欣赏其表象之美，更能领悟其背后深邃的东方智慧。

评分☆☆☆☆☆

读完中段，我最大的感受是，这本书提供的不仅仅是“看”书法的理论，更是教会了如何“想”书法，如何将书法的审美融入到日常的生活哲学中。它超越了技法层面的探讨，直指艺术的内核——人与笔墨、人与世界的精神连接。作者探讨了如何从自然万物中汲取创作灵感，如何通过对自身性情的锤炼来提升书写境界，这部分内容对于那些在创作上感到瓶颈的同道中人来说，无疑是醍醐灌顶。它提醒我们，书法不是僵硬的符号堆砌，而是生命状态最直接的投射。我发现自己开始带着一种全新的眼光去审视日常生活中遇到的线条和结构，那些平日里容易被忽略的瞬间，似乎都蕴含着某种潜在的秩序和美感。这种由内而外的观念重塑，才是真正有价值的收获。

评分☆☆☆☆☆

初读几页，我便意识到，这套书的作者在学术梳理上花费了巨大的心血，其文献的广博与考据的精细，远超我此前的想象。他似乎并不满足于停留在表面现象的描述，而是深入到中国书法艺术的源流深处，对历代书论的流变进行了细致入微的剖析。书中对某些关键性概念的界定时，展现出一种旁征博引、鞭辟入里的学术功力，常常能将那些以往模糊不清的理论节点，阐释得豁然开朗。我尤其欣赏作者在引入西方美学理论视角时所展现出的审慎与平衡，他既没有盲目套用，而是巧妙地将之作为辅助工具，来映照和深化对中国传统“意境”的理解，使得整部论述既有扎实的传统根基，又不失现代思想的穿透力。这种将历史脉络与理论思辨紧密结合的写作方式，极大地提升了阅读的层次感，让人在获得知识的同时，也经历了思维的深度拓展。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格，与其说是严肃的学术论著，不如说更像是一位睿智的长者在娓娓道来他毕生的体悟与洞见。行文中那种从容不迫的节奏感，极大地缓解了阅读专业性内容的疲惫。作者在阐述一些极富哲理性的观点时，常常会穿插一些生动的小故事或贴切的比喻，这些“留白”之处，不仅没有削弱论证的力量，反而赋予了文字一种灵动和亲切感。比如，他谈论“气韵生动”时，用到的那个关于山涧溪流的比方，读来让人心神为之一振，立刻就能领会那种动态的生命力。这使得那些原本可能高悬于殿堂之上的书法理论，变得触手可及，仿佛他正坐在我对面，用最真诚的语言，引导我进入到那个充满创造力与生命力的艺术世界。这种润物细无声的引导方式，是很多理论书籍所欠缺的宝贵品质。

评分☆☆☆☆☆

最后，这本书的价值还体现在它对后世影响的梳理上，这一点处理得尤为精妙。作者没有采取简单的罗列式介绍，而是通过对比和分析，清晰地勾勒出不同流派和个人风格是如何承袭与反叛，最终汇集成中国书法发展史的壮阔图景。这种结构性的梳理，使得原本零散的知识点形成了一个有机的整体，让人对书法史的理解不再是片段式的，而是具有了宏观的把握能力。阅读完结时，我有一种意犹未尽的感觉，它成功地激发了我更深入研究相关领域的热情，并且提供了一套清晰的路径图，告诉我下一步应该去探索哪些方向。总而言之，这是一部既有深度又有广度，同时兼具阅读愉悦感的佳作，它在我的案头将占据一个非常重要的位置，注定会被反复翻阅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在令人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，我就被它沉稳又不失雅致的气度所吸引。封面那种略带粗粝感的纸张，仿佛自带一种历史的厚重感，配上烫金的标题，在光线下折射出低调而内敛的光泽。内页的排版也极为考究，字体的选择和行距的处理，都体现出一种对传统美学的深刻理解，让人在阅读时感到无比的舒适与尊重。尤其是那些精选的插图和范本，它们的印刷质量达到了惊人的水准，墨色的浓淡干湿、笔触的力度变化，都清晰可见，几乎能让人感受到书写者在创作时的气息。这不仅仅是一本“书”，更像是一件值得珍藏的艺术品，光是把它放在书架上，都能为整个空间增添一份文气和格调。细节之处见真章，从书脊的装订到扉页的设计，无一不透露出出版方对内容本身的珍视，这让作为读者的我，在翻阅前就充满了期待与敬意，感觉自己即将接触到的，是一份沉甸甸的文化馈赠。

评分☆☆☆☆☆

不错是一本好书。

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